Nicoletta Bidoia, da “Scena muta”, Ronzani Editore 2020, nota di Laura Caccia - La parola che danza

La parola che danza

Perché la parola possa danzare occorre creare silenzio intorno. Fare del tacito il protagonista. Sul palcoscenico, come sulla pagina bianca. E perché possa trovare espressione occorre predisporre fondali di vita in cui fare esperienza di tutto il sospeso, il nascosto, il non detto. Necessita che si metta a nudo ciò che, nel paesaggio visibile, il silenzio accompagna: il biancore delle nevi e dei ghiacci, la durezza della stagione invernale, la stretta del gelo che assidera storia e natura. E che si penetri in ciò che, nel paesaggio invisibile, il silenzio custodisce: l’oscuro, il segreto, l’enigma.

Così Nicoletta Bidoia ci conduce, in Scena muta, attraverso i rigori taciti della realtà e la dolcezza misteriosa del reale più intimo, tra ‘La morsa’ e ‘Il caro enigma’. Cercando di «sottrarre al chiaro / ciò che conta», di esprimere quel «sentimento oscurato dalle labbra» che possa essere reso con la sola forza interiore. Quando il dolore «si imbosca / nelle parole». Fino a che la voce possa trovare, dentro di sé, i suoi passi, così come, nel movimento del corpo, il suo ritmo. A partire da quanto messo in luce dalla danza. Facendo rivivere sia le esperienze adolescenziali, nelle parti in prosa di ‘Ora per allora’, sia quelle di una figura leggendaria del balletto classico, nei versi dedicati a Vaslav Nijinsky in ‘Finiremo per trovarci’, attraverso la rielaborazione poetica dei suoi Diari. Uscendo così dal mutismo, per quanto in grado la danza, nei virtuosismi del ballerino russo, di mettere in luce interiorità e visione, intensità e follia, profondità e vertigine

Una danza che, dopo aver attraversato gelo e oscurità, non possa accontentarsi delle coreografie del visibile. Una danza che si faccia verità. Che, come il principio, scardini e stremi. E che richieda una scena muta intorno per innalzarsi e rimanere in sospeso. Che si nutra di quel sollevarsi nell’aria che più che movimento è immobilità e silenzio. Nella vertigine della fissità. In quell’azzurro che Nijinsky, anche nelle parole dell’autrice, afferma di conoscere, attraverso la sua capacità estrema di alzarsi in volo e di prolungarne la sospensione. In quel silenzio e in quella sospensione la parola poetica di Nicoletta Bidoia si fa anch’essa danza, scegliendo una «scena / da poco», «i versi muti di chi muore a sé / e non ritorna» e «una sintassi nuova / dove i segreti sostano per qualche ora / chiamandosi per nome».

 

Da: La morsa

Quando finirà

questo secolo lungo di ghiacci

e novene, l’irrigidirsi dei propositi

che cristallizzano col fiato?

 

Ci chiediamo se sia del bianco

l’invenzione dell’eterno.

 

***

Abbiamo puntellato le travi

perché non cedano agli inverni

e trovino forza dal basso.

Conversiamo sottovoce di pane

e di vento e di come da tempo

si raffreddi anche la retina

che tutto stenta a trattenere.

 

Ogni giorno, prima di uscire,

mandiamo a memoria gli alfabeti,

li prepariamo a concentrarsi

su pensieri di tundra

e la durezza che c’è.

 

Da: Il caro enigma

 

Eppure in questo esilio

c’è spazio per sussurri,

premure e capogiri

che si appoggiano alla gioia.

La si vede a occhio nudo.

In questa calma teoria di silenzi,

che cova godimenti e pleiadi

più intime, c’è una sintassi nuova

dove i segreti sostano per qualche ora

chiamandosi per nome.

E se è arduo decifrare nelle stanze

le rotte degli amanti, tradurremo

ogni passo in una data,

nell’ora immacolata della notte.

 

***

Siete tutti così intelligenti, così attivi.

Qui è scena muta, è scena

da poco. Si depongono

le attitudini come chi preferisce

mancare lo scopo e ama solo

i tempi morti.

 

Da: Ora per allora

III

Tornò settembre, il secolo era diverso; Com-prai al mercato tre rose bianche, una per ogni tomba. Prendemmo il treno per la laguna e puntammo dritte a San Michele. Questa volta il noi era due. Con la mappa del cimitero cercammo le lapidi e una scopa per pulirle. Il sole alto delle undici, il cielo limpido dei mistici. Pregammo Brodskij, Diaghilev e Stravinsky, li implorammo di esistere là dove già erano. Una rosa per chi si spaesa. Una rosa per la caduta. E una per chi resta.

 

Da: Finiremo per trovarci

I

Abbaglia ancora la bianca e santa Pietroburgo,

la neve appoggia sulle spalle il suo saluto.

Ala Scuola Imperiale ero Nežinka, il ‘tenero’,

ero il nervoso periodare del veggente.

Io vedo tutto, io vedo il dolore che si imbosca

nelle parole, il sentimento oscurato dalle labbra,

io ascolto il mite, i versi muti di chi muore a sé

e non ritorna.

[…]

Già da allievo miracolavo nel salto

perché se parto alla volta del cielo

è per restarvi a lungo a mezz’aria.

Non conosco altro azzurro

se non quando prolungo l’incontro

là in alto

e mi sospendo, vi penso, mi calmo.

E dopo ogni indugio

ritorno a quel fuoco, plano,

scendo in me

come un perdono.

[…]

 

II

[…]

Per essermi fedele

devo tradire l’aria di prima,

il mio mulinare nel vento,

devo interrare l’astro e l’arcata

perché è venuto un tempo di pietra

inatteso, c’è un’altra vertigine.

Mai si è visto così tremendo

il battito di ciglia

dell’immobile.

[…]

 

III

[…]

Penso spesso alle stelle

perciò so chi sono.

Veglio il mondo e indovino.

Sulla soglia aspetto

e col palmo della mano a conchiglia

raccolgo le voci all’orecchio,

le attendo.

Sono il solo in ascolto.

[…]

 

In Finiremo per trovarci sono in corsivo nel testo le frasi di Vaslav Nijinsky tratte

dai suoi Diari, nelle traduzioni di Gabriella Luzzani e Maurizia Calusio (entrambe

per Adelphi).

 

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Nicoletta Bidoia, è nata nel 1968 a Treviso, dove lavora presso l’ufficio di un ente pubblico, e vive in provincia.

Ha pubblicato i libri di poesia Alla fontana che dà albe (2002), Verso il tuo nome (2005, con prefazione di Alda Merini), L’obbedienza (2008, con prefazione di Isabella Panfido) editi da Lietocolle, e Come i coralli (2014) con La vita felice.

Nel 2013 è uscito il libro di narrativa Vivi. Ultime notizie per Luciano D. per le edizioni La Gru.

Nel 2006, con la cantautrice Laura Mars Rebuttini, ha ideato e realizzato lo spettacolo Un piccolo miracolo. Nel 2019, insieme al cantautore Gerardo Pozzi, ha realizzato lo spettacolo Sotto terra, sopra un prato.

Ha inoltre collaborato con altri musicisti in occasione della presentazione dei suoi libri, tra cui: la cantante goriziana Gabriella Gabrielli, i cantanti romani Sara Modigliani e Andrea Belli e l’arpista Tiziana Tornari.

Più volte è stata ospite a Fahrenheit di Rai Radio3 nella rubrica giornaliera “Il poeta della settimana”, in occasione dell’uscita de L’obbedienza e di Come i coralli, e nella rubrica “Il libro del giorno” presentando Vivi. Ultime notizie di Luciano D. nel dicembre 2013 (questa registrazione si trova in Youtube). Alcune sue poesie, apparse anche in raccolte e riviste, sono state tradotte in spagnolo nel libro Jardines secretos. Joven Poesìa Italiana, a cura di E. Coco (Sial, Madrid, 2008).

Negli anni, è stata ospite al PoesiaFestival di Modena, al Festival di poesia internazionale di Genova, al Festival Vicino-Lontano di Udine, al Festival dei Matti di Venezia e al CartaCarbone Festival di Treviso.

Oltre che in provincia di Treviso, ha effettuato presentazioni a Roma (Casa Internazionale delle Donne, Libreria Odradek e Libreria Altroquando), Bologna (Feltrinelli), Venezia (ex Mondadori, Fondazione Querini Stampalia, Libreria Marco Polo), Milano, Reggio Emilia, Cesenatico, Varallo Sesia, Gorizia, Brescia-Padernello, Opi (invitata da Dacia Maraini) e in altre città.

Compone collage e teatrini di carta (rintracciabili sul canale stroega di Youtube e stroega di Instagram).

 

 

 

Fabrizio Bregoli, da “Notizie da Patmos”, La Vita Felice 2019, nota di Laura Caccia - Riparazione e oltre

Riparazione e oltre

Ci sono luoghi marchiati dall’abbandono e dall’esilio. Altri dal ritorno e dalla riparazione. Quali Notizie da Patmos ci giungono da Fabrizio Bregoli? Forse la dura arte del rientrare in patria, come ci precisa fin da subito la citazione in esergo dalla Comedia. Forse l’esigenza personale di affrontare il proprio vissuto e di riparare il passato. Forse quella più generale proiettata verso una ricerca di senso e di padri. A partire da ‘Nel nome del padre’, che dà titolo alla prima sezione. E da un quarto comandamento che diventa «Onora il nulla / il solo che ci è dato». Un padre che si dilata nei suoi significati plurimi fino ad arrivare ai fondamenti del cosmo, della vita, della poesia. Non solo per consentire il confronto con il «padre esatto di un teorema sbagliato», ma anche per dare modo di trovare, attraverso la parola, una «paternità restituita», una «Terra salda», l’ordine nel caos.

Non a caso l’autore, per affrontare la complessità, fa spesso utilizzo nella sua poetica delle strutture delle scienze esatte. Qui ne fa esplicita dichiarazione in premessa: per come a colmare una mancanza, suturare un baratro occorra mettere in atto una specifica «Arte della riparazione», propria dell’algebra come della poesia. La riparazione, però, come la poesia, chiede altro. Così questa poetica scarta, cerca «un passo in più, un verso oltre». Cerca un altrove e «in quell’altrove, un oltre». Vuole certo ricomporre, riparare, ma andando oltre, scuotendo il linguaggio consueto e capovolgendo assiomi. Nel solco, tra le molteplici altre suggestioni, della fisica quantistica, della relatività, delle geometrie non euclidee. Così come nell’apporto pluridimensionale delle arti e, a incrociare le domande di senso, delle riflessioni filosofiche e religiose.

Mentre si fa contaminare da matematica e musica, fisica e teologia, cinematografia e poetiche degli autori amati, la scrittura etica di Fabrizio Bregoli pare cercare in Patmos il perno del suo ritrovarsi. Nel rigore matematico e nella poesia degli endecasillabi. Nel pericolo e nel rischio della ricerca di senso. Confidando però nella parola che, nonostante le apocalissi private e collettive, può riparare e portare notizie salvifiche. Patmos: che, secondo tradizione, fu luogo di esilio e di elaborazione dell’Apocalisse di Giovanni, libro colmo di visioni tese allo svelamento attraverso immagini allusive e simboli anche numerici. Patmos: da cui prende spunto Hölderlin nella lirica omonima, densa, insieme, di prossimità e di inavvicinabilità al divino, per indicarci come cresca la salvezza dove c’è il pericolo, proprio al fine di poter partire e quindi ritornare più fedeli al senso.

 

Da: NEL NOME DEL PADRE

 

VOCABOLARIO MINIMO

 

Se scrivo è per non dire, cabotare

il bianco della resa, i giorni miti

del nostro indocile armistizio. Scrivo

la vena innominata della pietra,

veglio l’angolo illeso del respiro

quel suo retaggio fossile.

 

Accolgo la voce spoglia, il suo sfratto

il corpo intatto del ripudio.

Scrivo di noi, di un verbo contraffatto,

del suo frutto disseccato

sul pegno delle labbra. Scrivo di noi

grammatica di un vento lapidato.

 

 

Da: MISTERI INGLORIOSI

 

QUARTO COMANDAMENTO (RIPRESA)

 

Rimane la poesia, spietata e imbelle

tutt’intero il suo soldo bucato,

l’ovvio scrivere ciò che non sai dire

– assioma sghembo di un figlio scontato.

 

Onora il nulla

il solo che ci è dato.

 

 

Da:(DIGRESSIONE QUANTISTICA)

 

(PLANCK

 

(A invaderci talvolta

è un bisogno d’ordine, disgregare

il continuo indistinto delle vite,

parcellizzarle per addensarne il senso

rendere il vuoto confutabile.

Forse dobbiamo a questo il nostro perderci,

redimere quel ganglio opaco

tutto il suo corpo nero

ed anche noi scoprirci irradiazione

di un fulcro stabile, luce compatta

cifra di una costante universale.

 

 

Da: CARTEGGIO CLANDESTINO

 

NOTIZIE DA PATMOS

 

Comincia tutto ripetendo un nome

da un buio prossimo, colpo di coda

di qualche creatura d’abisso. Dopo

è la stagione del balbettio – certe

muschiose lallazioni – infine frasi

fatte, proverbi storpiati, eserghi

o falsi. Rovine che non sorreggono.

 

Comprendi davvero d’essere lingua

quando il futuro diventa ipoteca,

passato da riscrivere, scandire

polso a polso la ruggine dei chiodi.

 

La poesia non cambia nulla

è il nulla che la cambia. La fa possibile.

 

 

Da: BREVIARIO APOCRIFO

 

JOHN CAGE 4’33”

 

Nessun verbo migliore per descriverci

dell’intenzione che si fa rinuncia,

quel suo zero assoluto. Boreale.

Tutto il blasfemo

del suo parto gemellare

suono e sua scomunica.

 

Noi siamo entrambi. Quella voce

inabitata e tutto l’impossibile

del suo silenzio.

 

 

Da: COME UN INIZIO

 

*

Non si scrive d’amore, caro Rilke.

Se ne può dire solo per pudore

la luce impenitente dello scandalo

l’arteria dove si frantuma il legno.

 

Eppure che cos’è questo tacerne

se non per negazione dirne, ammetterci

imperfetti, cercarci oltre l’assunto

dello sguardo, quel sottinteso sordo?

 

Ed anche qui

l’amore lo si è scritto, in privazione

ipotesi che non si dà una prova.

Il nostro, un dimostrarlo per assurdo.

 

**

 

Quando s’addensa, dove

trapana – è un vuoto. Dopo (dopo, quando?)

in quell’altrove, un oltre:

la resa necessaria, un

silenzio sull’arco della parola.

Celato in quel mai, un ναί

il suo bianco fragilissimo. La neve

delle sue mani.

 

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Fabrizio Bregoli, nato nel bresciano, risiede da vent’anni in Brianza. Laureato con lode in Ingegneria Elettronica, lavora nel settore delle telecomunicazioni.

Ha pubblicato “Cronache Provvisorie” (VJ Edizioni, 2015), “Il senso della neve” (puntoacapo, 2016), “Zero al quoto” (puntoacapo, 2018), “Notizie da Patmos” (La Vita Felice, 2019).

Sue opere sono incluse in “Lezioni di Poesia” (Arcipelago, 2015) di Tomaso Kemeny e in “iPoet Lunario in Versi 2018” (Lietocolle, 2018), sulle riviste “Il Segnale”, “Alla Bottega”, “Le voci della Luna”, “Il Foglio Clandestino”, in numerose altre antologie, sui più noti blog di poesia.

Ha inoltre realizzato per i tipi di Pulcinoelefante il libriccino d’arte “Grandi poeti” (2012) e per le edizioni Fiori di Torchio la plaquette “Onora il padre” (Seregn de la memoria, 2019).

Ha conseguito numerosi riconoscimenti per la poesia inedita, fra i quali gli sono stati assegnati i Premi San Domenichino, Daniela Cairoli, Giovanni Descalzo, Luciano Nicolis, Piemonte Letteratura, Terre di Liguria, Il Giardino di Babuk, il Premio “Dante d’Oro” dell’Università Bocconi di Milano, il Premio della Stampa al Città di Acqui Terme e più volte è stato segnalato e finalista ai premi Guido Gozzano e Lorenzo Montano.

Per la poesia edita gli sono stati assegnati, fra gli altri, i Premi Guido Gozzano, il Premio Letterario Internazionale Indipendente, Città di Umbertide e Rodolfo Valentino.

Collabora come recensore con il sito letterario “LaRecherche.it“, con la pagina Facebook “Poeti Oggi” e fa parte della redazione del blog letterario “Laboratori Poesia” per cui cura la rubrica “Poesia a confronto”.

Il sito dedicato alla sua poesia è: https://fabriziobregoli.com

Maria Grazia Calandrone, da “Giardino della gioia”, Mondadori 2019, nota di Laura Caccia - La cura dell’esistere

La cura dell’esistere

L’esistere chiede cure. Il suo giardino attenzioni. Per lo sbocciare del sentire, il gioire al colmo della fioritura, le situazioni infestanti, le calamità. Così come per lo sfiorire, l’appassire, il morire. E per la solitudine, la nostalgia, il dolore.

La poetica di Maria Grazia Calandrone in Giardino della gioia si prende cura di tutto, senza dimenticare alcun elemento del vivere, alcun sentire umano. Tra amore e disamore, bene e male, cura e abbandono, affetti e violenza, attenzione agli ultimi e atrocità di guerra. Oscillando in modo significativo e continuo tra le polarità della vita umana e del cosmo, del visibile e del mistero, del corpo e dell’anima.

A partire dai primi versi della raccolta, in ‘Io sono gli altri’. Dove pare di vedere riflessi i fotogrammi di Corpo e anima di Ildikó Enyedi. E dove si evidenzia, fin dall’esordio, come il prendersi cura riguardi l’attenzione alla fisicità mortale, così come al mistero spirituale. E, proseguendo nei testi, nel testimoniare di questo tutto l’esistere. Anzi ‘Il puro esistere’. Tutto quello che concerne il corpo: il corpo fisico, il corpo dell’altro, il corpo delle cose, la consistenza della materia, la ferita, la violenza, il taglio. E tutto quello che afferisce all’anima: l’emozione, il sogno, il mistero, il sogno stesso della materia. A costituire, con questo insieme, i presupposti delle relazioni sociali: la pietà, la compassione umana, la condivisione. In piena risonanza con l’altro e con gli altri, con la vita e con il cosmo, con la materia e con la storia. Nella convinzione profonda del senso etico e politico del vivere comune.

Una consonanza con l’esistere basata sulla gioia, che ne mette a fuoco l’apertura temeraria. In questo simile all’indagine di Jean-Luc Nancy sulla felicità, in quanto esposizione continua e rischiosa al fuori, in una fame di vita all’infinito che qui si ritrova nel sentirsi «esposti / alla felicita», in un «incessante / inno di gioia». Nel vibrare, a volte felice a volte drammatico, con tutto quanto accade e appare e, insieme, con quanto si cela nell’ignoto che la poesia riesce ad intercettare, per cui «basta il linguaggio, per / essere davanti / al mistero». Ed è una consonanza ancora, questa di Maria Grazia Calandrone, con la poesia stessa, poiché «le nostre molecole consuonano con la musica profonda della poesia, / che è la stessa in ogni lingua: un ultrasuono, un rumore bianco». Nel giardino del tutto.

 

Da: GIARDINO DELLA GIOIA

ogni cosa che ho visto di te, te la restituisco amata

 

tutta la vita è stata un esercizio per tornare

al tuo corpo

caldo come la terra

 

eppure scrivo della solitudine

 

di cocci d’osso

in conche di sabbia

scavate

con gli occhi delle scimmie che cercano riparo

 

corpi come scodelle rovesciate

i catini del cranio colmi di cielo

 

[…]

 

 

Da: TEMPO REALE

Non vediamo le cose come sono, vediamo le cose come siamo.

 

CONTRO L’ESILIO

 

Siccome nasce

come poesia d’amore, questa poesia

è politica.

 

*

La prima volta

che incontrai la persona che avrei amato

quando ci salutammo

provai la povertà d’essere al mondo, uno stento

irreparabile

dell’intero

essere emerso. Fu

più che una mancanza

un mancamento:

lo scodamento di un nero

getto di plasma

attraversava la costellazione

MGC 1.9.6.4 (uno.nove.sei.quattro). Il bene

lo riconosci cosi, quando vedi quel microcosmo, capace

di ogni bene e male, allontanarsi

sulla strada assolata

e sai che, se ritorna, smetterà un dolore

lungo tutta la vita, la nostalgia

che non sapevi provare e stava

sconosciuta e vicina come l’ombra alle spalle,

tua in silenzio e miseria

come la gioia che con la neve dura.

 

Roma, 20 luglio 2018

 

 

Da: IL PURO ESISTERE

 

STRUMENTI

 

Impara a fare le poesie come si fa il pane.

Impara a fare il superfluo. La nostra specie

si è ingegnata nel costruire oggetti

funzionali all’impianto biologico

del quale è dotata – le mani (forchette, penne, sigarette)

– o le gambe (pedali, automobili). Molto

veniamo rimpiazzati dagli oggetti.

Lo scopo è essere sostituiti nelle cure primarie degli apparati.

[Lo scopo è

essere liberi. Scorporare.

 

Oltre, stanno le rocce e gli alberi, quiete entità respiranti

che non appartengono a nessuno

e a niente di quanto si dissolve nell’atmosfera prima di toccare

[terra

Parola sostanziale regredita

dalla bocca alla mente

Verde, senza fiori, aromatica, verde di sangue raffermo, verde

[e petrosa, instabile

nella gioia matematica dello spazio

 

dove il reale è il vuoto della fisica

fra i battitori del grano

sopra una terra diventata immobile per l’attrito rovente delle

[atmosfere

su corpi che la poesia non salva.

 

 

Da: NEL SOGNO DELLA MATERIA

 

CIÒ CHE NON È MAI STATO È CIÒ CHE RESTA

 

Chiama «sole pomeridiano» un arco di memoria

tra solitudine e solitudine.

La sua lingua non basta, a dire «esilio».

Apre una mappa dei corpi celesti.

Trascrive le corrispondenze con l’atlante

anatomico (australopithecus

afarensis). Chi è il prossimo? «Proxima Centauri

si trova a circa 4,2 anni luce di distanza

da noi, pari a 270.000 volte la distanza fra la Terra

e il Sole». Vuole incontrare i simili. Vuole cominciare

ricordando il colore dello stagno nei pomeriggi estivi, quel ronzio

cosi prossimo al canto. Soprattutto, vorrebbe

ricordare una vita ancora possibile,

dove un gruppo di esseri umani ogni anno ripara

i danni della salsedine e del vento

sulle palizzate. Ma è lontana. È davvero

lontana. Si ripete che niente

è andato sprecato. In embrione

vede la fortuna.

 

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Maria Grazia Calandrone (Milano, 1964) vive a Roma. Poetessa, scrittrice, giornalista, drammaturga, artista visiva, autrice e conduttrice Rai (ultimo ciclo: “Poesia in technicolor”), scrive per «Corriere della Sera» e per il settimanale «7»; dal 2010 pubblica poeti esordienti sul mensile internazionale «Poesia» e divulga poesia a RaiRadio3; è regista del ciclo di interviste “I volontari”, un documentario sull'accoglienza ai migranti e del videoreportage su Sarajevo “Viaggio in una guerra non finita”, entrambi pubblicati da «Corriere TV». Premio Montale 1993 per l’inedito, tiene laboratori di poesia nella scuola pubblica, in carceri, DSM, con i migranti e presta servizio volontario nella scuola di lettura per ragazzi “Piccoli Maestri”. Libri di poesia: La scimmia randagia (Crocetti, 2003 – premio Pasolini Opera Prima), Come per mezzo di una briglia ardente (Atelier, 2005), La macchina responsabile (Crocetti 2007), Sulla bocca di tutti (Crocetti 2010 – premio Napoli), Atto di vita nascente (LietoColle 2010), La vita chiara (transeuropa 2011), Serie fossile (Crocetti 2015 – premi Marazza e Tassoni, rosa Viareggio), Gli Scomparsi – storie da “Chi l’ha visto?” (pordenonelegge 2016 – premio Dessì), Il bene morale (Crocetti 2017 – premi Europa e Trivio) e Giardino dellagioia (Specchio Mondadori 2019 – seconda edizione gennaio 2020), le traduzioni: Fossils (SurVision, Ireland 2018), Sèrie Fòssil (Edicions Aïllades, Ibiza 2019 – traduzione di Nora Albert) e l’antologia araba Questo corpo,questa luce (Almutawassit Books, Damasco 2020 – traduzione di Amarji); è in Nuovi poeti italiani 6 (Einaudi 2012). Libri diprosa: L'infinito mélo, pseudoromanzo con Vivavox, cd di sue letture dei propri testi (sossella 2011), Per voce sola, raccolta di monologhi teatrali, disegni e fotografie, con cd di Sonia Bergamasco ed EstTrio (ChiPiùNeArt 2016) e Un altro mondo, lo stesso mondo. Una riscrittura del Fanciullino di GiovanniPascoli (Aragno 2019); suoi racconti sono presenti in Nell’occhio di chi guarda (Donzelli 2014), Deaths in Venice (Carteggi Letterari 2017), Princesa e altreregine – a cura di Concita De Gregorio (Giunti 2018) e Un altro mondo, lo stesso mondo, riscrittura del Fanciullino pascoliano (Aragno 2019). Libri dicritica: ha curato e introdotto i volumi di poesie di Nella Nobili Ho camminato nel mondo con l'anima aperta (Solferino 2018) e Dino Campana. Preferisco il rumore del mare (Ponte alle Grazie 2019). Dal 2009 porta in scena in Europa il videoconcerto Senza bagaglio e dal 2018 Corpo reale, musica di Stefano Savi Scarponi e accompagnamento alla batteria di Arturo Casu. Nel 2012 vince il premio “Haiku in Italia” dell’Istituto Giapponese di Cultura e nel 2017 è nel docufilm di Donatella Baglivo “Il futuro in una poesia”, nel progetto “Poems With a View” del regista israeliano Omri Lior e nel progetto internazionale “REFEST – Images & Words On Refugee Routes”, pubblicato da “il Reportage”. Ha collaborato con i programmi di televisivi di Rai Letteratura e Cult Book. Sue sillogi compaiono in antologie e riviste di numerosi paesi. Il suo sito è www.mariagraziacalandrone.it

Sonia Caporossi, da “Taccuino dell’urlo”, Marco Saya Edizioni 2020, nota di Laura Caccia - Una cornice per il caos

Una cornice per il caos

Dopo L’urlo pittorico in serie di E. Munch e l’Urlo poetico di A. Ginsberg, Sonia Caporossi, in Taccuino dell’urlo, ci mostra un’altra modalità per esprimere la tensione emotiva che sboccia in un grido di dolore. Un urlo interiore che, in questi versi, si fa riverbero tra l’assenza e il richiamo, l’abbandono e il ritorno, il conflitto e l’oblio. Un urlo che non viene lasciato esplodere come nelle tele di Munch, ma che, dei suoi quadri sul tema, ha il contrapporsi delle figure in primo piano e ai margini. Così come il contrasto delle tonalità dei colori caldi e freddi, che pare rispecchiarsi, nella raccolta, nei dialoghi-scontri di una conclusa, ma ancora tormentata, storia d’amore. Con l’urlo di lui in primo piano e il virgolettato di lei sempre più evanescente sullo sfondo.

Solo una storia d’amore? Più indizi conducono a individuare la messa a fuoco del testo non solo e non tanto su una relazione affettiva drammatica e sofferta, quanto, attraverso di essa, sul rapporto, indagato a livello poetico, psicologico e filosofico, con il reale. Nella frattura tra desiderio e realtà, sogno e inganno, senso e perdita di senso. Nello «scarto tra «sé» e «sé»», nella solitudine che emerge sia dal rapporto amoroso sia in generale dallo stare al mondo. E, insieme, nell’esigenza, che l’urlo sottostante evidenzia, di dare a tale solitudine uno sbocco nella relazione umana come nella scrittura. Così emerge il bisogno di abbracciarsi, simili a «scatole d’assenza / riconoscerci a distanza», a partire da un disagio sociale che trova il suo rispecchiamento nell’Urlo dissacrante di Ginsberg. Così il riuscire a fare sbocciare, dal disagio individuale, la scrittura, tenendo conto di quanto chiaramente preteso dalla poesia. Poiché «per scrivere necessita una rabbiosa solitudine / e un istinto meno che umano».

La scrittura di Sonia Caporossi sperimenta un linguaggio percussivo e dissonante, ad evidenziare la drammaticità della tensione, in vivo contrasto con l’ordine della composizione. Quasi che tale tensione necessitasse di una cornice di contenimento per l’abisso e per il franto del linguaggio e della psiche. Un ordine nel caos. Non a caso il giusto ordine, anche nell’etimo, del Taccuino. Che raccoglie 32 stazioni di appunti-dialoghi numerati e i quadri alfa, omega e, all’interno, phi, dai significati plurimi, a sancire la centralità della riflessione sul desiderio e sulla dimenticanza, sulla «ragione che non trova il senso” e sul «tempo per dire ancora».

 

I.

 

si affida a una voce

ode sé stesso nel grembo infecondo degli orecchi

               come sentirsi ridere a comando

                                         a piacimento

nel bacchettarsi ieratico dell’imprinting feroce

                                                             dell’urlo

                         del richiamo a chi tace

quando l’ascolto si reitera intonso

nel fingere di prestarsi

                             di apprestarsi

                                           di arrestarsi

alla domanda gonfia di fiato

                   quando le labbra si chiudono

                nel richiamo

                             a chi tace

e nessuno risponde

                          a ciò che ha domandato.

 

 

XV.

 

Nell’assenza

                     {indesiderata, inerte}

sparge bruciore di :: fumo :: sui pianali del pensiero

 

quanto di lei gli rimane nel {sogno}

di un’indecenza pagana

nel suo rituale che lo condanna all’attesa

è l’essere scabro delle mani chiuse a pugno

 

che dentro, nel palmo, nel centro di tutto

concentrano il suo nome-odore-lignaggio

nell’ignobiltà ostentata del peso pericardico

che grava su quel petto illuso di visioni

 

come se la vedesse a un orizzonte di senso perduto

sorridente, estatica

chiamare il suo nome nel vuoto.

 

φ.

 

«mandami un cenno di mancata intesa

eludimi nel sonno

di una ragione che non trova il senso

rapprendimi, comprendimi, prendimi

ama la scorza d’arancia amara che mi avvolge

tocca la mia ovale, imperfetta nudità

 

sottintendimi, lasciami andare, virami

col timone del timore di paure troppo vuote

rilassami le corde del collo di tensioni

che non sanno duplicare dna d’alienazione

 

risuonami il colore

di un fonema troppo asciutto

ripetimi le promesse da infrangere

solo perché sei fragile come vetro

annebbiami le certezze, tu che sai di non sapere

 

abbi pietà e potenza

che c’è tempo per volere

c’è sempre tempo per dire ancora

quando il futuro è malnato e soffuso

come la luce che copre le disgrazie

come l’assenzio che imbeve il pericardio

e poi alla guida non si può mai bere

se non andando incontro

a questo strazio

 

allacciami le scarpe

per una scalza ingenuità

ricordati dei vuoti di memoria

che lamentavi durante l’impressum

ritorna da dove sei andata

e vieni da dove ti hanno creata

 

non c’è scampo per l’offesa

e non c’è scabbia sulla mia pelle

perciò toccami, amami, invogliami

incensami intonso e impuro

voglio solo percepire il magro orpello del tuo odore

voglio solo irretire lo scoglio scrostato

del mio assurdo desiderio

 

non c’è luce

non c’è odore

non c’è amore che possa stare

voglio solo addormentare questa voglia di volere

 

voglio solo

sempre e solo

rigirarmi dall’altra parte

e poi, stanco di stancarmi

dimenticare.»

 

ω.

 

alla fine lui resta in silenzio

nell’abbraccio addormentato

rimando scabro di un lembo di pelle

rabberciato {lungo i bordi} nella fame di poesia

 

alla fine rinuncia all’amore

si prende in carico l’infarto

l’assassinio autoindotto del cuore

in questa quieta decisione

 

tanto lo sa che ritornerà

il desiderio del suo {fuoco greco}

perché l’amore non serve poi a tanto

::

 

per scrivere necessita una rabbiosa solitudine

e un istinto meno che umano, e stanco

di ripensarsi interi

dopo la distruzione.

 

---

Sonia Caporossi (Tivoli, 1973), è musicista (con i Void Generator: Phantom Hell And Soar Angelic, Phonosphera Records 2010; Collision EP, 2011; Supersound, 2014; Prodromi, 2017; Anatomy of a Trip, 2019), narratrice (Opus Metachronicum, Corrimano, Palermo 2014, seconda ed. 2015; Deaths in Venice. Racconti dalla laguna, a cura di L. Liberale, Carteggi Letterari 2017; Hypnerotomachia Ulixis, Carteggi Letterari, Messina 2019), critica letteraria e curatrice (Un anno di Critica Impura, Web Press, Milano 2013; Poeti della lontananza, Marco Saya, Milano 2014, con A. Pierangeli; Pasolini, una diversità consapevole a cura di E.Campi, Marco Saya, 2015; Da che verso stai? Indagine sulle scritture che vanno e non vanno a capo in Italia, oggi, Marco Saya, 2017; La Parola Informe. Esplorazioni e nuove scritture dell’ultracontemporaneità, Marco Saya, 2018; La gentilezza dell’Angelo. Viaggio antologico nello Stilnovismo, Marco Saya 2019; Diradare l’ombra, antologia di critica e testi per Claudia Zironi, Marco Saya 2019), poetessa (La consolazione della poesia a cura di F. D’Amato, Ianieri Edizioni, Pescara 2015; Erotomaculae, Algra, Catania 2016; Alla luce di una candela, in riva all’Oceano a cura di L. Leone, L’Erudita, Roma 2018; La forma dell’anima altrui. Poesie in omaggio a Seamus Heaney, a cura di M. G. Calandrone e M. Sonzogni, LietoColle, Como 2019), saggista (La pietà del pensiero. Heidegger e i Quaderni Neri a cura di F. Brencio, Aguaplano, Perugia 2015). Dirige per Marco Saya Edizioni la collana di classici italiani e stranieri La Costante Di Fidia. Dirige inoltre i blog Critica Impura, Poesia Ultracontemporanea, disartrofonie e conduce su NorthStar WebRadio la trasmissione Moonstone: suoni e rumori del vecchio e del nuovo millennio. Vive e lavora nei pressi di Roma

Silvia Comoglio, da “scacciamosche (nugae)”, puntoacapo 2017, nota di Laura Caccia - Nel sonoro del tutto

Nel sonoro del tutto

Non ha origine sulla pagina, come non si conclude in essa, la scrittura di Silvia Comoglio, che in scacciamosche (nugae) conferma questo suo essere parte di altro. Di una totalità. Di una partitura più ampia. Una partitura, in questa raccolta per coro e voci, di cui sembrano rimanere solo brani isolati. Dove i diversi interlocutori appaiono a squarci: un tu spesso richiamato, dai volti molteplici, così come i soggetti sottesi ai pronomi della coralità. Dove la voce e le voci sono in dialogo. Una voce che si esprime in tutte le sue molteplici possibilità, conducendo a una visione e a una lingua altre. Una voce che, mentre nomina il visibile, evoca l’invisibile. Mentre provoca gli interlocutori sottesi, convocandoli in superficie, ne revoca l’affioramento. Mentre invoca, per ottenere una possibilità di conoscenza, tiene a trama fitta il mistero. Nel suo dire onirico, denso di immagini richiamanti in «ogni sogno — / uno scandalo», un turbamento, un presagio.

Qualcosa di sotteso si affaccia tra gli spiragli di suoni e visioni. Musicato tra sogno e finzione, immagine e bugia, anzi «in grazia, enorme, di bugia». Grazia e insieme bugia: forse del mondo che con la sua bellezza pare mascherare il vero, forse della parola nella sua tensione a liberarsi dell’apparenza verso una visione altra. Allora sarà il «buio a scacciamosche» a consentire di disperdere le false verità del visibile che disturbano il vero, per cercarne i segni nell’oscurità e nel sogno. Qualcosa sempre nascosto, in ombra, che solo una lingua onirica può riuscire ad amare. Così titolo e sottotitolo della raccolta appaiono scelti forse proprio per occultarne la relazione amorosa, mascherandola come fastidio da scacciare o come inezia, nugae, quale già in Catullo e Petrarca, tra gli altri, per le loro opere non certo minori.

Una relazione aperta invece a tutto quanto di prossimo al vero, sull’orlo del dire e nei suoi intermezzi, pare in attesa di annunciarsi. Nel dialogo tra le parti, in tondo e in corsivo. Nelle aperture sollecitate dei diversi segni grafici. Nei versi che si dilatano nel tempo, proseguendo anche oltre i post scriptum. E che spaziano muovendosi repentinamente dal terreno dolente e condiviso degli umani all’ultraterreno. Così come nel linguaggio, passando dal dire infantile e quotidiano del «dormire-qui-per-terra» al lessico alto in cui «ú- / signoli stupendi chérubinano in cielo / andando, indietro, tutti a ritroso…». La partitura di Silvia Comoglio è musica senza fine. Nel suo espandersi a ritroso e nell’oltre. Nel sonoro familiare, nel canto delle sfere.

 

ora dite se fu la notte di pubblica fatica

a farsi, farsi in questa stanza, forma —

gocciolata ad acqua! di sola mia coscienza

adorna, per amore, a peso di stupore

 

Da: I

 

di lingua congiunta alla tua forma —

tutto, torna, dopo il sonno a fede del suo tempo,

come se del lato dell’ombra fissata al petto

restasse qui sopra, su questa terra, un baciarmi

forgiato ad elmo pre-cosciente

 

*

 

Quanti, ancora, i folli folli di saliva? I mutati

te che passa venuti, sull’ombra della sponda,

come se in grazia, enorme, di bugia?

 

*

 

“sia tempo a notte di polmoni il dormire,

dormire-qui-per-terra!, ad atto che conosce

tutto del mio sogno : e sia, sia buio,

buio a scacciamosche!, l’ombra di bastone

che, curva di sutura, ruota sulla stella

sulla corsa sul leone

 

---

 

*

 

Saremo visti sui tempi da sognare,

erranti e ancora soli? a tratti già rimasti

di buio sempre in braccio? tenda, di tre passi,

entrata di difesa nell’ombra dell’elmo che ti porto

in grazia, enorme, di bugia?

 

 

Da: II

 

*

 

“sei stato, disse, così felice!, di grazia —

immota a luna, dove quanto ti sussurro

sono appena gl’occhi del tempo che non viene,

quésta sola fine vista dove spazia l’ál-

bero mortale —

 

*

se ti amo —

è per il bordo di bugia, per-chi-mi-sembri

quando sogni, sogni e mi nascondi, tutta —

la bugia

 

*

 

fu un dormire, un dormire?,

qui-per-terra, unici e prudenti?

un dormire, dite?, guardando cosa fare

e sognando, sognando poi di tutto —

per sapere cosa fare

 

---

 

*

“dirvi che vi prendo sempre solo in sogno?

che di terra vi corico per terra e vi prendo

sempre solo in sogno, sempre dove posso —

esservi-chi-sono?

 

*

è chiuso, disse, in aurora abbastanza,

il rullare di mani? l’ombra, di tutti,

i cambi di bosco che ú-

signoli stupendi chérubinano in cielo

andando, indietro, tutti a ritroso …

 

---

 

*

 

“questo fu mandato in segno di saluto,

il tempo, nel retro della casa, aperto sulla testa,

a morsa di stupore

 

_______

 

*

 

alla fine ci sentimmo —

consolati! baciandoci sugl’occhi,

su forme, a tempo, più sicure

 

*

 

p.s.

 

tu, sai dirmi?, dei grandi

baci a rispondi del mare di dio

 

---

Silvia Comoglio, laureata in filosofia, ha pubblicato le sillogi Ervinca (LietoColle Editore, 2005), Canti onirici (L’arcolaio, 2009), Bubo bubo (L’arcolaio, 2010), Silhouette (Anterem Edizioni, 2013), Via Crucis (puntoacapo Editrice, 2014), Il vogatore (Anterem Edizioni, 2015 – Premio Lorenzo Montano – XXIX Edizione - Sezione raccolta inedita), scacciamosche (nugae) (puntoacapo Editrice, 2017), sottile, a microchiarore! (Edizioni Joker, 2018), Afasia (Anterem Edizioni, 2021), În ape de tăcere/ In acque di silenzio (Editura Cosmopoli, Bacau, 2023), Il tempo ammutinato (partiture) (Book Editore, 2023).

Per Il vogatore è stata composta nel 2015 una partitura dal compositore e pianista Francesco Bellomi e per Via Crucis nel 2016 sono stati realizzati quindici disegni dall’artista Gian Paolo Guerini.

Suoi testi sono apparsi, tra l’altro, nei blog Blanc de ta nuque e La dimora del tempo sospeso, nel sito di Nanni Cagnone, sulle riviste Il Monte Analogo, Le voci della luna, La Clessidra, Il Segnale, Italian Poetry Review, Osiris poetry, nella rivista giapponese δ e nella rivista romena Poezia, e on-line nelle riviste Carte nel vento, Tellusfolio, La foce e la sorgente, Fili d’aquilone. Il portale BombaCarta le ha dedicato La lettera in Versi n. 56 curata da Rosa Elisa Giangoia. E’ presente nei saggi di Stefano Guglielmin Senza riparo. Poesia e Finitezza (La Vita Felice, 2009), Blanc de ta nuque, primo e secondo volume (Edizioni Dot.com.Press, 2011 e 2016) e La lingua visitata dalla neve (Aracne, 2019), nell’antologia Poesia in Piemonte e Valle d’Aosta(puntoacapo Editrice, 2012), in Fuochi complici di Marco Ercolani (Il leggio, 2019) e in Anni di Poesia di Elio Grasso (puntoacapo Editrice, 2020). 

Dal 2021 fa parte del Comitato di Lettura di Anterem Edizioni e della Giuria del Premio di Poesia e Prosa Lorenzo Montano.

 

Elena Corsino, da “Graffiti”, puntoacapo Editrice 2018, nota di Laura Caccia - Graffiare la lingua

Graffiare la lingua

Una parola concentrata, trattenuta tra i lembi di un graffio, di una crepa. Sottratta a tutto il superfluo del dire. Lasciata esposta nel suo farsi sfregio. In Graffiti,nel reciproco rispecchiarsi di versi e di immagini, le poesie di Elena Corsino e le fotografie di Max Carcione concorrono alla rappresentazione del distillato di un senso preciso relativo alle cose e alla lingua. In particolare, l’essere accomunate, la materia e la parola, da uno stesso destino. Resti sopravvissuti alla casualità degli eventi e alle scalfitture del vivere. Tracce superstiti del vuoto e del caos primigeni e, insieme, effetti degli urti, visibili e invisibili, del tempo e dell’esistere.

La materia e la parola. Una parola che necessita di portare alla luce quanto resta sottostante alla trama apparente del visibile, attraverso «i graffi della lingua lacerata». Una materia che esprime il bisogno di liberare l’energia che scaturisce dalle crepe e dalle increspature. E che, insieme, riflettono una stessa condizione, quasi fossero le pagine di un foglio smarginato, graffiato, strappato. O la tela su cui l’incisione di tagli spalanca, come nei lavori di L. Fontana, un varco verso uno spazio altro. «Tagli lasciare / su retina o tela, / lo fa anche il vento» scrive l’autrice, mostrandoci come anche lo sguardo si lasci incrinare e fessurare: «Niente è il vissuto / se non invisibile urto / con scie di crepe, / di figli e ferite, / e luminosi attriti».

È una parola «scabra» quella inseguita da Elena Corsino, cercata tra le crepe di una «lingua / sberciata», nei graffiti da cui germogliano luce e «soffio, respiro vivo». Dai tagli della tela la luce va oltre. Dai graffi della materia trapela il nascosto. Attraverso quelli del dire, scrostato dal «babelico quotidiano», si affaccia «L’oltreterra». E il soffio, che riesce ad emergere, abbraccia la totalità, «nel corpo / che respira audace», come nei movimenti del cosmo. Così è la voce, quando sboccia dal corpo e dal caos «fino al frutto, all’urlo dall’ugola». Così la poesia, quando riesce ad oltrepassare il visibile, a partire da minuscoli sfregi per «infrangere l’infinita trama / a graffi crepe tracce», fino a musicarne il respiro lungo gli «spazi siderali / in battere/ pausa/ e levare».

 

Tra i graffiti della lingua

sberciata cerco la parola

scampata all’artiglio

delle conseguenze

e delle cause naturali.

Nella fascinazione del caos

e dell’elencazione

inseguo la parola scabra

a nutritura e a calore

della mia forma contratta,

misura e arto del nome.

Sgraffio sfregio scrivo

– la glottide che si contrae –

per un soffio, respiro vivo.

 

***

 

Dai corpi primi, quando per vento

tratti e da oscuri dèi congiunti,

dall’oscillante canto degli amanti

fuori del tempo, in spazi siderali

in battere/ pausa/ e levare,

in battere/ pausa/ e levare

nella tensione estrema –

nell’ampiezza prodiga del respiro

vive la sequenza elicoidale:

orme di corpi nella fanghiglia,

bava di parole e di baci,

materia della vita sulla selce –

in battere/ pausa/e levare,

in battere/ pausa/ e levare

nello slancio all’immenso moto.

 

***

 

Nottetempo caddero

dall’equamente nero

gocce

tratte da vortice d’omphalos,

da vento di smistamento:

imperdùte e attese

schegge di fuoco e semi,

erronee, scarti

per terra, e cieli.

 

***

 

Nell’equilibrio dello zero,

nella casualità del moto

– infrangere l’infinita trama

a graffi crepe tracce:

vacuo per pieno – vana

l’infinitesimale essenza:

la goccia di sangue sul lenzuolo,

la macchia della vita sui lini.

 

***

 

Riposano gli occhi

nelle cavità oculari,

s’addensa e si disperde

il mondo –

luce senza segni.

L’oltreterra

è nel corpo

che respira audace:

raccolto nell’alveo quieto

di un momento.

 

***

 

Le forme semplici, le spirali

elicoidali della vita, –

radure immense del mio verso

tratto dalla sintassi puntuale

del corpo e del caos –

con la morte dentro

la vita che esplode nel ventre

a moltiplicare l’imperituro gesto

della semina, l’odore del grano.

Fluire, salire, a–cadere

senza dimora fino alle radici

tre le umide zolle

fino al frutto, all’urlo dall’ugola,

nel vortice del vomere

e degli abbracci – vuoto su vuoto

dove un seme è morto

 

***

 

Tra i graffi della lingua lacerata

da te-a-me – team – te amo

rimuovo – cado nel cancellare

sgrattare vuoti.

Incido infiniti segni nel tempo

saturo del babelico quotidiano.

da te-a-me – team – te amo

Rimuovo – cado scalfita,

sono muro carta parete pietra,

a sangue da lacerti primordiali

di oscure memorie

di alfabeti sgangherati,

a sparpagliati echi.

Rimuovo – cedo: incido

parola che innervi il gesto

da te-a-me – team – te amo

da te-a-me – team – te amo

 

---

Elena Corsino (1969) è traduttrice e insegnante. Ha tradotto opere di poeti e scrittori russi, tra cui M. Cvetaeva, I. Brodskij, F. Tjutčev, F. Dostoevskij. Dal 2017 conduce laboratori di lettura di poesie nelle scuole superiori.

Per la poesia ha pubblicato le raccolte Le pietre nude (Il Filo 2005) e Nature terrestri (puntoacapo 2013). L’opera presentata Graffiti è stata pubblicata nell’ottobre del 2018 da puntoacapo.

Bruno Di Pietro, da “Colpa del mare e altri poemetti”, Oèdipus 2018, nota di Laura Caccia - Sulla riva del dire

Sulla riva del dire

Sulla riva: dove la marea porta il respiro dell’origine e insieme la corrente del divenire. In particolare sulla riva eleatica dell’essere parmenideo. E, in generale, nelle acque in cui confluiscono sia il principio unitario sia lo scorrere del molteplice eracliteo. Nell’opera antologica di Bruno Di Pietro Colpa del mare e altri poemetti tutto questo resta sotteso, ma risonante nella figura archetipa del mare, «nei rumori dell’acqua sempre al ciglio / dell’essere del dire del non dire». In una poetica che trattiene il respiro ontologico nella sensuale e sensoriale adesione alla bellezza luminosa della realtà come nei suoi aspetti più intimi e nascosti, tanto che, rimarcato dalle parentesi, «(il reale si ama se è segreto)». Dove la riva accoglie i richiami oscuri del principio e la marea vi deposita, insieme all’incanto, elementi di dubbio sulla possibilità del pensiero e della parola, quasi ‘Velieri in bottiglia’, di poter davvero dire, se non la precarietà e l’inesorabilità del divenire.

Colpa del mare? La dialettica tra essere e divenire fa da sfondo, insieme alle contraddizioni dell’esistere, a quella che emerge in modo conflittuale e dichiarato tra un reale aperto alle sue antinomie e un sapere, al contrario, problematico. Dove il mare, da archetipo, si fa metafora: «Colpa del mare / del pendolare dubbioso / tra il frutteto in rigoglio / e l‘orgoglio della scienza». E dove il rapporto con la realtà passa dalla sensualità e dall’adesione alla meraviglia e alla dolcezza della natura mediterranea all’esigenza di utilizzare alter-ego e travestimenti per affrontare gli aspetti biografici e storici in opposizione agli abusi del sapere. Ecco allora le figure dell’eresia in campo matematico, quali Ippaso e Liside, e in quello teologico, quale Francesco Pucci. E le figure della transizione e dell’antipotere, incarnate dai poeti Massimiano Etrusco e Ovidio. Figure di confine. Sul ciglio. Sulla riva.

Questa poetica, insieme lirica e speculativa, musica di continuo lo stare sul bordo. Sull’orlo del principio e del confine. E se, a livello ontologico, anche qui tra parentesi, «(le parole confessano indigenti / la poca confidenza con il vero)» e, a livello esistenziale, «non trovano la strada / per dire quest’esilio», è alla parola che Bruno Di Pietro affida comunque il suo sentire. Una parola immersa nel respiro del mare, nel battito dei versi brevi, nel ritmo degli endecasillabi. Dove ragione e immaginazione, metafisica e metapoetica, etica ed estetica, al loro interno e nel rapporto reciproco, muovono i versi con lo stesso movimento, altalenante tra abbandono e ritorno, della marea.

 

Da: ELEATICHE

 

I

forse l’indisciplina degli eventi

forse l’incerto dire inesistenti

l’identico la trama la ragione

concedono alle volte un’occasione

 

ma com’è disadorno il divenire:

gettati alle correnti senz’appiglio

nei rumori dell’acqua sempre al ciglio

dell’essere del dire del non dire

 

cosa accadrebbe poi se il maestrale

venisse a dirti al termine del giorno

che il sentiero in fondo è sempre uguale

e non c’è altra via che del ritorno

 

 

VIII

la semplice struttura del reale

batte ogni giorno puntuale un chiodo

come a dire che il modo del male

è vicino allo sciogliersi del nodo

 

nella prossimità discreta della scelta

più dell’attesa di un fato onnipotente

per dirti quanto sia inadempiente

non superare la soglia divelta

 

così incolpa ogni tuo tergiversare

fra il battere dell’ora e il suo passare

ma non ti dice nulla di concreto

(il reale si ama se è segreto)

 

 

Da: COLPA DEL MARE

 

I

Mi dicevo

gli Dei possono niente.

Edificio colonne palatine

catturo il fuoco con le lenti.

Non mi accechino i tuoi occhi

Lampi irridenti

sulle opere

dei giorni.

 

 

VIII

Colpa del mare

del pendolare dubbioso

tra il frutteto in rigoglio

e l‘orgoglio della scienza.

Colpa della tua assenza

se il barlume di aprile

non lucida i capelli

di giallo di arancio

e costringe al bilancio

al conto del fare

e disfare il disegno.

Colpa dell’ingegno

che chiude le sere

fra poca luce

e un pugno di olive nere.

 

 

Da: CANTO DI LISIDE

 

IV

Amici morti per il fuoco

se l’acqua è inizio

ora interrogate il dopo

conoscete lo scopo

del pensare.

La cenere ha confuso il mare

deluso il cielo.

Il nostro era un viaggio terreno

e questa è terra di ulivi

di tramonto

terra di sale

da Elea a Metaponto.

 

 

Da: VELIERI IN BOTTIGLIA

 

(I)

 

i

di certo non mancavano i dettagli

costruito come eri nel pensiero:

amore senza pianti senza sbagli

chiuso in bottiglia inutile veliero

 

 

Da: AVARI FIORI

 

ii.

ma te li immagini i sofisti antichi

gravi pensosi sgranocchiare chele

senza quest’uva dolce questi fichi

traboccanti di resina, di miele

 

 

Da: PICCOLA SUITE

 

(Andante)

 

le parole non trovano la strada

per dire quest’esilio, lontananza

dalla luce che subito digrada

come evolve il suono in dissonanza

 

---

Bruno Di Pietro(1954) vive e lavora a Napoli esercitando la professione forense.

Ha pubblicato le raccolte poetiche: “Colpa del mare” (Oédipus, Salerno-Milano 2002)“[SMS] e una quartina scostumata” (d’If,Napoli 2002) “Futuri lillà”( d’If, Napoli 2003) “Acque/dotti. Frammenti di Massimiano” (Bibliopolis, Napoli 2007) “Della stessa sostanza del figlio” (Evaluna, Napoli 2008) “Il fiore del Danubio” (Evaluna, Napoli 2010) “Il merlo maschio” (I libri del merlo, Saviano 2011) “minuscole” (Il laboratorio/Le edizioni, Nola 2016) “Impero” (Oèdipus, Salerno-Milano 2017) “Undici distici per undici ritratti” (Levania Rivista di Poesia n° 6/2017) “Colpa del mare e altri poemetti” (Oèdipus ,Salerno Milano 2018) “Baie” (Oèdipus ,Salerno-Milano 2019).

È presente in diverse antologie fra cui: Mundus. Poesia per un’etica del rifiuto (Valtrend, Napoli 2008) Accenti (Soc. Dante Alighieri, Napoli 2010) Alter ego. Poeti al MANN (Arte’m, Napoli 2012) Errico Ruotolo, Opere (1961-2007) (Fondazione Morra,Napoli,2012) Polesìa (Trivio 2018, Oèdipus Edizioni).

Articoli e interventi sulle sue opere sono presenti in riviste e blog (Nazione Indiana, Infiniti Mondi, ClanDestino, Trasversale, Versante Ripido, Frequenze Poetiche, Atelier, Levania , Trivio , InVerso, Menabò, Poetarum Silva). E’ stato cofondatore con Gabriele Frasca e Mariano Baino della Casa Editrice “d’If” e socio della Casa Editrice “Cronopio”.

Rita R. Florit, da “Cardini”, La Camera verde 2018, nota di Laura Caccia - La rosa dei versi

La rosa dei versi

Si muove lungo le coordinate spazio-temporali che delimitano l’orientamento nel mondo Cardini di Rita R. Florit. Nel microcosmo, come nel macrocosmo. Nella realtà visibile, come in quella mitico-sacrale. Delineandone i riferimenti, sia fisici che meta-fisici, nelle due parti della raccolta, rispettivamente i punti cardinali nello spazio e le fasi stagionali nel tempo. Un ordine che cerca di dare voce alla complessità dell’universo e che viene declinato nei testi attraverso l’impasto di una materia, insieme, terrena e celeste, mitologica e divina. Tra le polarità opposte che coesistono nell’intero. Un intero non più indistinto, come l’essere primigenio, ma già condotto ad una visione umana e poetica che circoscrive il proprio mondo. Dove la ciclicità della rotazione cardinale e della successione stagionale evidenzia un continuo ritorno, poiché «dimorare è tornare».

Nella prima parte la parola plasma i cardini geospaziali, nel loro incessante creare e ricreare. Dalla luce aurorale di Oriente e del suo «oro nascente» all’ombrosità di Occidente e della sua «rosa occidua». Dal sole di Mezzogiorno e del suo «cromo-inferno» all’oscurità di Mezzanotte e della sua «notte cava». Colmando i versi di richiami alla grecità, all’induismo, alla mitologia norrena. E di camei di poeti, da Lucrezio a S. Beckett, da E. Dickinson a M. Zambrano, da S. Plath a E. Villa. Nella seconda parte la parola fa danzare le stagioni, in una complessa mobilità concettuale e linguistica, tra le parti in lingua occitana, i riferimenti a detti e leggende che riguardano la natura e ancora i camei di poeti, da Y. Bonnefoy a S. Heaney.

Le parole orientano? E la poesia, nel suo farsi stella polare? E i versi dei poeti, chiamati a divenire cardini essi stessi? Il linguaggio di Rita R. Florit, denso di rimandi e teso di continuo oltre quanto mostra, plurisemantico e multilingue, pare orientare in direzioni molteplici. Nella rosa dei versi dell’autrice e dei poeti convocati è come se il polo magnetico si spostasse di continuo. A costituire di volta in volta un perno di attrazione per terra e cielo, umano e divino, nel calamitare, da angoli prospettici diversi, l’origine e la fine, l’ignoto e il visibile, l’oscurità e lo splendore del mondo.

 

Da: CARDINI

 

           Nel mezzo d’un universo che promana propaga e

prolassa centrifugo distopico disforico crudo anelito al che?

 

           si dimena diradandosi dilatandosi ...

 

          toh! sarà l’antaura che dilania, l’accetta nella testa;

l’occhio stroboscopico, bianca polpa del nulla; sarà l’insulso

schermo protervo stante il fibrodelirio,abbattuta volgendo al fuori

dall’ego-centro al quadrivio vede-va

 

        (a) Oriente oro nascente perla perfetta soavità del(la)rosa

        Aura Au-r-ora fionda sferza il neogiorno appena nato già

        muore (1)

 

        gravide grida nel chiaro

 

                                                                   il coro greco sullo

sfondo sbiadisce l’arcana nyctadea amata dalla cicuta lei la sola

la perduta fuggita dalla casa del padre (2)

 

mattino cupola d’oro e lapislazzuli quando vaticinava a Delfi quae

tripode ex Phoebi, lauroque profatur (3) la ressa il soffoco

l’inascoltata voce

desolata cassandra

 

 

                         più a Est l’animale sacrale rumina micro-giungle

               domestiche; Ganesh alla catena da secoli; Vembanad

               stende il suo tanfo viola inedia invasiva liquefa scivola

               nelle retro acque piatte, squarci di spazio tempo sulle

               strade di polvere, scotomi.

 

                      Orienti dominatori sventrarono città fasciate;

              onde prue protese polene; i lenti accecamenti

 

              Mater-puella nell’abbaglio argento petraie, orde

              scagliate nelle gole degli dei divoratori di luce

 

              l’Athanatos dannato nei tuoi forzieri aperti.

 

[…]

 

 

Da: CES SONS SESONS

 

Vēr

 

Vēr primo vere invera

veritas, in vino no! in campo

in bosco in prato ego virido

mi irido rido

genera la terra i fiori

pori tutti fuori di sé

dal seno aperto sciamano

abhelas, reptilia, nòus anima-lia

en saut (1) in balzi in neve

di lanugine ver-tigine

tiepidi serici nidi

gemmano cori e mugolii

nugoli et nugae

arbor arbita arbitra Carnea

viridat e reti and thirsts

my nightly shadow feasts (2)

blu crudo incombe

arioso maggio d’erba voglio loglio

manger son blé en herbe (3)

 

 

Verno

 

Verno perno firmamentum

oldest seasonson endurci

gris in-tingo rame lingue ignee

camini pini querce noci

rovi torvi corvi neri eri

invasione di tronchi

mantelli folti di volpi latte

di lupe perdute galaverne

nevi solenni evi fondi fate

H’eman Kalash (1)

aquila chiôm-ata (2) coltre alata

vernis d’iverns (3) glace-soupir

te soit la grand neige (4)

Iarnă (5) - arnia del nero

in-chiostro signo in hoc

locus iste scoscesa

tana lana bianca vitalbe

ringhia scarno giaciglio falco

calco interno Verno.

 

Note

Cardini

(1) S. Beckett, Mal visto mal detto, Einaudi, 1986

(2) M. Zambrano, Chiari del bosco, B. Mondadori, 2004

(3) M. Zambrano, I Beati, Se, 2010

 

Ces sons seson

letteralmente ces sons dal francese questi suoni e sesons dal dial.

friulano stagioni, hanno simile pronuncia

Ver

(1) in occitano: api serpi nuovi anima-li in salto

(2)“e seti le mie notturne feste d’ombre” S. Heaney, Station Island,

Mondadori, 1996

(3) manger son blé en herbe, detto risalente al XVI° secolo: poiché il

grano acquisisce valore quando arriva a maturazione, chi mangia il

grano in erba dilapida il suo denaro

 

Verno

(1) Kalasha popolo di uomini liberi come si autodefinicono i Kefiri

dell’Hindu Kush, mai islamizzati, h’eman è l’inverno nella loro

lingua come hêman lo è in sanscrito

(2) Chiôm neve in greco

(3) Vernis è anagramma di Iverns che è inverno in occitano

(4) “te soit la grand neige le tout le rien” Y. Bonnefoy «La grande

neige», in Début et fin de la neige, ripreso in Ce qui fut sans

lumière, Gallimard, 1995

(5) Iarnă inverno in romeno

 

---

Rita R. Florit ha pubblicato "Cardini" (2018), “Nyctalopia" (2018), "Passo nel fuoco" (Premio Mazzacurati-Russo 2010), "Lezioni inevitabili" (2005). Più volte finalista al Premio Montano. Ha tradotto Louis Zukofsky, Ghérasim Luca, Joyce Mansour e autori contemporanei. Ha ideato e realizzato vari videopoemi tra cui: Inside me-mories (2018), Aestas (2016), Passionement (2015)

Daria Gigli, da “Una visita a Hölderlin”, Moretti & Vitali 2019, nota di Laura Caccia - L’epifania poetica

L’epifania poetica

Non si tratta propriamente di una visita, se pur letteraria, come precisa Daria Gigli in premessa a Una visita a Hölderlin. Appare piuttosto la scelta di assumere un punto di vista, tenere aperta una finestra, nel modo desiderativo del vedere, come specifico dell’etimo di visita. Così visitare è vedere: spalancare la visione su un mondo, attraverso lo sguardo del poeta tedesco. Un mondo sotteso all’apparenza. Dove il senso del divino, anche se smarrito, anche se difficile da afferrare, continua a permanere. Ad abitare le cose, pur essendone stato allontanato. Ed è uno sguardo insieme colmo di straniamento e di prossimità quello che muove le teofanie della raccolta, dove le varie manifestazioni del divino si fanno vicinissime, dalla complicità mitica degli dei greci fino all’epifania de ‘Il dio dentro’.

L’epifania di un dio che è vento, soffio, suono. Un’apparizione che trascina i nomi «a sorsi infocati» e insieme sussurra. E che, nel passaggio dalle teofanie mitologiche alle poesie sulla realtà, trasforma anche le cose in divinità. Così l’autrice ci mostra «l’occhio di neve come un dio», l’innaffiatoio verde che dorme nella nebbia, la pioggia che «ha incantato le persiane». Anche i luoghi fisici e antropici, dalla natura al museo, dalla biblioteca alla sala da concerto, appaiono risuonare di visioni d’altrove. Come quelli interiori, dove «Manca sempre qualcosa», «dove non sai chi sei», a indicare il bisogno di una presenza altra. E, ancora, come quelli letterari, dove scrittori e musicisti irrompono nel testo, lungo «le stanze come un sogno di Baudelaire», «in mezzo alla Tempesta di Beethoven» o nell’orchestra di un «Mahler metropolitano».

Nella sua epifania poetica, la parola di Daria Gigli porta in visita, e a vista, sia il divino che il sentire intimo, umano e personale. Dal riecheggiare delle figure archetipe e delle divinità mitologiche fino al vibrare dei temi esistenziali e letterari, riuscendo a condurre a manifestazione, secondo il concetto di alétheia rivisitato da Heidegger, le cose come entità del reale. Portando a presenza l’occulto, il mistero. Un disvelamento che la parola poetica può rendere possibile. In un percorso anche personale dell’autrice verso sé stessa. Muovendo dalla visione del mondo esterno a quello interiore. Dalle rivelazioni del sacro alle manifestazioni dell’inconscio e dell’onirico. Fino al volteggiare nel sogno del ‘Decalogo’ finale. In fondo ancora un’epifania. Ancora ‘Il dio dentro’. Poiché, ed è sempre Hölderlin a ricordarcelo, l’uomo è un dio quando sogna.

 

Da: UNA VISITA A HÖLDERLIN

 

Musa

 

Musa,

stanotte ti piace giocare con me

e ti diverte – ne sono certa –

la mia incapacità di leggerezza.

Tu sai le vicende della terra e del cielo stellato

e passi lieve:

puoi dirmi perché altro non so fare

che coniugarmi su confuse ossessioni,

siano anche – ora – gli occhi chiari

e visionari

di Wilhelm Kempff

in mezzo alla Tempesta di Beethoven?

 

 

Il dio dentro

 

Un dio a volte di notte

mi tiene compagnia,

mi sussurra all’orecchio tutti i tuoi nomi

e poi – un prestigiatore non potrebbe di più –

li trascina giù dentro

a sorsi infocati.

Sottovoce sibila una litania

e pasticcia malinconia in mania,

ossessione in beata visione.

Il teologo, turbato,

ha già pronta una definizione

che pare una diagnosi letale:

trasfigurazione consustanziale!

Ma lui, divelto il chiavistello della notte,

guizza via flessuoso in una maschera di luce.

Solo in certe mattine zitte zitte d’estate

siede su una panca di Borgogna

a masticar litanie,

le mani compunte in grembo

per un dolce scempio

e una cocolla pietrosa

calata fino in fondo

su un volto senza volto.

 

 

Da: UNA LEZIONE D’ORCHESTRA

 

 

Mahler metropolitano

 

Fagotto scordato di un fusto nano,

Mahler metropolitano

in un tristeroico azzurro di castello!

Porge l’oboe il la e verrà

verrà un accordatore

a intonare svariare emendare.

Non senti come scuote l’asfalto il corista?

Pare un rabdomante

in cerca di una vena profonda

che trovi infine nel baccano

l’armonia delle acque d’Oceano!

 

 

Da: IMPROVVISI

 

***

“l’allegoria del mito” recita il testo

e gelido rimane e impassibile

l’occhio di neve come un dio

 

***

guardami con occhi visionari,

fa’ che sia in questa mezza luce,

ti prego, chi non sono

 

***

minaccia giorno,

in un rapido gorgheggio tutto il buio d’inverno,

le stanze come un sogno di Baudelaire

 

 

Da: FUNAMBOLESCO MUSICALE

 

***

Manca sempre qualcosa

perché qualcosa sia,

nulla è mai

che niente importi,

le notti intere

e un giorno pieno mai.

Scivola di mano

la fiaccola alla sera

e cade

dove tu non vai.

 

 

Decalogo

 

Scrivi un rondò per Praga

o se vuoi, una ballata;

prendi il bastone e va dentro alla giuncaia

dove lirica fa rima con sterpaglia,

e tu buttala sulla brace universale

finché non fa più male.

Impara a vagare

dove non sai chi sei,

suona la glassarmonica

e coppa dopo coppa scoppiala:

bello è lo scoppio e il non restare,

come in sogno caracollare.

 

---

 Daria Gigli, nata a Firenze nel 1949, ha insegnato Letteratura greca presso l’Università di Firenze. Si è occupata di onirocritica greca anche con un approccio psicanalitico, di retorica di età imperiale, ma soprattutto di poesia epica tardoantica nei suoi vari sottogeneri di poesia mitologica, cosmogonica, oracolare-teologica, innodica ed ecfrastica. Predilige lo studio della poesia a carattere filosofico e in particolare di tradizione platonica e neoplatonica. Oltre a numerosi contributi su riviste scientifiche nazionali e internazionali, miscellanee e Atti di convegno ha pubblicato i seguenti saggi:

Metafora e poetica in Nonno di Panopoli, Firenze 1985

La ‘Cosmogonia di Strasburgo’, Firenze 1990

Nonno di Panopoli, Le Dionisiache (Canti I-XII) Volume primo. Introduzione, traduzione e commento di D. Gigli Piccardi, Milano BUR 2003 (che ha avuto varie ristampe. Sua la direzione scientifica degli altri tre volumi che completano l’opera)

Giovanni di Gaza, Tabula mundi. Introduzione, testo critico, traduzione e commento a cura di D. Gigli, Alessandria. Edizioni dell’Orso (in corso di stampa).

Per quanto riguarda la poesia ha pubblicato la raccolta “Una visita a Hölderlin”, Moretti&Vitali, 2019.

Alessandra Greco, da “NT (nessun tempo)”, Arcipelagoitaca Edizioni 2020, nota di Laura Caccia - Per nodi e passaggi

Per nodi e passaggi

Le pagine di NT (nessun tempo) di Alessandra Greco si mostrano come luogo connesso e continuo di una ricerca linguistica articolata secondo i principi topologici e, insieme, di una scrittura desiderante in tensione verso la totalità. Una scrittura labirintica e rizomatica che non avviene su uno spazio piano, bensì su una superficie non orientabile, ottenuta modificando la pagina, e sé stessa, senza strappi né lacerazioni. Senza prima né dopo. Dove il movimento continuo non ha successione temporale. Senza sotto né sopra. Dove, per penetrare nel profondo, non si può agire rovesciando il visibile. Occorrono invece varchi. Passaggi psichici, esistenziali. Porte. Una ‘porta del passaggio’ che si declina, tra le altre, nella ‘porta profonda’ come in quella ‘del rifugio’, nella ‘porta della fenditura’ come in quella ‘del mutismo’.

Una scrittura che si prende perciò cura dei nodi critici e delle connessioni. Con un bisogno di sovrapporre sopra stati liquidi o indistinti, quali acqua, sogno o suono, precise reti di relazioni con grafi e nodi, ‘rami e archi’. Reti e nodi insieme topologici e quantici. A deformare la realtà, a cercarvi il reale nascosto. Un’esigenza che appare evidente nelle immagini prodotte dall’autrice, in apertura agli otto ‘settori-nodi’ in cui è articolata la raccolta. A mappare l’insieme così come ad affrontarne le zone ignote, non mappate. In modo che possa emergere una visione altra del visibile e dell’invisibile, dell’onirico e dello psichico, del desiderio e del mistero. Senza le prospettive separate del soggetto e dell’oggetto. Come fossero, questi, figure topologiche dove l’uno si deforma nell’altro. Così come si modificano e trasformano reciprocamente la corporeità e la coscienza, la vita e la morte, il compreso e l’inconosciuto, nei loro passaggi e nelle loro reciprocità e connessioni.

E la sfida, che ne consegue, appare il tentativo di portare anche il linguaggio a figura topologica, facendone deformazione continua, non solo strumento conoscitivo o poetico, ma esso stesso modificato e modificante l’apparire. Tra fluidità e nodi, la scrittura di Alessandra Greco introduce varchi e passaggi, consente transiti. Creando ponti e relazioni. Schiudendo porte di accesso. Aprendosi soprattutto all’inconosciuto e all’imprevedibile, in ogni tentativo di riconfigurazione o interpretazione che comporti «una rinuncia al ‘rifugio’ trovandosi sul limite di ciò che può venir compreso».

 

Da: porta del passaggio

 

(nessun tempo)

 

il corridoio limbico ha numerose porte che corrispondono ad altrettante possibilità

 

le porte sono chiuse

 

si osserva aprirle in successione e richiuderle senza varcarle

 

l‘osservazione di quello che c‘è oltre le porte non è pervenuta

 

apparentemente osservatore e osservato non hanno una reale possibilità di incontrarsi

 

altrimenti si produrrebbe l‘immagine

 

forse si incontrano e si dimenticano subito dopo forse si produce un‘immagine che

 

tuttavia non ricordano

 

non hanno immediata coscienza l‘uno dell‘altro perché la scelta viene sempre rinviata

 

 

ciascuna porta è bianca da un estremo all‘altro non si vuole essere simili

 

l‘esperienza insegna che per differenziarsi da qualcosa bisogna averne percezione

 

 

oltre le porte vi sono possibilità che l‘osservato si produca se l‘osservatore lo compone

 

deve poter mettere un riferimento lasciare una giacca un odore una storia

 

 

allora potrebbe svegliarsi e sapere di aver fatto un sogno che lo riguarda molto da vicino

 

 

--- -- - potrebbe parlarne - -- --- -- - --

 

 

Da: (SETTORE-NODO I) porta profonda

 

(BALEEN) lupo_struttura dell’abitare in superficie

 

• PARTE CHE DESCRIVE LA STRUTTURA ANIMALE

spazio parola forma accesso a

profondo baleen lupo Nūn et Mīm et

et lungo facciate forma enti evocate

fulgore igneo vampa fluente corpo forma parola

ombre passanti nel ritaglio di tutte le figure

dentro del bianco del giorno del nero della notte

 

          tracciare. 3 evoluzioni off & vedere accesso a senza istruzioni per mostrare il rientro dentro corpo a incasso corpo entrata a natura tendineo connettiva erba e olfatto liquida messa se stessa in un frame quasi trema

nienet. varco in metropolitana sul circuito aperto dal corpo vedente al corpo visibile che ha fatto della voce risonanza in forma di profondo e altezza macchine dorso treni convessi all‘orecchio in rilievo di ossa e sinovie del corpo grande capacità di sistema filtro forma trachea e apparati tempie goût a goût pelle sistema dorsale e udito sequenza di tutte le figure di volo e caduta verso l‘immane fondazione de eredità et iter sagoma – vela di quello che resta

[…]

 

Da: (SETTORE-NODO II) porta communicans

 

Nodi

                  Contrario alla folgore che riceve l'istante, il silenzio sottomette il tempo.

 

                                                Un nodo, in generale, deve avere tre caratteristiche:

 

                                      la semplicità di esecuzione,

                                      una buona tenuta,

                                      la possibilità di essere sciolto agevolmente.

 

• NODO SENNEH

 

                   dicono che nel silenzio si nasconda sommessamente tutto ciò che è passato

  

        teleidoscopio minuscola piccola ballata un piccolo giro nel bosco attraverso

praterie e ripidi sentieri miniatura fortificata nel cuore risolto quando ha lasciato

 

allora il distacco sul colore

l‘image – di quello che era prima – non corrisponde più alla sua descrizione

è un déjà vu

 

con moltiplicati rami e campi gruppo doppi

simula inquadrature di situazioni familiari nodature

 

(contigue al corpo in modo da

formare angoli

di spola sul retro verso della pelle) – l‘apertura si cangia e si assorbe

 

[…]

 

 

Da: (SETTORE-NODO VIII)al lato della carne_ramo aggiunto (pars addita)

 

   nessun tratto di penna può percorrere senza salti una e una sola volta il percorso dei

sette ponti di Königsberg

 

la soluzione a questo primo problema di topologia fu data dal matematico Leonard Euler nel 1608

 

sarebbe stato necessario costruire un ottavo ponte una riconfigurazione

 

   le riconfigurazioni    non hanno sempre conseguenze prevedibili    comportano una

rinuncia al 'rifugio'    trovandosi sul limite di ciò che può venir compreso

 

--- questo approssimarsi – disnodarsi – frantumarsi ---- teorie delle frontiere e incidenti di frontiera ---- includendo in habitat ---- anche strettoie in cui non vi sia autonomia ---- mutando forma -- in ogni caso autoregolandosi con la rapidità del proprio tempo di pensarsi ---- ridisponendo ---- porosità ---- ché le diverse interpretazioni – a volte non si intendono – ---- – se si insiste eccessivamente si soffre

 

   la colorazione indica di solito l’origine di una disarmonia

 

ci sono aperture immediate che lasciano passare con facilità altre porte vagliano nient‘altro che fili sottili come la seta i più piccoli cambiamenti

 

e questa continuazione

 

---

Alessandra Greco, Roma, 1969. Vive e lavora a Firenze.

Ha scritto Del venire avanti nel giorno, Libro Azzurro (Lamantica Edizioni 2019). La memoria dell'acqua_Grésil sur l'eau pour faire des ronds, silloge finalista al Premio Lorenzo Montano XXVII Edizione (2013), Opera Prima Poesia 2.0 (2014). Press Soundtrack_Colonne sonore dalla cronaca, racconti brevi, per i Quaderni di Cantarena (2012), ai quali l‘emittente Ryar Web Radio ha dedicato la puntata n° 26 della trasmissione Scritti Parlanti condotta da Stefano Ferrara (2013). Rabdomanti (2016), a contributo per il sito Descrizione del Mondo, Installazione collettiva d'immagini, suoni, scritture, a cura di Andrea Inglese. Couplets, Relazioni tra i recinti e l'ebollizione (2016) con le sonorizzazioni di Luca Rizzatello (soundcloud. com/couplets). La OT Gallery, spazio installativo virtuale, a cura di Giulio Marzaioli, ospita un suo contributo, International Date Line_Meridiano 180° (2014), sulla linea del 180° meridianoterrestre. Ha realizzato performance e letture con attenzione al suono e la sua ricerca si è estesa alla fotografia.

Ha ideato ed è tra i curatori del festival PartesExtraPartes, micro-rassegna di musica sperimentale, scritture e arti visive (Firenze, 2018-2019).

Suoi testi sono antologizzati in oomph! – contemporary works in translation / a multilingual anthology, vol. 2 (2018), nella traduzione di Marcella Greco, e in Poesia di Strada 1998/2017 (Seri Editore 2018). Sue scritture sono apparse in riviste e lit-blog tra cui “Carteggi Letterari”, “eexxiitt.blogspot.com”, “Nazione Indiana”, “Niederngasse”, “L‘Ulisse”, “Versodove”.

Marica Larocchi, da “Polveri Squame Piume”, puntoacapo 2020, nota di Laura Caccia - Nel vibrare della lingua

Nel vibrare della lingua

Una parola oscura e illuminata, profonda ed eterea, cosmica e prossimale, colma di sonorità e di visioni, quella di Marica Larocchi che, in Polveri Squame Piume, conferma il suo percorso poetico, introducendovi nuove immersioni nelle risonanze e nelle vibrazioni originarie del cosmo e del dire. Le dualità che, insieme ad elementi di fulgore, avevano caratterizzato, a partire dal titolo, le precedenti raccolte, tra le tonalità della parola e del mondo, gli elementi del macro e del microcosmo, lo splendore e l’impervio della materia reale ed esistenziale, qui si fanno tripartite e apparentemente più opache. In un’opera che mantiene lo stretto legame, intrecciato in precedenza, tra l’universale e il particolare, l’eco dell’enigma e la complessità del dire, ma che vi intensifica gli elementi di mutazione e di trasformazione.

Composta da quattro sezioni in scrittura poetica e una centrale in versi sull’arte di Mosè Bianchi al lavoro nel duomo di Monza, tutta la raccolta ruota sui processi compositivi - cosmici, artistici e poetici - e sulle loro disgregazioni. Tra Polveri, materie dell’origine e del dissolvimento, Squame, elementi di metamorfosi e di trasformazione, e Piume, palpiti dei nidi e dell’altrove. Nuclei del formarsi del mondo e residui della corrosione del vivere. Materiali dell’arte, anche. E della parola. Minimali, ma vividi e risonanti. Ad esprimere le vibranti mutazioni cosmiche e interiori. Gli strappi e i disordini. Le passioni e gli attriti. I vuoti e le rigenerazioni. Dopo «vacanze agli inferi o scorribande nell’orto». Ora tra «zoppia dei versi» o «sopra l’orizzonte del soffio più audace».

In una lingua fulgida e plurisemica. Concentrata e dislocante. Dall’affondo fermo e arrischiato e dal riverbero interminato e lieve. Una parola perturbata, quella di Marica Larocchi. E sempre illuminata, anche quando il materiale si fa più essenziale e dolente, meno sfolgorante. Quando prevalgono ‘polveri’ e ‘squame’ su ‘oro’ e ‘cobalto’, ‘rugiada’ e ‘cristalli’. Quando viene chiesto alla parola di spogliarsi di orpelli, di farsi cicatrice del lutto e di varcare «nell’ultima capriola lo spiraglio che s’apre vorace sul preludio dei fulgori. Là, ogni furore, ambascia e ustione potrebbe finalmente valicare la griglia dei segnali, mente e soggetto abrasi».

 

Da: L’ALTRA PLACENTA

 

1

   Prima del senno mattutino promettiamo di triturare afflizioni e cilici, anche se qualcosa ci storna, ci transenna, quasi un divieto bleso o l’indice virtuale di chi ha gia centellinato la sua pozione di melassa e zolfo. Lei ci accoglie, ospitale come un prudente orzaiolo; c’invita a svuotare il sacco, a rimuginare il fato con sillabe disarcionate. Poi ci tranquillizza affinché ci prepariamo insieme a doppiare l’etimo più rischioso del passaggio in salotto. Allora: eccoci appesi al filo dei pronostici, imbozzolati dentro la gerla greve di sinapsi ancora in germe.

   Ci avverte che non udremo né il bisbiglio dei bulbi sotto le membrane, né lo squittio stroboscopico di memorie contumaci: nemmeno un rantolo di foia che si squami dalle sue commessure sapienti. Sentiremo, piuttosto, uno strappo di cedole molli, di frazioni o di eclittiche in mezzo al disordine di antiche decalcomanie. Oppure sarà come se l’orma del suo dito ci rigeneri nel menù variabile dei cicli, degli zodiaci sempre impegnati nelle loro staffette… Nascite mercuriali, quindi, per sinossi fosforescenti e vaporose. 

 

7

 

   Il vaticinio, infine.

   D’ora in poi: esentati dal soggiorno nel monolocale periferico con modanature di orazioni in rilievo tutt’intorno alla buia cavea del cuore. Altro che zaffiri e lapislazzuli! In realtà, lei l’aveva gia affittato senza scrupoli d’oblio a un giovane, inquilino insigne, ma per brevi scadenze... In effetti, se consenzienti, non fruiremo più di visioni avvampanti né di ricambi d’alfabeto. Niente più vacanze agli inferi o scorribande nell’orto. Invece fileremo, senza interruzioni di carattere, il nostro bozzolo di vocali asettiche, di dittonghi al minio, di ricicli e tremoli come dentro le minugia di una larva ad interim, per diatesi tronche tra crepe di acidi, capriole basiche e lampi corrucciati, immutabili. Da vera amica, ci assicura che ci sarà accanto per sempre, come rosa alla tempia per caso sfogliata senza antonomasie sul bordo di borragine smorta.

 

 

Da: NEL PAESE DEI TOTEM

 

5

 

   Si. Li abbiamo visti slittare insieme sopra la cute metallica dei sogni dentro piroghe di corteccia e muschio; e nel berretto, penne d’aquila reale per incidere profili allucinati. Filavano via – ve l’assicuro – più impercettibili delle comete traverso l’arco di Ulisse all’orizzonte.

   Notizie di qui? Avvistamenti a iosa di scafi e carcasse per la fame adunca di vampiri nababbi, quasi sul greto d’agonie in frantumi. In effetti, Caronte mai rinuncia al suo turno di guardia sulla battigia dove ragli e litanie fanno da contrappunto agli esiliati d’ebano a cui spuntano in premio cuori occhiuti.

 

 

Da: AUTOBIOGRAFIA

 

9

 

   Del resto, dovete infine accasciarvi qui, sul foglio. Anche se vi esorto a disperdervi adagio come certi semi prillati fuori da capsule gremite di desideri in conflitto, di giubili dolenti e di appelli desueti. Ormai àptere, piumette o caruncole di misteriose transverberazioni, ora non siete che trottole minuscole al loro estremo volteggio prima dell’approdo - della caduta? - sopra questo silenzioso candore dove già s’intravedono tracce spettrali, prossime e remote.

   Spogliatevi d’ogni orpello, imprimetevi, dunque, colate come bronzo fuso, minuzie mie! Fatevi cicatrice, solco e memoriale del vostro medesimo lutto; e, pari a effimere fiacche, varcate nell’ultima capriola lo spiraglio che s’apre vorace sul preludio dei fulgori. Là, ogni furore, ambascia e ustione potrebbe finalmente valicare la griglia dei segnali, mente e soggetto abrasi.

 

 

Da: SOPRALLUOGO

 

13

 

   No, non è una resa. Vorremmo scalare ancora il dorso gibboso di certi suoni male pronunciati, quasi sfiato di mantice frusto; e infine issarci con agile piede sopra l’orizzonte del soffio più audace; ma i tracciati ormai sbordano sulle mappe di questa dizione, quasi per un colpo di frusta. E noi, svelti, c’immergiamo nello scafandro di penombre abilissime a compattarsi contro luci irrimediabilmente in fuga dalla reticella ormai fiacca del nostro appetito.

   Viene da lontano; è qui, accanto all’avida fonte del nostro vuoto, e rintocca come voce piena.

 

---

Marica Larocchi, lombarda di madre slovena, vive e lavora a Monza.

Ha pubblicato diverse raccolte di poesia, fra le quali Lingua dolente (Milano 1980, Premio Cittadella 1981), Fato (Milano 1987), Solstizio in cortile (Novi Ligure, 2009), La cometa e l’ibisco (Varese, 2013), Di rugiada e cristalli (Ferrara, 2017); opere in prosa narrativa e saggistica, da Trieste (Verona, 1992) a Rimbaud, un racconto (Lecce, 2005), da Luogo e formula, per una lettura d’Illuminations (Lecce, 2009) a Fantasmi (Lecce, 2013).

Ha curato e tradotto Primi versi e Ultimi versi di Arthur Rimbaud, un’Antologia dei poeti parnassiani (Oscar Mondadori, Milano 1992-1996); opere di R. Radiguet, di P. J. Jouve, di Charles Baudelaire (Milano 2005-2012) e L’infinitude di Jean Flaminien (Ferrara, 2012, Premio per la traduzione, Universita di Bologna 2013).

Collabora a riviste letterarie italiane e straniere con testi in poesia, in prosa e traduzioni

Vincenzo Lauria, da “Teatr/azioni”, puntoacapo Editrice 2018, nota di Laura Caccia - Nel rovescio delle parti

Nel rovescio delle parti

Quale scenografia viene messa in opera da Vincenzo Lauria in Teatr/azioni per dare luogo ai gesti poetici che capovolgono cliché e stereotipi? Si tratta di metateatro? Oppure di un teatro nel teatro? Qui, in realtà, la parola non si fa riflessione sulla rappresentazione scenica, né messa in atto di un’animazione dell’assurdo con l’abbandono di trame e linguaggi consueti. Qui la parola si fa propriamente teatro: «luogo/non luogo» di pubblico spettacolo. E insieme azione-non azione. Un’azione che spalanca e rovescia sé stessa, riuscendo a mettere in luce non solo quanto si nasconde dietro le quinte, ma quello che, nel suo ribaltamento, ogni volta accade davanti ad esse. Invisibile però ad uno sguardo che colga solo l’apparire e non quanto, «per un andar del vero / in opposta direzione», si mostri al contrario «irrealisticamente verosimile».

Tutto, nel retroscena come «nell’al di qua / del vero», dalle scenografie alle luci, dal palco alla platea, dalle prove ai monologhi, dal plauso all’inchino, viene sottoposto, «di cliché in cliché», a continue mosse di capovolgimento. Così, sulla scena-non scena teatrale, viene eliminato il sipario, il palco diventa platea e viceversa, gli spettatori diventano attori e ad applaudire è un pubblico assente. E così la parola entra in azione: rovesciando cliché e luoghi comuni, con continui colpi di scena. In una finzione, implicita nel senso stesso del recitare, come del resto dello scrivere, che viene ribaltata da un’ulteriore finzione, da questa annullata e, nello smarrirsi del senso apparente, condotta ad un senso più veritiero.

Non solo la parola fa di sé teatro e, insieme, antiteatro. Il poeta fa di sé stesso teatro e antiteatro. Nel rovesciare le parti, si ritrova «Innanzi al palco / far la propria conoscenza» quando “fatale è lo svelamento / per l’inganno si dice il vero / e in suo onore / il saper stare al gioco / si fa baratro». Con una particolare modalità di scrittura, Vincenzo Lauria mette in scena veri e propri coup de théâtre nella realtà e nella propria interiorità: dallo svelare le finzioni del visibile al ricercare un senso oltre a quello apparente, fino alla discesa nel proprio abisso. E il tratto che ne caratterizza la scrittura, quello di separare con barre oblique le parole al loro interno ponendone in luce la pluralità semantica, evidente già nel titolo, trova in questi testi il suo significato scenico e insieme più autentico: spalancare ogni volta il sipario dell’apparenza che vela ogni parola, mostrando la scena nascosta dei suoi doppi, multipli sensi. La sua voragine. Il suo baratro.

 

TEATR/AZIONI

(Il teatro, luogo/non luogo, percorso, di cliché in cliché,

al buio di una maschera)

 

¶

 

L’inconsistenza

ci traccia nel non essere

in lunghi avvita/menti

è nel chiamarsi

un rinnegarsi per i conosciuti nomi

per apparire al solo desueto.

E in quel cappotto a quadri

scalderei nuda la mia ri/conoscenza

il sapersi per un verso bisbigliato

in bocca/scena.

Farò di me teatro

per un voler di sorte

senza un sol sipario,

fuliggine nell’aria

nel tutto retroscena.

 

Cliché II

 

La messa in scena

 

Pavide le menti

i para/venti

collimano con lo svelarsi

poco a poco

un négligé oblige

la noblesse d’âme à se détruire.

La mise en scène

au ralenti – dice un improbabile vero

mentre piove il virtuale.

S’intingono le pelli

di mutanti colorazioni

e nell’accingersi

segna la distanza il plauso mancato

per l’aprirsi al pubblico

di un boudoir privato.

 

Cliché IV

 

Il palco

 

Scale

dai gradini di neve

l’algido apparire

di me a somiglianza.

In recitar respiri e pause

solitudini escludi

e ammanti l’aria del circostante

di un’aura

nell’imminenza d’altra presenza.

Contar fra il pubblico

di un rapimento in maschera

e quel che è

non rassomiglia al nulla

al privato accaduto

al viso degli astanti sfigurato.

Innanzi al palco

far la propria conoscenza

salire

e scontar di verità la penitenza.

 

Cliché XIII

 

La scena

 

La ricostruzione della scena

sa di delitto annunciato

le maestranze si curano del luogo

per il replicarsi delle parti.

S’incendiano le luci

nel tratteggio delle sagome

e il sangue scorrendo ancor

si fa spettacolo.

Il movente oscuro

nell’infittirsi del mistero

accresce il campo del sospetto

l’indizio dice di un unico colpevole

tra il pubblico cadavere

 

Cliché XVII

 

Il plauso

 

Chiuse sale

in raccoglimenti

prima di un inizio.

La voragine ci sospende ai bordi

prima dell’attrazione,

fatale è lo svelamento

per l’inganno si dice il vero

e in suo onore

il saper stare al gioco

si fa baratro.

Confondersi al fondo

in uniforme annullamento

né luci violeranno i contorni

per la mimesi in corso.

La voce narrante rimase muta

per un sorprendersi sul palco

l’andar in scena di un pubblico scrosciante

nel colmare il vuoto dello spettacolo.
 

---

Vincenzo Lauria inizia nel 2001 la condivisione del suo percorso in Stanzevolute, gruppo di 11 poeti selezionati da Domenico De Martino. Dal 2010 collabora con Liliana Ugolini ai progetti multimediali “Oltre Infinito”. Ha collaborato dal 2012 al 2019 con l'associazione Multimedia91-Archivio Voci dei Poeti.

La sua prima raccolta edita "Teatr/azioni" (Puntoacapo Editrice) è stata finalista al Premio I Murazzi (8^ edizione) e al Premio Lorenzo Montano (34^ edizione).

Nel 2021 ha pubblicato con Liliana Ugolini la raccolta "Oltre Infinito" (La Vita Felice) che ha ricevuto la segnalazione speciale alla 35^ edizione del Premio Lorenzo Montano.

Suoi testi sono presenti nel periodico on-line "Carte nel Vento" e nel blog "Casamatta".

Fabrizio Lombardo, da “Coordinate per la crudeltà”, Edizioni Kurumuny 2018, nota di Laura Caccia - A crudo del resistere

A crudo del resistere

Non appare tanto la messa in luce di parametri per affrontare la ferocia del vivere, lungo le ascisse e le ordinate del vissuto e del sociale, come il titolo dell’opera di Fabrizio Lombardo, Coordinate per la crudeltà, indurrebbe a pensare. Quanto piuttosto, parrebbe, una messa a nudo, o meglio a crudo, seguendo l’etimo di crudeltà, dei nodi irrisolti del sentire dal punto di vista di chi tale brutalità, esplicita e implicita, subisce. Senza poter trovare criteri di riferimento per resistervi. In più, avendone perso o scordato le coordinate. Appare una precisa scelta. Non solo e non tanto un mettere l’accento sugli elementi di violenza del potere storico-sociale contemporaneo come delle avversità che sottraggono affetti e speranze. Quanto posizionarsi su un piano altro: quello del riconoscersi, operando un ribaltamento di prospettiva, nella percezione di tutto ciò che è falso, mancato, dimenticato.

Nell’oscillazione del senso, nei rovesciamenti dei punti di vista, nella sottrazione progressiva del dire. Rovesciamenti che appaiono visivamente nelle barre oblique interne ai versi ad evidenziare, nella separazione di dati ribaltati o contrari, il capovolgimento continuo, in «questo disfare/ e trattenere», della percezione e del sentire. Tutto mostra segnaletiche e confini e tutto sfugge, resta indecifrabile. Nel dolore personale, «lasciandosi dietro la vita intera». Nei percorsi esistenziali delle ‘false partenze’ e della mancanza di un «punto fermo / o coordinata da ricordare». Nel sociale degli spazi commerciali e del profitto dove con maggiore intensità si mostra la ferocia della «dittatura del contemporaneo». In una continua sottrazione, che è anche «sottrazione di sé».

La parola è crudele? Sicuramente nel dire del potere, nel «freddo tagliente delle frasi fatte», nel mescolare «vergogna e vita vera con la sintassi / della menzogna». Tanto che Fabrizio Lombardo, di questo svendere parole, non può che dichiarare: «Non chiamarlo progetto di poetica / geometria binaria, o gioco d’ombre». Non conosce invece crudeltà, se non il mettersi a crudo, quando la parola ammette la propria insufficienza, quando si mostra a nudo, quando riconosce che «solo la dissonanza ci descrive». Ed è proprio questa posizione, etica e poetica insieme, ad apparire in piena luce: un dire senza potere, senza ordine né geometrie. Poiché mettere ordine non è compito della poesia. La poesia non si muove per coordinate. Lascia libere le discordanze, la loro intensità, la loro resistenza, il loro dolore.

 

Da: FALSE PARTENZE

 

***

È molto più onesto ora farsi da parte, dirsi fuori quota

per gare come questa. Ammettere che non è il terreno

adatto. Che è stata solo una falsa partenza. Dire

che la pazienza è andata. O anche scrivere

delle solite cose, ripetere i fondamentali

e risparmiare fiato per i giorni che verranno

per l’ennesimo novembre di silenzio e allenamenti mancati.

 

***

Ora che la geometria dell’occhio mostra la città

tra le rette parallele dei binari cominceremo

a contare gli anni, le voci e i silenzi, gli addii

che lì si sommano. Grammatica del vuoto/ snodo del futuro.

D’estate, la sera, qualche volta si vedono le ombre

venire da lontano/ passarci il cuore da parte a parte.

 

***

Scrivo il falso – spesso – e svendo le parole

mischiando vergogna e vita vera con la sintassi

della menzogna. Non chiamarlo progetto di poetica

geometria binaria, o gioco d’ombre. Serve più coraggio

a vivere i pochi gesti possibili/ quelli rimasti.

Qualche respiro preso in prestito. La notte, nelle case.

 

***

solo la dissonanza ci descrive. un modo per dire

che tutto quello che è venuto a mancare – non l’amore

intendo (non qui), ma il rancore/ la gola che brucia,

la voce inceppata, raccolta dietro i vetri,

fra i libri, o fra le giunture delle mani – è un altro

silenzio ancora/ una memoria che dobbiamo – tu e io –

mescolare a questo rumore/ perché possa appartenerci ancora.

 

 

Da: COORDINATE PER LA CRUDELTÀ

 

***

Nella camera solo la resistenza dell’aria contro

le vetrate. Tu sai quello che mi consuma:

il vento freddissimo/ l’attesa. Inutile

spostare il cappio che indosso come un regalo

d’addio/ molto alla moda però. I nervi

ancora fuori posto. La traccia curva lasciata dalla luce

confonde/ cede a questo falso lirismo/ irrita anche le parole.

 

***

Ho dimenticato ancora una volta le coordinate per la crudeltà.

Riprovo con i vetri aguzzi, il ghiaccio tra i denti,

l’incertezza/ la resa. Abito vestiti soliti.

Con poche sfumature di grigio e di nero

per mimetizzarmi meglio con la ghiaia davanti a casa.

 

***

raccogli la mia morte senza nessuna parola

cercando di non concedere saldi all’esistenza ed evitare

sconti alla vita. almeno oggi, metti ordine alle cose

rimaste indietro, pulisci casa, indossa la mia ombra.

 

***

ora che anche il verde è venuto a mancare

rimane solo il muro, qui, appena fuori dalla porta.

ti ho cercato anche oggi, ma con pudore,

sperando che non ti accorgessi di nulla

nascosto tra le righe scritte storte a matita,

in apnea dentro ai giorni. storti anche loro.

 

***

Provo a spezzare questo dolore in due parti

come pane appena fatto. Lento, mastico la mia

e faccio briciole della tua sperando che i merli

ne mangino. Che non ritrovi la via di casa nostra.

 

 

Da: PER I GIORNI DI PIOGGIA

 

***

senza dare peso alle cose. a nient’altro. in questa

stanza chiusa come per un trasloco fatto in fretta.

contare i giorni/ la vita arrugginita alle pareti

e cancellare ogni traccia. dire di non esserci

stati. dentro alla storia. in questi anni. abitare

l’ombra/ e perdere. anche quel poco.

 

 

Da: RETAIL

 

***

Continua a chiedere se voglio un’altra birra il grassone

dietro al banco nella Zum Uerige a Düsseldorf. Tra facce

d’affari e ubriachi abituali ripenso

a come quello che abbiamo visto oggi sarà superato

e vecchio tra pochi anni. L’innovazione degli spazi

commerciali – siamo qui per questo – suonerà vuota

dentro al freddo riflesso dello smart shopping:

dittatura del contemporaneo/ monopolio di mercato.

 

***

Piove cenere. Con trent’anni di meno fotograferesti

questo sole mancato, questo cielo da Instagram

nel tentativo di una descrizione in atto. La questione non

è più privata. Ti è concesso solo di guardare la serratura

né buco né chiavi. Ricominciare da capo. L’ululato dei lupi

che non sono lupi, tutt’attorno.

 

---

Fabrizio Lombardo (Bologna, 1968), ha fondato nel 1994 “Versodove, rivista di letteratura”. È direttore operativo di una catena di librerie. Cura la rassegna di poesia Passaggi di versi all’interno del festival di saggistica Passaggi (Fano). Ha pubblicato Carte del cielo, (VersodoveTesti, 1999), di quello che resta (Fara,1998), Confini provvisori (Joker, 2008) e Coordinate per la crudeltà (Kurumuny 2018): finalista al premio Tirinnanzi, segnalato ai premi Pagliarani e Bologna in lettere.

È presente in: Il grande blu, il grande nero (Transeuropa), Sesto Quaderno di Poesia Italiana (Marcos Y Marcos), Ákusma (Metauro) Parole di passo (Aragno), Parola Plurale (Sossella). Suoi versi sono apparsi su Il Verri, Poesia, Tratti, Atelier, La clessidra, L’Ulisse, e su numerosi quotidiani.

Ha curato le note del volume Yellow, di Antonio Porta (Mondadori)

Alberto Mori, da “Levels”, Fara Editore 2020, nota di Laura Caccia - Passaggi a livelli

Passaggi a livelli

Quanti piani si intersecano in Levels, opera in cui Alberto Mori esplicita alcuni livelli e altri ne lascia intravedere? Appare un graduarsi dal basso verso l’alto, evidente nei titoli delle tre sezioni: ‘low’, ‘medium’, ‘high’. E, insieme, un convergere dei livelli, nel punto in cui si incontrano i desideri del cielo e della terra, come viene anticipato dalla poesia, posta in esergo, di Kikuo Takano, che nell’immagine dell’albero fa confluire, in una sola, le forze opposte di cima e radice, quale unità dei contrari nell’intero. E, ancora, un mantenere i piani in equilibrio, dall’etimo stesso di livello, come esemplificato in alcune poesie a due colonne separate e allineate, in contrappeso come una bilancia a due bracci oppure come una livella. E, nello stesso tempo, un posizionarsi ad un livello di soglia, che i passaggi testuali lasciano scorgere, per l’accesso, in sequenza e insieme in affinità, al principio, al corpo, all’oltre.

I livelli appaiono mobili, spesso invisibili, come viene dichiarato in premessa: «Livelli mobili scompaiono alterni». Scandendo i transiti, gli attraversamenti, le contaminazioni nei tre specifici stadi in progressione. «Verso radici senza immagini»: lungo le impronte e le tracce dei passaggi e della scrittura nell’estensione orizzontale delle acque, delle strade, dei fogli e dei loro sostrati oscuri, in ‘low’. «Fra gli sguardi del corpo»: attraverso gli affioramenti di natura e civiltà, da cui emergono le luci e «la voce sfarina», nella dimensione corporea, in ‘medium’. «Nel volo avveduto di sole arie»: tra orbite e «nubi oscure all’aria / Invisibili al segno terrestre», nella tensione verticale verso la sospensione e l’assenza di gravità, in‘high’.

Attraverso la compressione essenziale del senso e il distillato della parola, Alberto Mori prosegue la sua ricerca nel concentrare elementi concreti e rarefatti, quali stazioni e silenzi, vagoni container e balzi d’umore, creando microtesti densi e ariosi al tempo stesso: «Valichi bianchi sopra il foglio / La mano mancina scrive aria / Rarefa grafia esitata e ripresa». Dove i movimenti poetici coinvolgono la percezione della realtà esterna come della corporeità, della mente, dell’inconscio. E anche, nei suoi diversi livelli, della parola: scritta, a voce, pensata. Se l’oralità è il punto di forza dell’autore, gli altri livelli, di pensiero e scrittura, sono ugualmente e intensamente presenti. Quale in basso e quale in alto? Come per l’albero di Kikuo Takano, nella poesia si incontrano, fino a coincidere in un’unica forza, i desideri della terra e del cielo, delle profondità e dei voli, delle radici e delle cime della parola.

 

Da: Low

 

Prelude attesa per bikers

Immagine franta dai tempi espositivi

Struscia sfreccio curvo del passaggio

Crome sfocate nella pedalata sottile del ritmo

 

***

Le ruote ormai improntano il foglio

Fra le tracce sulla carta

scrive di non conoscere gelosia per lei

La ama da sempre

Lo scritto resta a perire sulla ciclabile

 

***

Le spalle delicate

Valichi bianchi sopra il foglio

La mano mancina scrive aria

Rarefa grafia esitata e ripresa

 

***

La stazione disgrega inagibile

Qui preme tempo naturale

Incrina strati

Accorda piccoli sterpi nei sassi

dove fra efflorescenze sparse

respirano silenzi d’aria e polvere

 

 

Da: Medium

 

Corpo seduto Capelli disciolti

Dalla nuca equilibrio in riannodo

 

***

Dove sticker non incolla & scrosta

il millimetro mancato sillaba

La voce sfarina sulla pellicola del muro

 

***

Qui puro balzo d’umore vitreo

materia traluce spaiata dai bagli

L’altro lato senza ottica rifrange

 

***

Nell’aria umida profondano margini bui

La piccola strada discende e risale

Le luci affiorano vicine e lontane

 

 

Da: High

 

Gravità dissolta

Tempo dismesso

Perdura vacante

 

***

Il buio dilegua alla prima luce

La terra allenta ombre

Depone arie accese

Concresce cielo

Millimetri di spazio

Corpi migrati dalle sillabe bianche

 

***

Tratto illetto

Nuvola illesa

Piogge papille

Lingua nasconde

Ripassa veglia

Neutro crea

 

Sapore del cielo

 

***

Ondulo diviene solco radiale

L’anello ruota ad accerchio

Orbita

Porta nubi oscure all’aria

Invisibili al segno terrestre

 

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Alberto Mori, Crema 1962, poeta performer e artista, sperimenta una personale attività di ricerca nella poesia, utilizzando in interazione altre forme d’arte e di comunicazione.

Dal 1986 ha all’attivo numerose pubblicazioni. Nel 2001 Iperpoesie (Save AS Editorial) e nel 2006 Utópos (Peccata Minuta) sono stati tradotte in Spagna.

Per Fara Editore ha pubblicato: Raccolta(2008), Fashion(2009), Objects(2010), Financial (2011), Piano(2012), Esecuzioni(2013), Meteo Tempi (2014), Canti Digitali (2015), Quasi Partita (2016). Minimi Vitali (2018), Levels (2020). Nel 2017 Direzioni (edizioni del Verri). Dal 2003 partecipa a Festival di Poesia e Performing Arts fra i quali: V Settimana della Lingua Italiana nel Mondo (Lisbona, 2005), Biennale di Verona (2005 e 2007), IX Art Action International Performance Art Festival (Monza, 2011), Bologna in Lettere (2014, 2015 e 2016 e 2018). La produzione video e performativa è consultabile nell’archivio multimediale dell’Associazione Careof / Organization For Contemporary Art di Milano.

Davide Nota, da “Lilith. Un mosaico”, Luca Sassella Editore 2019, nota di Laura Caccia - La lingua di un nuovo occhio

La lingua di un nuovo occhio

In un intarsio di prose poetiche, tra scrittura del quotidiano e tensione all’altrove, si compongono le tessere di LILITH. Un mosaico. Novantanove frammenti, raggruppati in tre parti di 33 tasselli ciascuna, in cui Davide Nota dispone un materiale smembrato e plurimo, denso e fluido insieme. Isolando, nei reperti di un montaggio che infrange il succedersi della narrazione, inquadrature sul visibile, vivide percezioni e stati di coscienza. A partire dalla messa in crisi della visione e della decifrazione della realtà, poiché «Difficile vedere. Ma descrivere è impossibile». Ed evidenziando le diverse fenditure che attraversano ogni tentativo di ricomposizione. Poiché la tensione verso un intero sempre irraggiungibile, così come ad un divino inaccessibile, chiamato in causa anche nella numerazione dei frammenti, può solo manifestarsi attraverso brani, tasselli, lacerti.

Lilith, figura che si declina nei suoi molteplici aspetti, quale demone nella religione mesopotamica o prima donna creata per l’ebraismo o simbolo dell’emancipazione femminile, trova nell’opera la sua contemporaneità. In una storia smembrata tra città di provincia e aule universitarie, ordinaria quotidianità e suspense, depravazione e trascendenza. Mentre la scrittura, che attraverso una registrazione neutra ne costruisce il montaggio, si pone sul bordo di più sguardi, tra fisico e inconscio, mitico e metafisico. Nel fitto di contaminazioni e metamorfosi. Dei soggetti, delle storie, dei pensieri. Del quotidiano e del mito, del visibile e dell’oltre, dell’etico e dell’estetico. Poiché «Esistono stadi lucidi della coscienza in cui anche la più turpe depravazione torna ad essere raccolta tra gli eventi estetici della materia che muta».

Anche la lingua subisce metamorfosi, a partire dall’essere una voce muta. La parola del poeta è muta, necessita di un passaggio estremo, di una radicale, rinnovata espressione, visiva e sonora. Contro il linguaggio abusato della comunicazione ordinaria, infrangendo e variando l’ordine delle cose, Davide Nota cerca uno sguardo iniziale e una lingua inedita. Un occhio inconscio e sorgivo per una parola libera, ibrida e vitale. «Qual è la nuova lingua del nuovo occhio?», si chiede l’autore. Disseminando, in risposta, molteplici indizi: la «vitalità dell’improvvisazione», il montaggio spontaneo di «nuovi reperti» e “brandelli di repertorio», così come «(il “gesto” di un “suono”)», con cui viene identificata la poesia, e ancora il suono stesso, «il flusso musicale, non un ritorno all’ordine, ma alla canzone». Nel trapasso dello sguardo. Nel collasso dell’alfabeto, mentre torna alla sorgente.

 

Da: Lilith

 

4.

 

L’inquadratura è pianificata per omettere ogni elemento riconoscibile della stanza. Un individuo non esiste più, è solo un lembo di camicia, una cerniera di jeans che si apre come un binario un binomio due brani speculari di tessuto anonimo da cui sporge oltre la terra nera il fallo lombricoso della rovina è una testa indigena da leccare assieme in cerchio. Lo guardo come un altro me che avviene in questo specchio elettrico striato dai pixel della connessione. Chi agisce non si sa. Lilith scrive: “quanti anni hai”. Endimione risponde: “42. e tu?”. “21”. Si slaccia il reggiseno e lascia rotolare le sue mammelle ruvide africane nella visione.

 

12.

 

Le foglie cadute di notte di chi erano da chi sarebbero state raccolte? Noi eravamo così impassibili di fronte a un troppo grande mistero. Camminammo alla ricerca del sentiero che conduce ad un’antica quercia. (Essa apparì così come l’avevamo immaginata.) Oh se la vita fosse questo eterno esterno oh se la vista fosse questo esercito di occhi erosi rossi parassiti assedianti il travertino poroso tra i coppi di sangue dove una rondine cadde sul tetto era il cielo sognato una volta di stelle al contrario era un petalo forse di oleandro o di geranio tra le dita spezzato ma non ridere di me ti prego non riderne. Lui dice una rosa era di certo un petalo sanguinante tra le crepe purpuree della grotta e fuori un grande mare immenso scintillante e sempre il sole. Ti ricordi? Per questo (dice) sono giunto a te, Cibele. Lei risponde la mia vita è la morte precedente di un dio. Quando l’immagine nasce l’eternità è già corrosa. Ha inizio il grande esodo nella separazione.

 

25.

 

Non c’è oggetto sacro senza un altare. E non c’è altare senza uno spazio vuoto da attraversare. Il miracolo è in te che ti fai viandante in questo eterno errare dal silenzio a un silenzio più esteso. Dacché il dio non rispose rispondendo per te una risposta più grande.

 

26.

 

Perché un occhio significa un albero. E un albero è la sua tribù di sacerdoti e fabbri. Essi furono deposti dal dio a custodia della soglia. Ma una soglia è visibile solo dopo un labirinto. E attraversare il labirinto significa danzare. Eppure la danza non è realmente una danza. Ogni rivelazione ci è data attraverso immagini che la circondano.

 

32.

 

Difficile vedere. Ma descrivere è impossibile. La torre in una nebbia gotica. Petra tossisce, chiude la porta della stanza, carica un pezzo dei Black Sabbath su youtube. Era tutto di una banalità tragica. Gli ombrelli riaperti agli scrosci, tutto franava si inzuppava era impossibile mantenere una distanza dalla decomposizione. Io non avrò mai una casa disse (pensò). Era in treno. Era distesa sul letto di una stanza universitaria. Un occhio denutrito che non vede, vede. Scopare (dice) fino alla morte dell’io. Un organismo monocellulare che si espande fino a sciogliersi, questa è la mia dipendenza, my addiction is this obscenity (oskené) (fuori di scena) (fuori di me).

 

 

Da: Giorgio uccide il drago con la forza del pensiero

 

56.

 

Quando dicesti: Tutto sarà inghiottito dal sisma solare, prepariamoci. Il nostro fine è questo: precipitare al centro di quell’occhio nero. Iride. Questo significa volare.

Ho raggiunto l’orizzonte degli eventi. Anello dove il tempo si riposa mentre lo spazio, suo fratello, muore. Allora torneremo in uno a ritroso leggendo come capovolti la legenda dell’icona.

(La nuova prole di metallo e ottone circumnavigherà la nostra estinzione.)

 

64.

 

Lenisci le ferite metafisiche.Lei chiuse la sua bocca cavalcandogli il volto. Perdette così anche l’uso della parola.

 

 

Da: Legenda dell'icona

 

74.

 

Il filosofo rivela l’apocalisse, la sua parola è fine (il fine, la fine; aggettivo e sostantivo). Il suo ghigno è feroce e anche nel gioco è inconsolabile. Il poeta prega la palingenesi, la sua parola è muta.

 

80.

 

Una lingua del silenzio. Non uno stare in silenzio ma un adibire il vuoto. Per abitarlo. Essere in grado (nella grazia) di silenziare l’abbaglio storico.

 

87.

 

Così è la poesia (il “gesto” di un “suono”), questa nemica naturale della comunicazione.

 

88.

 

Lirica, ibrida. In polimetria e libertà rimica trobadorica, dove la rima muti agevolmente in assonanza. Data una norma la vita assume senso nella sua infrazione e variazione spontanea. Ciò che conta è adesso il flusso musicale, non un ritorno all’ordine, ma alla canzone. (Nella vitalità dell’improvvisazione, che ciò che non cerca trova.)

 

---

Davide Nota è nato nel 1981 a Cassano d’Adda, in provincia di Milano, da padre lucano e madre marchigiana. È cresciuto ad Ascoli Piceno, ha studiato a Perugia e ha vissuto a Roma per alcuni anni. Nel 2015 si è trasferito a Macerata. Ha pubblicato i libri di poesia Battesimo (LietoColle, 2005), Il non potere (Zona, 2007), La rimozione (Sigismundus, 2011), l’ebook I rovi (2016) e una raccolta di racconti dal titolo Gli orfani (Oédipus, 2016). Ha svolto alcuni esperimenti di video-arte installativa con il duo Ermes Daliv (Amateur, Uno (Trittico), Come crescono le piante la notte) e di teatro multimediale con il Collettivo ØNAR (Ppss). Nel 2019 è uscito per Luca Sossella Editore il romanzo di poesia Lilith. Un mosaico. 

Fabio Orecchini, da “Figura”, Oèdipus edizioni 2019, nota di Laura Caccia - In morte e in vita della lingua

In morte e in vita della lingua

Alcesti si fa figura. Certo, lo era già, personaggio mitico e protagonista della quasi-tragedia di Euripide: personificazione dell’amore disinteressato fino alla scelta della morte al posto dell’essere amato. Fabio Orecchini, però, in Figura ne fa, da soggetto di una trama, emblema di una molteplicità di sensi, sdoppiamenti, finzioni, creazioni. Figura dell’inquieta condizione esistenziale, della ricerca identitaria, dell’alterità e dell’incorporeo, così che «nelle pause dire l’altro sommessamente adire abito un nome non un corpo […] un io / residuo». Figura quindi da modellare, dall’etimo stesso di figura e del suo tema in fingĕre, plasmare. Fingere e fingere di fingere. Figurare e sfigurare. Figurare altrove.

I titoli delle quattro sezioni, in cui si articola la raccolta, ne evidenziano i molteplici piani. Dalla tanatomorfosi di ‘cercatemi e fuoriuscite’, dal richiamo rosselliano, ai canti figurati di ‘la circostanza del doppio’, dallo stralcio della ‘deposizione di Admeto’ alla vertenza di ‘essere pendente’. Piani che polarizzano sdoppiamenti e divari. Con la ripresa dei frammenti del testo euripideo e, per contrasto, nell’assenza di continuità con cui ne vengono rielaborate le sequenze. Con l’inserimento di citazioni poetiche e, insieme, dei linguaggi della contemporaneità. Con accenti sulle opposizioni tra visibile e altrove, vita e morte, corpo e incorporeità, presenza e assenza, figura e controfigura. E con l’uso di registri plurimi: poetico ed etico, estetico e giuridico, lirico e politico. Nei quali si evidenzia la pendenza sul falso e sul vero. Il condurre a dimensione storica la lingua e la vicenda mitica. E, nello stesso tempo, portarla altrove. In un figurare che si modella e rimodella rispetto all’identità, all’altro, all’oltre.

Anche la parola si fa figura. Un canto figurato del dire-non dire, di una voce che, per Fabio Orecchini, «detenga detenuta | diurno il regno dell’ombra». Una voce che accetti di morire e poi di tornare a vivere trattenendo in sé la morte. Una parola che, nella responsabilità di dire, metta in discussione la comunicazione ordinaria e abusante, attraverso i «guasti metrici», paradigmi dei guasti esistenziali e linguistici. Così da definirsi in una poetica del plasmare se stessa e il proprio canto in figura, non tanto nella forma classica del testo scritto, quanto in quelle della voce recitante e della parola visiva. Nel farsi figura, come Alcesti, dell’incorporeo e dell’ombra. E, insieme, dell’incarnazione del dire negli inferi della violenza storica. Da cui uscire alla luce. Rinascendo al mondo colma del proprio autentico tornare alla lingua.

 

Da: cercatemi e fuoriuscite | tanatomorfosi

 

“...tre giorni al confino Alcestina

tre giorni e tutto torna come prima..”

 

 ***

                                                       al dire lontano

 

che fu sapersi detta, circoscritta nella forma o figura

appena pronunciata, figurante asservita alla scena

appena trascorsa -evocata- qualcuno provi a soccorrermi

a sfigurarmi

 

almeno, figurarsi altrove

 

 

***

                                           fuoriuscita dalla prigionia

 

neuma dei morti anche il vento impietrito, addio addii,

interdetta risata della notte-abituro del dire cercatemi e

fuoriuscite mi dissi ha detto ripeti o, rientrare nel covo

covo mortalmente chiedere ai restanti minuti di vivere

 

soltanto, il tempo di morire

 

 

***

                                                           dopo nei giorni

 

ritrovi ancora schegge -parti di parti di un discorso- o più

semplicemente ora, la gola è un gelo l’arcata del cielo

non detiene, le viscere calde amputate sul pavimento e

poi il lutto

 

pulire ciò che detto, le parole buttate sul letto

 

 

***

                                                        Le voci plateali

 

a fare peso, dove tutto è solo forma già compiuta nelle

pause dire l’altro sommessamente adire abito un nome

non un corpo o ancora un filo che attraversa un io

residuo uni-sonante come un silenzio elettrico

 

uno sparo, siamo deserti fertili di bombe

 

 

Da: la circostanza del doppio | canti figurati

 

S t a s i m o / libera trascrizione per cori da Euripide

 

***

                                       Si segnalano guasti metrici.

 

***

Vita è già presso?

 

ombrosa notte sopra gli occhi

crepe le mani d’ombra muove Alcesti

braci, acconsente che s’avventi

 

l’inverno e l’infezione

 

 

 

se taci, si, resti

 

per quanto cercassi, nulla vidi mai

che più forza avesse della morte

 

della vita gli incanti d’Orfeo la voce estinta

 

 

Da: deposizione di Admeto | stralcio

 

***

Oltre il canto figurato pura funzione del volo i suoi passi

figura tangente i corpi dati ad usodi norma

del vero, di circostanza

 

 

dai piedi ombra un rapace si tende ai miei passi, pura

finzione del volomi figuro tangente la norma

del vero, della decenza

 

 

***

il sospetto che a mentire sia il verdetto

imputata la parola il giudice il corrotto

 

dimmi Alcestina dimmi

l’inferno bianco Alcestina,        color di falena

 

 

Da: essere pendente | vertenza

 

***

se poi parliamo siamo ombre

di parole, o dentature

a calco, per masticazioni

brevi, non vere, Alcestina,

scadenti risa attonite

al trapianto dell’anima

 

 

***

si disse altro per non dire oltre:

 

 

***

La sua voce detenga detenuta | diurno il regno dell’ombra

 

---

Fabio Orecchini (Roma, 1981) è poeta, antropologo, artista. Ha pubblicato Dismissione (Luca Sossella Editore, libro+cd, Roma, 2014),Per Os (Sigismundus editrice, Ascoli Pieno, 2017) e Figura (Oèdipus, Salerno, 2019). Suoi testi sono apparsi su numerose riviste tra cui Alfabeta2, Versodove, L’Ulisse e Nuovi Argomenti ed è presente nel documentario GenerazioneY – Poesia italiana ultima prodotto da Rai5. Ha eseguito installazioni site-specific in spazi quali  l'Ex G.I.L di Campobasso, il Palazzetto dei Nobili de L’Aquila, la Mole Vanvitelliana di Ancona, e,a Roma, presso la Biblioteca Nazionale, l’Accademia d’Ungheria, il Teatro Argentina e la Fondazione Primoli. Con l'installazione TerraeMotus si è aggiudicato il Premio "Elio Pagliarani" 2018. Con alcune opere inedite si è aggiudicato il Premio "Poesia di Strada" (XVII ed.) e il Premio "Città di Gallipoli". Collabora con la rivista Argo e la casa editrice Argolibri, per la quale dirige la collana "Talee"; ha inoltre curato la prima edizione italiana di After Lorca di Jack Spicer (Gwynplaine/Argo,2018) e il volume L'altra voce (Giometti & Antonello, 2019), epistolario della poetessa argentina A.Pizarnik. 

Ivan Schiavone, da “Tavole e stanze”, Oèdipus edizioni 2019, nota di Laura Caccia - Olografia dell’erranza

Olografia dell’erranza

Parlare di erranza quando, a partire dal titolo, l’opera Tavole e stanze di Ivan Schiavone ci conduce a immagini circoscritte sul foglio e nella realtà, potrebbe apparire incongruo. D’altro canto l’errare e il dimorare si mostrano, nella raccolta, quali polarità della condizione umana, in cui «randagio sotto il sole della mutazione va l’uomo» e le delimitazioni di rendono necessarie come «argine al nulla». Mappe etiche per affrontare la ferocia del presente storico, stanze esistenziali per assaporare l’abitare nell’altro. Dove non si smorza però la percezione dell’erranza, dell’estraneità esistenziale. E dove il linguaggio «è orma in cui l’uomo nominando incede / quale estraneo nella sua propria casa a cui la lingua non nasconde, ruba».

Quali tavole, quali stanze spalancano i versi? L’apertura delle tavole, da un atlante multiforme, illumina un quadro di assenza, scissione e sradicamento. E, insieme, un bisogno di riparazione, come in Giappone l’uso dell’oro per colmare le crepe di un vaso. Tavole e stanze preziose, allora. Riparatrici e riverberanti. Tavole e stanze del mondo. Del visibile e dell’oltre. Dell’uno, del mistero. Come della barbarie e della corruzione. Anche tavole e stanze interiori. A segnare la divisione dell’uomo dall’uno e il suo riflettersi nell’alterità. E ancora tavole e stanze della lingua, dove la parola veicola assenze e, «nel miraggio della totalità, veicola il proprio essere riflesso».

Il riflesso crea dislocamenti continui, riverberando una realtà a più dimensioni. Quasi fosse il fascio di raggi laser di un’olografia e, insieme, il suo riflesso speculare. Che la raccolta appaia simile ad un’olografia, come, del resto, dal suo etimo, diviene interpretabile fin dall’accento iniziale: «tutto nel tutto s’intrica e compenetra». Anche se poi la totalità è un miraggio e del reale non si conosce tutto, «soltanto gli istmi e i margini del nostro linguaggio / all’interno del quale solo accadono verità ente ed evento». Il fascio di luce appare allora essere la parola poetica. Nelle tavole e nelle stanze della lingua, nel loro montaggio labirintico, «attraverso la maieutica del discorso caotico», la parola di Ivan Schiavone mostra i suoi riverberi. Non solo riflessi però. La parola appare propriamente l’oro che, sul piano poetico, illumina. E, sul piano etico, ripara.

 

Da: postulati e apostasie

 

tutto nel tutto s’intrica e compenetra, dalla brama d’inerte della macchina

alle rotazioni lungo le ellittiche, mosso e irretito in una sola legge

l’infinitesimale e l’infinito, animato da un palpito, da un soffio

lo spirare manifesto nel verso di una bestia, nella lingua che traccia

un perimetro in cui la nostra psiche edifica, schermo al reale, il mondo

lucerna effimera per scarno lume contro le ampie volte della notte

 

***

non possiamo che trovare rifugio nell’immaginario e in esso abitare

poiché di tutto ciò che è a noi più prossimo la contemplazione ci annienterebbe

della realtà conosciamo soltanto gli istmi e i margini del nostro linguaggio

all’interno del quale solo accadono verità ente ed evento, ed il mondo

la disponibilità assoluta, è orma in cui l’uomo nominando incede

quale estraneo nella sua propria casa a cui la lingua non nasconde, ruba

 

Da: tavole da un atlante

 

dall’assenza, dalle scissioni, dall’anestesia, dai deradicamenti,

dall’ibrido; talmente fragili

                       che ogni passaggio di intensità minima — quando un vaso si rompe,

in Giappone, connettono le crepe con dell’oro

                                                                      riparandolo

chiamano questa pratica kintsugi — come dopo forzata apnea il respiro

come quando comparsa l’ascia a un cavaliere

                                                                     lasciate le redini

rimessosi all’istinto del cavallo

estinta la volontà

affidato a — tre gocce di sangue stillò sulla neve lo squarcio dell’oca ferita dal falco

il rosso ed il bianco (mysterium coniunctionis) —

                                                                     per nostalgia della sposa perduta

di una fanciulla smarrita

                                     che non impresse mai traccia sulla pelle del mondo

in cerca di un corpo

                              reale

e interiore al contempo

su cui verificare il collimare del riflesso — all’alba, attoniti, per stordimento

per il disparire lento dei fantasmi

all’acuminarsi dei raggi

tra le feritoie dei cumulonembi — per nostalgia di un futuro terso

ci siamo consegnati a vicenda testimonianze d’orrore

                                                                               di dolore

quasi — sino al punto più estremo del viaggio

                                                                    il ritorno

lì dove sorge la nostra casa

e a noi la nostra immagine assomiglia

 

***

a Adriano Padua

non sappiamo più nominare il fuoco

per non essere noi da tempo prossimi

                                                        al fuoco — o

per troppa prossimità al domestico

                                                    all’addomesticato — o per la vanità

uno dei modi della fame

uno dei modi della ferocia che dilania questo tempo

                                                                            in cui agape è lo scandalo

aggressione l’abitudine — o come il giardiniere

che al ritmo circadiano della cura

contrasta con la forma il naturale — astro assurdo

sordo all’urlo

                     mezzato da un balcone

da un fiore in controluce — indugiando tra le crepe

tra le tracce materiali del conflitto

non tra crolli ma tra moniti ad occuparsi della statica

 

— e formiche che si agitano

tra i decori floreali di tovaglie impressionate

dalle cene e dagli avanzi — prestasti ascolto al suono e il mondo scruti

di quel dolore avendo pena

                                        per compassione

all’ascesa rinunciasti — quando tra le navate di una fabbrica

l’empatia tra i bassi, l’alba e le sostanze assunte

disegnava le mappe chimiche dell’estasi — riposando in te sereno

in te radiosa tra i gesti minimi

di un quotidiano che la fame estingue

                                     — nella convalescenza del cielo e dei suoi influssi

 

 

Da: variazioni artiche

 

da moto impercettibile i lembi discosti, frammenti

frammisti percorsi da fremiti tra il vasto ed il vano

pianissimo, poi piano si spaia

il bianco coeso, una linea affilata che si staglia

a orizzonte, scissura in cui filtra una luce da strozza

che scucendo riduce il paesaggio ad un raggio introflesso

a mosse menomate che alternano soste e latenze

al passo di una lenta carrozza

avvolta dall’alone soffuso emanato da un vano

nel piano elemento isolato che impressiona un tracciato

sull’elitra esile del ghiaccio

 

 

Da: cantico piano

 

soltanto per celare la dimora che a me fu disvelata dal tuo sguardo

la quiete in sé vibrò, per risonanza, e fu la luce, fu, dal cosmo all’atomo

la legge che sorregge la meccanica perfetta del reale, fu splendore

soltanto perché sia in stella binaria il nostro centro, i nostri fuochi e l’orbita

 

***

trasfigurato hai in iconostasi dei quotidiani oggetti la presenza

l’acqua, il tavolo, il letto, gli indumenti compresi nella luce per te acuita

che non adombra usata consuetudine di scale anzi rischiara, sino al limite

il punto a cui s’arresta la domanda e il dimorare è quiete ed evidenza

 

---

Ivan Schiavone (Roma, 1983) ha pubblicato : Enuegz ( Onyx, Roma 2010 e, in versione ebook, 2014), Strutture ( O èdi pus, Salerno/Milano 2011), Cassandra, un paesaggio ( O èdi pus, Salerno/Milano 2014), Tavole e stanze ( O èdi pus, Salerno/Milano 2019). Ha curato diverse rassegne letterarie tra cui Giardini d’inverno e Generazione y – poesia italiana ultima (da cui il documentario omonimo realizzato da Rai5); ha diretto, con la poetessa Sara Davidovics, la collana di materiali verbali Ex[t]ratione per le edizioni Polìmata. Dal 2016 dirige per la casa editrice O èdi pus la collana di poesia Croma k.

Massimo Scrignòli, da “Lupa a gennaio”, Book Editore 2019, nota di Laura Caccia - La parola estrema

La parola estrema

Tra le falde di parole innevate. Di paesaggi oltre. Nell’affondo delle tenebre. E nel preludio della fioritura. Così lascia le sue tracce, sulla pagina bianca, Lupa a gennaio di Massimo Scrignòli. Nello stesso tempo, assecondandone altre, percependone i richiami, «seguendo della lupa di Gennaio le tracce delle prossime notti». Nell’aprire la parola al mistero. Nel corteggiarne l’ombra gravida, come la sposa, insieme, predestinata e rivelata. Così il plenilunio di gennaio, quello che per i nativi americani è la Luna del lupo, segna il periodo dell’attesa, «l’ingresso docile degli occhi nella neve oscura», e del silenzio, «un silenzio maternale», fonte degli atti creativi della riproduzione come della produzione poetica.

Il paesaggio, visibile e invisibile, percepibile e interiore, è disegnato dal biancore e dall’attesa. Dall’assenza e dal desiderio. Dalla morte e dalla rigenerazione. E dalla musica. Tutto è avvertito, dai sensi e dalla mente, attraverso la visione e l’ascolto. Un sentire che consente di vedere. E viceversa. Un vedere e un sentire oltre. Un oltre che giunge imprevisto. Tra i fondali dove affiora «l’anfratto di un dio dimenticato». Nell’apparizione di cose e animali come aperture significanti. Sotto la pelle, dove «se anche l’infinito finisce […] si muore nuovamente». E ancora, e soprattutto, nella rivelazione che risveglia la verità, il suo «valore indiviso». Anche se non manca la sua attesa continua, quando, nella tensione verso di essa, «conquistare il contorno di un vuoto è di nuovo spostarne le origini».

Tra questi estremi, nell’attesa del vero e nell’apertura al suo manifestarsi, si muove la parola. Non il linguaggio ordinario che ha il compito di dire, ma una lingua sempre sull’orlo dell’albore e dell’annuncio. Come «rugiada quando abita la soglia». Parola dell’origine e dell’oltre. Mentre la storia, invece, «inganna la meta». Parola del desiderio e del rivelarsi. Anche se manca sempre qualcosa tra il visibile e l’invisibile, tra il verde ostinato di un prato e «l’aria che respirano i morti». La scrittura poetica di Massimo Scrignòli raccoglie, nell’assenza e nell’attesa, questo respiro intermedio. Il respiro che avverte il soffio del principio, il respiro su cui «la morte si è arresa». Attraverso una parola che, proprio come la lupa, lascia le sue tracce, tra gli echi di René Char e di Paul Celan, su pagine dense di «fiducia in questa lingua che ci parla». Una «parola che non deve dire». Una «parola estrema, qui, ritrovata».

 

***

Poi sarà l’improvviso. Musica. Non suo-

ni in punta di penna; musica da leggere

sull’impronta, come solo spiraglio dentro

l’oscuro del sentire quel Tu che lúmina la

fiamma delle urne di Primavera.

E le ombre, tutte, incendia.

 

Così io muovo. Vado dove sono.

 

1.

 

Così anche noi. Scendendo alla nave

con la marea del giovane naufragio già

pensavamo alle alture e alle rocce nel

deserto. Eppure anche noi, senza averle

sentite, stavamo seguendo della lupa di

Gennaio le tracce delle prossime notti.

 

L’oltre arrivò imprevisto: il ritorno verso la

fronte.

 

2.

 

Ha inizio nuovamente in una parola.

Viene da lontano, la sola che atterra da

un silenzio maternale. E respinge ogni

possibile teoria, fino a quando il fondo,

in noi, diviene cima.

 

Niente altro se non tutto questo è il

grano sotto la neve, in Gennaio.

 

11.

 

Cercando il marmo oscuro di Paul, diviso

tra il canto dei corvi ingigantiti dalla

pioggia e l’inizio inseguito, avanzano

verso di noi pochi piccoli sassi colorati:

un nome dorato scritto con il nero latte,

sette schegge di specchio tedesco, neve

fossile ghiacciata.

 

Tutto invita verso il lato più scuro del

cielo, nell’ultimo retablo dell’anno. Ar-

cipelago in movimento e già rallentato

dalla parola estrema, qui, ritrovata.

 

12.

 

E nonostante ritorna, tutta, ritorna,

l’acqua ammutolita della Senna. Per

concessione suprema di Eraclito questa,

oggi, è quella stessa acqua. Così anche

noi continuiamo a toccare il freddo del

gorgo, che solleva lo sguardo oltre il viso.

 

Nell’attesa della parola che non deve dire

c’è l’istituzione della rugiada quando

abita la soglia. Come una madre, prima

del fianco ostinato della foglia.

 

23.

 

Tuttavia si avanza togliendo. E conqui-

stare il contorno di un vuoto è di nuovo

spostarne le origini.

 

Anche Novembre non lascia più cadere

le sue foglie. La storia accelera i nostri

passi, ma da lontano ci sopravanza e

inganna la mèta.

 

26.

 

Tuttavia mai, mai sapranno che è scrit-

to. Anche questo non sanno. In nessun

momento conosceranno. Né potranno

sapere che non siamo ciò che cerchiamo:

ma siamo, per il viaggio dell’arca, il suo

compimento.

 

Tuttavia mai ascolteranno il sonno

materno della Sposa rivelata: lei sola,

dormendo, dell’alba risveglia la verità.

Questo soltanto: tutto il valore indiviso

della verità.

 

28.

 

Insiste a farsi vedere, il sole. Non teme

nessuna malattia incurabile.

 

Ma in Gennaio, se ci pensi, per unire il

verde ostinato di un prato del nord, per

unire il suo verde all’aria che respirano

i morti, manca sempre qualche cosa: un

sentiero, una scala, o una mano chiusa

piena di neve.

 

La vita non è tutto.

 

***

Viene in visita la neve, ma sopra l’Oceano

a Gennaio l’inverno si ritira.

 

Forse non si potrà mai pronunciare il

luogo silente anche se è stato nominato.

L’indicibile         purifica          l’azione

corteggiandone la luce.

 

Eppure dorme, questo secolo: è un sonno

senza sogni, adagiato sul fondale di un

tempo tuttora indifeso dalle antiche

profezie di Vulcano.

 

E noi non abbiamo ancora messo in salvo

la cenere.

 

---

Massimo Scrignòli, bolognese di adozione, vive in provincia di Ferrara. Nel corso di un trentennio di dialogo e collaborazione con i più importanti critici e poeti italiani del secondo Novecento, ha pubblicato, con prefazioni, tra gli altri, di Raboni, Ramat, Pampaloni, Sanesi, diversi volumi di poesia: dal libro d’esordio Notiziario tendenzioso (1979) a Vista sull’angelo (2009), tutti raccolti nel volume antologico Regesto (2014, seconda edizione 2023). Presente in numerose pubblicazioni antologiche e didattiche in Italia e all’estero, sue poesie sono state tradotte in inglese, spagnolo, portoghese, croato.

Ha partecipato ad autorevoli festival internazionali di poesia e letteratura; nel 2006 e nel 2009 ha rappresentato l’Italia all’International Poetry Festival di Zagabria.

A testimonianza di una costante attività culturale, anche come “compagno d viaggio” di artisti contemporanei, sono le edizioni d’arte in collaborazione con pittori di fama internazionale, come Baj, Chia, Benati Pozzati, Bonalumi.

Da molti anni svolge un’intensa attività nel campo dell’editoria, curando e coordinando collane di poesia, critica letteraria, filosofia, in cui sono stati pubblicati, tra gli altri, scritti di Leopardi, Poggioli, Sanesi, Crovi, Porta, Sanguineti, e in cui hanno visto la luce anche nuove traduzioni di Auerbach, Eliot, Tagore, Yeats, Bauchau, Flaminien, Char; sue sono la versione e l’introduzione critica di Relazione per un’accademia e altri racconti di F.Kafka (1997).

Ultima pagina 1/ Audiolettura di Elena Corsino, Nell’equilibrio dello zero, su una foto di Max Carcione

Ultima pagina 2/ Videolettura di Patrizia Dughero, con una nota di Giorgio Bonacini

 

Nota per Alle amiche di Patrizia Dughero

 

In queste poesie Patrizia Dughero rivolge il suo sguardo a fotografie in cui figure amiche di donne del passato, alcune forse conosciute (la nonna?) altre forse no, vengono tutte rese vive e ri-conosciute fin dalle prime parole: “Appena sveglia restituisci/chiarore e lucentezza”. Inizia così un’intensa rappresentazione dove le parole della poesia riescono, avvolte da un incanto di inattualità, a farci sentire quella consistenza aerea che sola può oltrepassare l’incessante fuggire del tempo, con uno sguardo che coglie il prima e il dopo, il vicino e il lontano. Un parlare “oltre” che restituisce la necessità di un tempo mobile e sospeso, in cui passato, presente e futuro si richiamano nel fluire delle immagini. Ed è con questa bella espressione che l’autrice apre i passaggi tra il vedere e il pensare, tra l’osservare e l’immaginare, superando il contesto fotografico verso la meraviglia di una scrittura cristallina che è vita e dà vita. Ad esempio l’amica Luigia, “umile che cerca lume”, dove il chiarore sta tutto dentro la semplicità, la riservatezza che sola può, cercando delicatamente, arrivare non alla luce - che sarebbe un eccesso, un sopravanzare chi possiede solo “poche intime verità”-, ma avvicinarsi a ciò che illumina. E in questo sta la visione immaginativa che realizza una scena fatta di emozione e sentimento, insieme al trasporto che affiora verso una conoscenza rimodellata da una domanda o da un gesto. Provando anche a valicare i limiti dell’immediato, verso le trasformazioni a cui il dire tende per aderire alle cose: senza spazio e senza tempo, in un gioco mai usato di nuove geometrie. Dunque non trasfigurazioni ma relazioni fra sensi e percezioni, e gentili minuscole azioni in tempi e luoghi diversi eppure corrispondenti. Un divenire che rende leggeri e cambia un paesaggio di forme naturali in musica interiore, lì dove “il canto si compone”. Perché la storia personale, puntualizza con precisione Patrizia Dughero, se non ne “percepisci gli oggetti, se non li scrivi”, non esiste ed è solo in questo modo che possono rivivere le esistenze: nei particolari. Ecco allora: lo sgabello di velluto, le scarpe nuove, il fiocco tra i capelli, l’abito frusciante, le calze color panna, i drappi sulle tende (cose di buon gusto, capovolgendo Gozzano, a cui però, siamo certi, sarebbero piaciute queste poesie) che rendono quel mondo unico. Un mondo prezioso, speciale, dove però non è sufficiente il ricordo: ciò che serve è la testimonianza, il segno che imprime l’esserci dentro al “giardino dell’amica con le amiche”. E qui l’autrice cerca negli occhi e tra i pensieri, ipotetici ma veritieri, ciò che pensa l’amica Anna affacciata alla finestra: quasi un’immedesimazione, un abbraccio al passato. Ma anche l’amica Alma, con cui dialoga partendo dalla malinconia di una domanda :”Sarò ricordata qualche volta?”. Mettendo in risalto condizioni esistenziali possibili e sicuramente verosimili, per i luoghi vissuti, le cose sperimentate, la stessa immagine di lei che risalta all’esterno nella sua intima essenza. E allora ecco un’abbondanza nell’infanzia, una carità nell’adolescenza, uno spavento, una colpa e l’incertezza in una sua vita anteriore. Con queste parole, ma specialmente per il modo in cui ricombinano il pensiero in poesia, Patrizia Dughero ci dimostra, ancora una volta di più, come la poesia sia sostanza materiale, una forma di vita anche lì dove sembra esserci solo vuoto. E lo fa attraverso la figura di Livia che riesce, nonostante gli “occhi allenati allo sguardo/verso terra” , e malgrado l’evento della grande guerra che ha travolto il mondo generato per amore , in cui lei si riconosceva, ad accerchiare la realtà con parole buone. Ecco la cura: la capacità di dire, portando una parola di guerra come “accerchiare” al suo contrario, la bontà. Solo la scrittura nella dimensione poetica riesce in questo, ponendo domande che non interrogano ma considerano attentamente la presenza fisica e impellente di un futuro presente al suo passato: Quali parole porteremo, Come finiremo. E allora si capisce perché, insieme all’elenco delle Amiche, nella poesia finale vi siano elencate, solo per nome ma riconoscibili, alcune tra le autrici a cui va la sua gratitudine: “Amelia, Antonia,/ Ingeborg, Elisabeth, Ida e le altre/piene di grazia,/che avete donato fatti al futuro,/non solo parole…”

Giorgio Bonacini>09.03.2024

Ultima pagina 3/ Videolettura di Marina Petrillo, con una nota di Ranieri Teti

MEME

Un meme decade dal suo detto

avocando in remoti frammenti di linguaggio.

Indescritti “geni egoisti” replicano

nuovo logos, di ogni culto afoni, fecondi

all’insipiente clone gravido di nulla.

 

Una genetica difforme crea esistenze

mediatiche, relazioni tra realtà e parvenza

del cui stato rituale si imbeve l’esperire.

 

A spersi fotogrammi divampa

la solitudine dell’imperio straniato

Offusca in diagonale. Confina

ogni lirismo a sua minaccia.

 

Ruminatio sottesa al violato limen

emersa in sotterfugio linguistico

parafrasi dell’anemico adagiarsi in linea retta.

 

Abdica oltre il crogiolo temporale

Accogliendo variazioni nel potenziare

sviluppo di istantanee derubricate

alla “Santa Inquisizione “di Sua Vastità la Rete.

 

Il vuoto campo di liturgie simboliche

in apparizioni devote a lemme sconfinante

il nitore del cogitante paradigma, naufragano

l’Archetipo a messe gravida di scorie emozionali.

 

Isole emerse da generanti veli sterili

Condensa in stille disarmoniche

Offuscate da torpide allucinazioni condivise.

 

 

Rifulge in mugghiante anomalia

Homo sacer asceso in spazi paralleli

“il futuro è solo una malattia dell’enigma”

che promana in dissacrata, spenta liturgia.

 

---

Un vocabolario ricercato, attualissimo e antico, attraversa questa poesia di Marina Petrillo: già nel titolo c’è il “meme”, uno dei simboli del nostro tempo, ci sono “esistenze mediatiche” e allo stesso tempo latinismi e termini recuperati da un dire passato.

Tutto questo produce una lingua ibridata, metamorfica, che è la base per la costruzione di un testo che via via diventa una forma di resistenza.

In questa poesia si crea un cortocircuito linguistico tra contaminazioni e versi memorabili: questo spaesamento è lo stesso che si coglie nel suo senso complessivo, come se l’autrice osasse andare sempre un po’ più in là, verso dopo verso. Non c’è tregua, nessuna sospensione: l’opera chiede all’autrice di evitare “ogni anemico adagiarsi”. 

Quarta di copertina: Cristiana Panella sulla scultura di Gibo Perlotto

 

No*bis sonavit diabolus (2022)

Cristiana Panella

 

« Paganini le fantastique/Un soir, comme avec un crochet/A ramassé le thème antique/Du bout de son divin archet/Et brodant la gaze fanée/Que l’oripeau rougit encore/Fait sur la phrase dédaignée/Courir ses arabesques d’or »

Théophile Gautier, Émaux et Camées, 1852

 

 

No*bis sonavit diabolus è un’opera dello scultore Gibo Perlotto in omaggio a Niccolò Paganini. cela nel ferro l’alito fatuo del djinn, il genio femminile e maschile di lisiera che stanzia tra selva e villaggio, tra integrazione e disintegrazione, tra il fuori e il dentro, ora doppelgänger, ora entità altra di straniamento. mago ctonio che governa i riti di possessione attraverso la musica, guardiano dell’ombra cui in Africa occidentale i cercatori d’oro si raccomandano con il sacrificio del gallo prima di violare la terra. questo stato di ambiguità liminare affiora dalla copresenza tra la staticità del tavolino e gli spartiti volatili, il violino sospeso per incantamento, l’archetto che interseca il bordo come una linea di fuga. prima di accorgersi che in questo ordine apparente tutto pulsa in un vortice impalpabile. il tavolino stesso, che dovrebbe assicurare una centratura, una simmetria, come nel caso di Le sorgenti di Arturo, opera coeva dedicata ad Arturo Toscanini, ha una vibrazione liberatrice e allo stesso tempo déroutante, cioè che porta fuori strada, su un’altra strada. che porta via. le zampe del tavolino diventano nero malmignatta, l’argia, la velenosa Latrodectus tredecimguttatus, che nella taranta prenderà le spoglie simboliche della più innocua Lycosa tarantula. nella pizzica salentina che animava il rituale coreutico domestico di depossessione dal morso della taranta, il violino era strumento maestro per scazzicare la bestia del disagio, ossia pungolarla, attraverso la danza carnale delle tarantate, i piedi abitati che, come si imputava alle « strie », non riuscivano a chetarsi. la chiave di lettura di questo impercettibile Moto perpetuo, per riprendere il titolo di un’opera di Paganini, è celata nei due spartiti. il Capriccio #24, l’ultimo, il più ardito e arduo, dei Capricci, e Le Streghe, variazione del 1813 sul tema del balletto Il noce di Benevento, messo in scena da Salvatore Viganò, sulla composizione di Franz Xavier Sïssmayr, a La Scala di Milano l’anno prima, di cui Paganini riprende l’annuncio dell’oboe : l’entrata delle streghe e il patto col diavolo.

il foglio del Capriccio si increspa nella curva dell’arabesco. arabesco e fantastico. le arti del Romanticismo considerano « fantastico » il movimento randomico, una fantasmagoria che svela dietro un unico sipario il demonico, la manifestazione del divino nel mondo, l’appuntamento degli opposti di Goethe, e il demoniaco, l’azione mefistofelica che uccide Eros : la bizzarria, lo spavento di meraviglia, il grottesco, l’attrazione che ripugna. il fantasque, intraducibile con un aggettivo solo in italiano, più rutilante del weird. imaginarium di falesia tra bellezza e inquietudine. nel 1790, Christian Steiglitz allaccia le arti attorno all’arabesco mettendo in dialogo gli arabeschi ferici di Raffaello con la romanza picaresca di Ariosto, preparando il terreno alla teoria dell’arabesco di Friedrick von Schlegel, « questa misteriosa aspirazione segreta verso il caos incessantemente al lavoro ». il racconto di Klingsohr, parte dell’Enrico di Ofterdingen di Novalis (1802), è un viaggio epico alla ricerca del « fiore azzurro » (die blaue Blume), il ricettacolo della forme di conoscenza attraverso il compimento dello stato d’amore. qui il poeta interpreta l’arabesco in termini musicali, descrivendo il movimento sincopato, eppure armonico, di una melodia cangiante che compone immagini sulla tavola dei commensali durante la festa in cui Enrico incontrerà Mathilde, figlia del poeta Klingsohr, riconoscendovi il volto in cui si era mutato il fiore azzurro nel sogno che apre il racconto. un rimando alla magia sospesa dell’oscillazione degli astri, la musica delle Sfere che Berlioz riprenderà nella Sinfonia fantastica (1830), nel solco di von Schleger e del grottesco hugoliano. in particolare, Le Orientali di Hugo (1829) e la sua « chanson de pirates », ispira al compositore quell’« accompagnamento di tempesta » di cui egli scriverà in una lettera del 2 febbraio 1829 all’amico Humbert Ferrand. il ritmo frastagliato del crepitìo di fuoco fluisce così nella Sinfonia e nel suo ultimo movimento, «songe d’une nuit de Sabbat ».

la definizione di Gautier sostantiva un aggettivo federatore tra le arti di alta pregnanza simbolica. pertanto, definire Paganini « fantastico » significa metterlo al centro del maelstrom artistico del suo tempo e del retaggio della sua figura-opera. colui che con il divino archetto del « Cannone », il Guarnieri del Gesù, che Hoffman paragona alla scopa delle streghe, fa scorrere arabeschi d’oro, non è fantastico. È il fantastico. nel bene e nel male. l’editore e critico Jules Janin testimonierà di questo coacervo di astio e ammirazione : Paganini, il « misérable italien » ha rotto tre corde del suo violino per conservarne una sola, « une seule corde pour tant de passion ! Une seule pour toute cette âme ! ».

fedele alla linea dello svelamento del quotidiano, No*bis sonavit diabolus restituisce il reale meraviglioso, quell’ipermetropia delle anime capienti lontana, tuttavia, da un iperrealismo distopico e ipertecnologico. un occhio di veglia che ha disimparato, che si è dilatato nella materia accogliendo l’esperienza estetica, la senzienza di una semplicità verticale. Gibo è estraneo alla natura gotica e bifronte di Paganini, al suo artificio di stupefattura. è figlio delle terre interne del Vicentino e del Trevigiano. calca le orme di cima di Rigoni Stern, di Meneghello, di Zanzotto, artigiani della luce che abbracciavano il creato dalle radici attraverso i suoi araldi di umiltà, quelli che fanno cintura : le bisacce di trincea, gli scarponi, il silenzio. « un tempo povero, sì, ma ricco forse di altre cose che abbiamo perduto », scrive Rigoni Stern sul complesso scultorio di Gibo « Memoria contadina » (2001). dal ferro, nella sua restituzione della venatura, della grinza, della crepa, prende forma una riconoscenza ecumenica, una fedeltà alla vita che si incarna nei doni del creato attraverso un’ars che non soverchia. il cespo di verza di Madre Terra (2013) non è verosimile, è parola del ferro che chiama ‘verza’. così come gli spartiti di No*bis sonavit diabolus, leggiadria paradossale per vulcanizzazione, non sono riproduzione ma specchio « da un’altra lingua ». Gibo e Niccolò, pur appartenenti a emisferi celesti opposti, formano la sfera in quell’intercapedine che è il momentum di creazione, il giusto tempo che avvince intuizione e azione. Gibo sublima un ferro già addomesticato per intenzione chiara, coagula nella forma il soffio di un’anima mundi trascendente che posa il suo sguardo a terra, che diventa immanenza e per bocca delle semplici cose coniuga umiltà e potenza. Niccolò travaglia il ferro interiore : la sindrome di Marfan, identificata soltanto alla fine dell’800, e l’intossicazione da assunzione cronica di mercurio a seguito di diagnosi errate, sempre più invalidante. finché riesce a suonare, piega il suo talento di zoppìa al ritmo scosceso dell’archetto, scazzica l’impossibile tra inerzia e volo. piange sfidando. ognuno a mani sue fa voto.

 

https://www.giboperlotto.com

 

 

Riferimenti bibliografici

 

Gautier, Th. [1852] 1981. Émaux et Camées. Parigi : Gallimard.

Janin, J. 1863. Contes fantastiques et contes littéraires. Parigi : Michel Lévy Frères, Libraires Éditeurs. Projet Gutenberg : https:// www.gutenberg.org

Loisel, G. 2017. « ‘Cette confusion ordonnée avec art’ : la Symphonie fantastique comme œuvre arabesque ». In C. Bayle & E. Dayre (eds) L’Arabesque, le plus spiritualiste des dessins. Parigi : Kimé, 57-73.

Menichetti, A. 1984. « Dal ‘Noce di benevento’ alle ‘Streghe’ », Quaderni dell’Istituto di Studi Paganiniani, 4, 27-31.

Mango, E. G. 2007. « Un muet dans la langue », Annuel de l’APF, 1, 49-68.

Novalis [1802] 1997. Enrico di Ofterdingen. Milano : Adelphi.

Rubycki, M.H. 2000. « Janin e Paganini », Quaderni dell’Istituto di Studi Paganiniani, 12, 37-44.

Loredano Matteo Lorenzetti, saggio, “Il suono dell’immensità”

1.

L’ingegnoso orecchio d’un telescopio ha udito il primo segno sonoro con cui l’universo ha manifestato il suo realizzato, ambizioso, desiderio d’immensità.

Simile al soffio musicale d’un flauto, l’inizio del cosmo ha pronunciato il balbettio del tempo. Giunto fino a noi, oggi, sottoforma di radiazione di fondo, dovuta allo scoppio primordiale, incandescente, di energia ovunque sparsa.

Così ci è dato sapere che la sonorità degli eventi ci appartiene. E’ la storia, il tessuto, di cui è fatta la realtà. Quella che ci ha nominati, parlando la lingua materica del remoto e del presente, che noi diciamo nei segni verbali dell’esistente e della nostra esistenza.

La stessa con cui l’eveniente è sul punto d’incontrarci, affinché la calda voce della vita continui a vivere della sua impalpabile essenza, con cui ci sfiora emozionandoci, accalorandoci, parlando della sua presenza e dell’oltre a sé che annuncia. Nella fredda caducità con cui l’istante scompare, muore a se stesso, perché possa apparire il dopo di sé.

L’apertura al venturo è condizione e cifra mutante dell’accadere degli eventi. E del poter nominare quel che, essendo stato, è sperimentabile, pensabile, dicibilmente conoscibile.

Allo stesso modo in cui il pensiero poetico nell’accennare a qualcosa la oltrepassa, per poterla mantenere al di fuori del suo destino d’impermanenza.

La poesia è il luogo del segno scritturale-sonoro che sfida la precaria fragilità, la labile transitorietà, la temporanea instabile fugacità del tempo. L’impersistenza d’ogni cosa, evento, circostanza, nel suo momentaneo presentarsi alla coscienza. Che l’attrito del tempo logora, consuma, polverizza. Perché fattuale, mutante, percettivamente sfuggente.

Essa nel di-segnare l’orizzonte dell’in-visibile del reale, nel superare l’apparente in-esistenza di ciò che il senso comune non afferrando esclude, ri-vela un in-conosciuto, che si sottrae all’aggressione con cui il tempo occulta, deturpa, modifica la realtà, nel noto suo apparire. L’abituale osservare, distraente e annullante la visione della profondità del reale, con cui, comunemente, guardiamo e verbalizziamo l’esperienza.

Sicché la poesia può mantenere quella ‘radiazione di fondo’ che pervade la voce del senso intimo, straorinario, originario e originale delle cose. Che essa sola, frastornante, possiede e nomina. E che le permette d’attraversare lo spazio temporale dei secoli e dei millenni. Mantenendo, intatta, l’integrità del suo fragore stordente. Che il radar dell’animo umano, captandola dagli abissi del tempo, rende stuporoso l’udito.

 

2.

Anche il rumore della parola poetica, provocato dall’urto con quella discorsiva, genera onde sonore creanti una diversa, alternativa, dimensione e significato della realtà.

Scontro risonante che l’udito sorprende e meraviglia. E che fa muovere lo sguardo dell’anima da ogni parte, per cogliere le cangianti, mobili forme di senso prodotte, vaganti nella vastità dello spazio da quell’impatto originatosi.

Il poetare consente di scrutare l’immensità del repertorio dei significati disponibili nell’universo del pensabile e del dicibile dell’esperienza, dell’esistenza. E non solo quelli della realtà, ma pure quelli che la trascendono e quelli che l’immaginano al di là di ciò che lo sterro reale/irreale sa pronunciare.

Tuttavia, secondo Thomas Stearns Eliot il genere umano non può sopportare troppa realtà.

Il verso poetico resiste a tale insopportazione. Perché ogni poesia, a proprio modo, ne contiene l’esatta quantità che l’occhio può incorporare, la mente sostenere, l’emozione amplificare, l’anima tremare.

Non può esserci alcun sovrappiù di nessun genere in un testo poetico. Se non la garbata misura che rende essenziale i suoni del suo dire.

Anche a motivo di questa sostanziale indispensabilità di parole il verbo poetico non dà corso a eccedenze d’alcun tipo.

E’ dalla penuria di suoni verbali che riescono a pronunciare l’impronunciabile che il poeta tenta di far deflagrare il cosmo sonoro del verso.

Ed è la parola che va in cerca del poeta. Di colui che le impedisce di soffocare nelle pagine compresse, ingiallite, usurate, dei vocabolari del quotidiano discorrere, lasciandola respirare nell’aperto dei significati dell’inchiostro poetico. Colui che le dà labbra per sillabare altra voce, tono, intensità, ritmo, senso, da quello che il chiacchierare ordinariamente le affida.

Tuttavia, il poeta sa che è la creatura della propria penna e che grafa, con atto panico, un ‘infinito scritturale sonoro’, che neppure a lui è dato sapere, del tutto, la vastità a cui accenna. Lasciando che alfabetici inchiostrati segni poetici vaghino per il mondo a incontrare un orecchio che, ascoltandoli, possa nutrire la mente, ampliare l’immaginale, penetrare il nero che li traccia e palpitare il cifrato suo messaggio.

Diego Terzano sulla poesia inedita finalista di Mario Novarini, “Il risveglio dell’amante”. Con un inedito dell’autore

Il risveglio dell’amante (cui religas comam?)

 

Non sarà rivelato il suo segreto,

se all’alba appare come fresca rorida

bianca rosa carnosa o come morbida

pèsca intatta per arcano decreto

 

di qualche poco invidïosa complice

divinità; ma so che in un piovoso

pomeriggio di noia con grazioso

gesto raccolse i capelli in un triplice

 

nodo, una piccola treccia sinuosa

sulla curva del collo. Era rivolto

il mio sguardo al profilo del suo viso:

 

ore vuote hanno senso d’improvviso

in luogo del grigiore ora dissolto

brilla una felicità dolorosa.

Perturbamento – e forma – del perturbamento

Lettura del Risveglio dell’amante (cui religas comam?) di Mario Novarini. Con un inedito

In questa nota mi avvalgo di alcuni spunti derivati dal colloquio intrattenuto con Mario Novarini dopo la conclusione della trentaquattresima edizione del Premio Lorenzo Montano. In quell’occasione, si è molto parlato del processo di redazione del testo che è qui preso in esame. Non intendo produrre la trascrizione di un’intervista, quanto uno spazio critico e una testimonianza del farsi della poesia: ovvero, una nota redatta a specchio del parere di chi è stato a capo della scrittura. Ringrazio l’autore – anche per l’inedito che conclude il tutto.

È molto interessante che in una recentissima lettura della poesia di Novarini (con particolare riferimento a Gli occhi della materia, 2008¹) ne sia stato indicato il quid nell’intrinseca condizione mediana; o meglio, in una medietà, per così dire, posizionale: contemplante sia la consustanzialità assoluta, sia, in via simmetrica, la riduzione materiale di ciò che può essere sussunto, teoreticamente, alla nozione di essere. Da una parte, dunque, con occhio alle estrinsecazioni formali, un «frammentismo» creativo, percettivo e ragionativo; dall’altra, un movimento contrario teso non alla «dissoluzione bensì [a] evitarla». È precisamente a fronte di questo paradigma che Novarini può essere inteso come un peculiare «medium che riconcili entrambe le posizioni»².

Ora, credo sia importante comprendere quanto tale medietà speculativa possa essersi applicata non solo alla dimensione meramente concettuale del testo del Risveglio dell’amante (intesa tale dimensione come sintesi tematico-formale delle intenzioni autoriali e delle menti in cui queste trovano applicazione alla lettura), ma anche alla sua estensione, potrei dire, processuale, che acquista rilievo in considerazione del modo in cui il testo si presenta: ovvero, come un sonetto³. Entro tale forma si articola uno svolgimento tematico all’apparenza minimo ma problematico, se concepito e indagato con il proposito di rintracciare le tensioni che non solo manifesta, ma implica.

Ma innanzitutto: anche se ci si trova di fronte a ciò che per ora, nella produzione di Novarini, costituisce un unicum (non risultano pubblicati altri sonetti), può essere utile individuare alcune costanti condivise con l’esperienza precedente. Mi sembra si possa parlare in questo senso di un gusto per l’aggettivazione – per l’aggettivazione doppia o plurima – coestensivo a una propensione conoscitiva (volta cioè alla determinazione dell’oggetto) che si è manifestata, finora, con tutta regolarità: un’attitudine che ha contestualmente spinto l’esito estetico a legarsi via via a una certa grammatica della materia, per la quale la distanza tra soggetto e oggetto poetico(-filosofico) è andata riducendosi.

Questi elementi, tesi lungo una dialettica tra unità e molteplicità (semplificando: un solo sostantivo determinato da più attributi; l’affilata sincronia tra soggetto e oggetto contro la dispersione di questi) hanno effettivamente dato forma e struttura alla pratica poetica novariniana.

Rilevo anche che, non raramente, i momenti di intimità lirica come questo (tra gli altri, si può pensare specialmente a Forse un giorno,in Radiazione del rosso, 2017⁴) comportano la comparsa della prima persona – anche se l’altra persona (qui: la novella Pirra) resta sullo sfondo quasi inavvicinabile: quasi terza persona. Tornerò su questi motivi.

Per allineare due degli ambiti affrontati corsivamente – cioè da una parte la continuità e dall’altra, in subordine, la questione della forma, di cui si parlerà qui in senso proprio – è utile ricordare quanto Enrica Salvaneschi ha scritto di un componimento ancora incluso in Radiazione del rosso. Mi riferisco a La balaustra sullo spazio, «nella cui, pur liberissima, forma chiusa ogni lettore può constatare un esempio (o meglio, exemplum) della “danza in catente” di nietzscheana memoria»⁵. Riporto la prima e l’ultima strofa della poesia, per chiarire di che si parla:

Ormai spenta la fiamma dell’arroventata sfera,

al di sopra dei tetti, in una limpida sera

nel cuore dell’estate campeggia un quarto di luna;

s’infittisce il silenzio e l’aria diventa bruna.

[…]

e un’alta balaustra nella notte verticale

punteggiata di stelle nitidamente è protesa,

come su una voragine, sull’infinita distesa

dello sterminato luminoso blu siderale.

(La balaustra sullo spazio, vv. 1-4; 29-32)

Quello che l’autore ha definito, oralmente, «uno schema tendenziale ma non perfettamente rigoroso» consiste nell’adozione di versi lunghi per cui la cesura cade sempre dopo il settenario – o talvolta, altrove, l’ottonario; indipendentemente dalla composizione interna del verso, in ogni quartina la rima finale (per cui lo schema è di volta in volta variabile) è sempre perfetta. L’ultimo verso della poesia, come si vede, scompagina deliberatamente il quadro di iterazione accentuale e la relativa cesura, pur rispettando la misura fondamentale di quindici sillabe e – appunto – la rima.

Queste ultime considerazioni immettono direttamente alla discussione del sonetto. Ha un valore patente il fatto che l’autore, interrogato sulle ragioni dell’adozione di questa forma chiusa tout court, abbia citato a titolo di esempio – in primis – la rima sdrucciola complice : triplice; rima che, per quanto storicamente ammessa, rimane imperfetta.

Novarini spiega che la poesia fa sintesi e organizza due versioni anteriori («quasi due testi distinti») confluite in uno sia per affinità tematica, sia per l’evidenza di alcune rime spontanee (come quella citata) che al di fuori della forma non risultavano in posizione enfatica.

Se – sostiene l’autore – le rime possono individuarsi spontaneamente, per via inconscia, la coazione del materiale libero ha indotto rime e aperture tematiche che, senza i limiti tradizionali, non sarebbero sussistite. Due strategie a capo della chiusura, quindi: (1) la valorizzazione della rima già spontaneamente acquisita; (2) il lasciarsi guidare dalla forma a posizioni non propriamente previste precedentemente.

In questo senso, «la poesia si autogenera»⁶. Se è consentita l’analogia, sembra quasi che Novarini abbia posto un’ideale cristallizzazione a reagire chimicamente con una materia mobile: se non fosse, però, che alcuni residui di quella mobilità sono effettivamente presenti, o anzi potrebbero essere stati indotti proprio dal tentativo di arginare la materia in un equilibrio formale. Mi riferisco al fatto che il sonetto presenta dei concreti spazi di eversione, tali da non rispettare un’attesa fondata sulla necessità di forma del tutto avvertibile nel testo – e appena confermata dalle parole del poeta (è dunque una ‘frustrata’ attesa jakobsoniana). Così, sono imperfette le rime rorida : morbida; complice : triplice (vv. 2, 3; 5, 8). Non sono propriamente canonici, da un punto di vista accentuale, il quarto e l’ultimo endecasillabo. E l’ultima quartina non è organizzata dalla punteggiatura, se non per il punto finale.

Si parlava all’inizio di un certo posizionamento mediano a fronte di opposte tensioni speculative – sub specie ontologica. Ecco, questi fenomeni microformali (e questa è la ragione per cui se ne parla) dimostrano quanto la dinamica della scrittura si organizzi correlativamente alla ricerca – di volta in volta – di una posizione in grado di dialettizzare tensioni opposte: qui, quelle all’adesione e all’eversione alla tradizione. Anche in questo caso – nel caso di un sonetto – si può dunque parlare di una se non liberissima, almeno libera forma chiusa: per cui il trattamento delle rime risulta paradossalmente più libero che nella Balaustra sullo spazio.

L’esigenza strutturale della reductio ad unum (o ad medium) trova un sigillo non solo dal punto di vista più propriamente processuale – per cui, a capo del duplice obiettivo di valorizzare le rime preesistenti e di trovarne nuove, resta in questo caso la necessità di fare sintesi di due corpi testuali anteriori e orbitanti intorno a un centro da individuare (tra eversione e adesione). Va anche considerata, infatti, l’evocata dimensione tematica, che non può essere scissa dal trattamento sintattico del componimento: questo comporta una protensione ridotta a inerzia solo dalla fortissima cesura al sesto verso (semanticamente più rilevante di quella al decimo) in cui lo scarto di pensiero è marcato dall’avversativa e divide l’ambito del presente usuale dal movimento verso il passato. A questo punto, le epifanie memoriali conducono all’elaborazione rievocante di una teoria minima di gesti d’amore (e dell’oggetto d’amore): ma tali gesti assumono consistenza in virtù della dialettica implicita – e chiarita dal titolo – tra la memoria del quotidiano e la memoria colta. Senza l’avantesto latino (Hor. carm. 5, 1), e cioè l’associazione tra la donna e la Pirra oraziana, probabilmente, il testo non sarebbe stato possibile in questi termini: sia perché la memoria classica plasma il presente, cioè ne condiziona l’interpretazione; sia perché l’approfondimento o lo sdoppiamento dell’istanza passata (appunto: quotidiana e letteraria) sembra non consentire una piena adesione al presente. L’ultima strofa, dopo l’ulteriore scarto sintattico e nel segno dell’ossimoro finale, configura infatti un hic et nunc in cui l’orizzonte di «senso» (v. 12) si presenta alla memoria come dimidiato, cioè latore di una sofferenza sinteticamente e sinesteticamente integrata alla «felicità» (v. 14).

Il sonetto gioca, riassumendo, su movimenti binari e antitetici: il passato consustanziale al presente; i movimenti opposti agli arresti sintattici; l’adesione e l’evasione; il perturbamento e la forma, integrati a loro volta in una forma del perturbamento – o di una Unheimlichkeit (se si pensa a una famosa traduzione). Si verifica, in corso, il cristallizzarsi della mobilità incistata nell’unità.

***

Richiamando l’analogia minerale (di cui sopra), è possibile concepire il Risveglio dell’amante come uno scheletro chimico perfetto, disordinato da dentro. Ora, durante il dialogo presupposto a questa nota, Novarini ha ritenuto curioso che tale affinità – da me individuata, in primis, proprio in quella sede ermeneutica – rimandasse non tanto all’assetto formale, quanto al centro tematico di una poesia inedita, letta al Forum Anterem il 16 marzo 2019 (a conclusione, presso la Biblioteca Civica di Verona, della trentaduesima edizione del “Montano”). Viene pubblicata adesso per la prima volta. L’analogia minerale, qui, si sviluppa con la vita in atto, che seguirebbe una via innata – fisiologica, potenziale – se non contemplasse vari fattori di perturbazione. Come per il quarzo, la forma intrinseca non è comunque tradibile:

Quarzo

 

Il fitto reticolo cristallino

che in uno spazio vuoto

allo zero assoluto

per nodi e filari senza difetto

 

realizzerebbe l’abito ialino

della molecolare

sequenza regolare

inscritta nel suo limpido progetto

 

inconoscibile

perfetto…

ma sono tutt’altro che rari,

anzi la norma,

termodinamici

meccanici accidenti,

e allora si adegua, si deforma

e conforma

in più o meno

irregolari imprevedibili

strutture improbabili,

che pure non rinnegano

l’esagonale prismatica

glaciale trasparenza,

 

come molto assomiglia,

nel segno dell’imperfezione,

la duttile provvisoria

pluricellulare concrezione

del nostro vivente peregrinare

nel tempo e nello spazio

al suo inflessibile reticolare

minerale destino…

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1 Ro Ferrarese, Book Editore.

Mario Famularo su Mario Novarini

Un testo che ha l’aspetto esteriore del sonetto, quello di Mario Novarini, che non si traduce però in un ozioso esercizio di stile, come è possibile notare dalla scelta opportuna di preferire le assonanze alle rime in più di un’occasione, o un’accentuazione non canonica in diversi endecasillabi, che consentono un andamento meno cantilenato.

L’utilizzo dell’inarcatura, infine, realizza una dinamica dei versi caratterizzata da un andamento ondulatorio e non monocorde.

Le immagini, richiamando diversi topoi di tradizione classica, con una preferenza verso l’iperaggettivazione (“fresca rorida / bianca rosa carnosa”, ad esempio, oppone ben quattro aggettivi ad un sostantivo), sembrano ricordare l’opera di certi versi di Squarotti, dove un ritratto idealizzante femminile, partendo da dettagli minimi e preziosi, diventa possibilità di accesso alla grazia (“ore vuote hanno senso d’improvviso / in luogo del grigiore ora dissolto”), restituendo all’io del testo, che ne è testimone, lo splendore di una “felicità dolorosa”.

Francesco Bellomi, brani originali per i vincitori 2020: Federico Federici, Angela Passarello, Anna Chiara Peduzzi, Italo Testa

L’arte compositiva di Francesco Bellomi approfondisce sempre più le opere. Sempre più rappresenta un’altra prospettiva del testo…

 

 

Tiziana Gabrielli e Sofia Demetrula Rosati sulla poesia inedita “L’intero della neve” di Federico Federici

La luce dell’origine precede l’epifania dell’intero. L’intero è la neve, “un impasto d’ordine e materia” sui sette profili alpini di Narbona. La neve, nell’opera di Federici, si fa partitura di una sinfonia naturale mitica e fiabesca, contraddistinta da un respiro panico, orfico. Logico e stoico. “Il vero è l’intero”, scrive Hegel, e la neve assurge, in questo testo, ad archetipo di una verità che diviene trapassando in cui natura e spirito seguono un codice geometrico ed etico d’ispirazione spinoziana.

Il bosco è il centro di un mistero segreto e vibrante che sospende le voci, i suoni, ed interroga persino il cuore degli animali, rinserrati nelle tane ed assetati, mentre la “neve cade a caso / sul paesaggio già innevato” e copre “torsoli di mela”, “bacche e tronchi rosicchiati, / biancastre piaghe di licheni / sui rami snervati, nòccioli/ e gemme succhiati dai caprioli”.

Nei suoi giri in aria, la neve riequilibra i pesi nella “metrica del contatto” con i corpi, e “sull’ardesia fa / fiorire il ghiaccio” nel bianco che è il nome del “bosco intero e per metà”. Neve che “è luce e per metà silenzio”. Tiziana Gabrielli

 

È come poggiare lo sguardo su di una stampa di Utagawa Hiroshige, l’intima lettura a cui induce Federico Federici, con la sua poesia. L’intero della neve.
Un unico impasto d’ordine e materia pesa sull’indivisibile. Passo dopo passo, nell’osservazione di ciò che accade ad un bosco spinto dal centro di un seme, il creato anticipa l’intenzione del creatore. Si ode un premere della luce, della venazione che incurva l’universo e che dispone gli esili nervi della galaverna.

Tutto è movimento nell’inerzia del fine dello spazio: corpuscoli, scaglie, spore, polveri. Cervi e lupi che si rincorrono annusando. Cuori rintanati nell’attesa. E se il disegno è l’ordine dell’universo, la neve dispone una sua geometria reinventando, strato su strato, il paesaggio. Stabilendo la metrica del contatto che esalta i contorni, divide le forme, impone il bianco allo sguardo di ogni bestia. L’archetipico sguardo capace di separare la luce dal silenzio. L’intero, dalla neve.  Sofia Demetrula Rosati

Federico Federici, “L’intero della neve” (7 profili innevati da Narbona)

Mara Cini sulla prosa inedita “Oiseau di Hanoi” di Angela Passarello

Le note biografiche dell’autrice dicono che Angela Passarello è artista visiva e poeta e che molto ha prodotto scrivendo, dipingendo, lavorando la creta, testimoniando con il suo lavoro un impegno di viva partecipazione agli accadimenti “del mondo”, siano essi eventi quotidiani, memorie, figure naturali o brevi illuminazioni fantastiche.

E certo occorre dare uno sguardo ai suoi lavori per dire qualcosa che inquadri la brevissima prosa vincitrice del “Montano 2020”, Oiseau di Hanoi.

Non sappiamo se questa “descrizione” ripercorra un’esperienza diretta relativa alla tradizione orientale des oiseaux chanteurs, ma sappiamo che il ricco mondo immaginativo di Passarello presta costante attenzione alle tracce di tutti gli “esseri viventi”. Vediamo infatti che nel testo tutto si anima, da foglia a farfalla, da frammento geometrico a cosa con le ali, da forma bidimensionale a entità viva, messaggera di un risveglio.

Le cose hanno un nome. I nomi hanno una luce. La luce ha un respiro che dà vita ai “corpi”, in uno scambio costante tra i generi.

Con grande cautela l’autrice percorre le sagome visive che si presentano allo sguardo, esita a nominarle in modo definitivo. Conosce la sorpresa e la volatilità dell’apparenza. Infatti, cosa possiamo trattenere noi dell’accadere? Talvolta solo sembianze di piccolo oiseau.

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Angela Passarello è nata ad Agrigento. Vive e lavora a Milano.

E' stata cofondatrice della rivista “Il Monte Analogo”.

Ha collaborato con la rivista “La Mosca” di Milano.

Ha pubblicato la raccolta di racconti Asina Pazza ed Greco @ Greco.1997

La raccolta di poesie La Carne dell'Angelo ed.Joker

Le prose poetiche Ananta delle voci bianche ed. I Quaderni di Correnti.2008

Piano Argento ed. del verri 2014, Bestie sulla scena ed. del verri 2018.

Suoi testi sono presenti in diverse antologie.

Angela Passarello, “Oiseau di Hanoi”

La strana figura se ne stava immobile, come di cosa inanimata, somigliante a una foglia autunnale spezzata . Avrebbe potuto essere, o, forse, lo era, farfalla diurna, in preghiera, davanti all'ingresso di Bach Ma, l'antico tempio buddista. Pareva da sempre cosa, incollata nell'aria, vicina ai numerosi sandali, lasciati davanti all'ingresso dai visitatori. Non dava cenni di respiro, di cosa viva. Nessun rumore o sussurro avrebbe potuto destarla dalla sua fissità. Presenza priva di peso, quasi inesistente. Forma bidimensionale, diventata qualcosa nello sguardo di chi l'aveva intravista ,e, poi, scansata. Appariva fragile nella sua immobilità. Effimera, innominabile, messaggera di un risveglio, o, forse, parte sottile di materia non rivelata. Vivente lo era, di vedente non possedeva sguardo; senziente si sospettava lo fosse, lo si intuiva dal suo impercettibile movimento. Sarebbe ritornata nella luce profonda del buio, e, nell'attesa, l'immobilità le avrebbe conferito una possibilità d'esistenza. Era soltanto cosa senza sguardo, visibile a chi aveva avuto sentore della morte, delle trasmigrazioni, delle comparse apparenti. Nel mutamento era diventata atto di un' inclinazione terrestre che, comprendendola nella gravità, la rendeva partecipe di un'illusione assiale. Cosa l'aveva condotta al tempio? Forse era un segno dell'eternità, racchiuso in un frammento geometrico, caduto per volere dei fluttuanti cosmici. Diventata cosa di passaggio, nell'incontro dei corpi vaganti nell' immemoria. Improvvisamente si è aperta.

Entità magnificata dal luogo. Vola lungo la proiezione di luce. Scompare. Era stata cosa con le ali. Nella visione guardata. Non vista. Effimera dello spazio. Invisibile a se stessa. Esistita nell'attimo. Luce senza nome. Impossibilitata ad essere ancora cosa . Presenza dell'invalicabile. Davanti all'altare, appare per scomparire. Riappare in sembianze di piccolo volatile. Saltella seguendo i segni, percorre le icone, gli altari, le candele tra i budda. Un' illusione la invola. Oiseau. Petit oiseau saltellante nel tempio di Bach Ma.

Riappare. Vola. Scompare. Bird. Oiseau di Hanoi.

 

Antonio Devicienti e Carlo Ragliani su “Figure semplici” di Anna Chiara Peduzzi

www.anteremedizioni.it/nuovi_libri_figure_semplici_di_anna_chiara_peduzzi

www.anteremedizioni.it/anna_chiara_peduzzi

Laura Caccia su “L’indifferenza naturale”, Marcos y Marcos 2018, di Italo Testa

Il canto del disamore

Cosa rende il sentire, che attraversa L’indifferenza naturale di Italo Testa, così simile e nello stesso tempo così diverso dai lavori poetici e filosofici che sul tema dell’incuranza della natura hanno attraversato i secoli, da oriente a occidente? E quale indifferenza mettono a nudo i versi? I punti di vista che la declinano appaiono complessi, molteplici. A partire da un sentire soggettivo, che del tutto percepisce l’impermanere, tra precarietà, abbandoni e distacchi. E nel delineare, al suo opposto, una visione oggettiva della natura, colta nel ritmo ignoto del suo accadere, nella «vita che anonima fermenta». Per lasciare soprattutto emergere, dal loro incrocio, un pensiero che con il reale intreccia una relazione dinamica. Nei confronti di una natura da cui si è catturati e a cui ci si abbandona e che, nello stesso tempo, si concorre a determinare, quando «lo sguardo è lenta costruzione» e «la mente rumina le cose / le afferma nella sottrazione». Lo stesso sguardo che, insieme alla luce, concorre alla visione dei colori delle cose. La stessa luce chiara o rarefatta, cupa o sospesa che colma i versi, che perturba col suo nitore, che quando «ti ferisce è anche gioia».

Una luce che divarica i contrari. Quei contrari, insiti nell’in-differenza, che i versi lasciano fluire tra costruzione e abbandono, pienezza e sottrazione, storicità e anonimia, amore e disamore, presenza e assenza. Un’assenza, di cui tutto «immobilmente splende», a chiusura della raccolta, dopo che la mente ha completato la sua opera di sottrazione. Non prima però di aver attraversato le sue antinomie e, tra queste, due elementi naturali che si fanno emblemi. La barena, terreno lagunare sovrastato periodicamente dalle maree, che richiama le immagini del sommerso: l’occulto, l’assenza di forza vitale, la putredine, la decomposizione. E l’alianto, l’albero del cielo dalla crescita invasiva nelle aree incolte, che, al contrario, muove le visioni dell’emerso: il radicamento, la forza vitale, l’agguato, la ridondanza. In una natura oscillante nei suoi riflessi e rispecchiamenti, in cui la visione e il paesaggio, il sentire e il visibile mutano reciprocamente e gli opposti perdono i loro confini. Nella sospensione indefinita, spossata e sensuale, a cui ci si affida.

Da qui ci parla Italo Testa: «da questa indifferenza / che nel torpore consuma le cose». La parola, che si abbandona ad essa, trasforma la natura, ne fa continua metamorfosi. Come lo sguardo costruisce, mentre lo avvicina, l’oggetto della sua visione, la parola dà forma, andandovi incontro, al corpo del suo dire. Con una lingua di luce e insieme di marea. Entrambe altalenanti tra attrazione e noncuranza, perturbanza e distacco. Un’oscillazione che l’endecasillabo e il distico evidenziano. Nell’altalenìo del costruire e del sottrarre, dell’emerso e del sommerso, della meraviglia e del dolore. Dove lo sguardo disegna il suo oggetto, ma ne viene a sua volta definito. E la natura trova un ruolo attivo, non solo nell’artigliare le sue prede, ma anche nel farsi argine al disamore. E nel sollecitare, rispetto ad esso, la visione e la parola. Restituendo uno sguardo e una voce all’incuranza sottesa a tutta la raccolta: l’indifferenza umana. Colta anche nell’affiorare dei paesaggi urbani, dove il «carico d’angoscia risale il cavalcavia tra i tir incolonnati» e «l’anima è un biancore imbevuto di neon e aree industriali». Paesaggi dell’umano che si riflettono nelle acque di barena o vengono avviluppati dall’alianto. Metafore, entrambi, anche delle decomposizioni e del degrado contemporaneo. E possibilità, insieme, di rispecchiamento per la poesia. Ed è così che «la vita che punge», può riconoscere alla fine l’autore, «gli occhi mi ha aperto al canto / di tutto quello che non ho amato». Ed è così che il disamore si lascia invadere dalla luce. E dall’indifferenza fa germogliare la parola.

 

Da: BARENA

lo sguardo è lenta costruzione

brivida e traluce dai rami,

la lamina tenera del cuore

riveste il pensiero e l’azione.

il giorno è muta esposizione

alle intemperie e alla luce,

la mente rumina le cose

le afferma nella sottrazione.

 

codice stradale

ma il salice piegato a difesa dei container non ha istruito il giorno il suo carico d’angoscia risale il cavalcavia tra i tir incolonnati non conosce quest’attesa a corsie alternate se l’anima è un biancore imbevuto di neon e aree industriali rattrappite nella nebbia qui è sempre linea continua qui solo gli aironi possono testimoniare ogni sorpasso qui ruotare il becco a presidio della strada qui squalificare gli astanti il guardrail sfondato.

 

Pastura

folaghe e acqua, medaglie nel cielo,

lo stagno si oscura se chiudo gli occhi:

 

imbiancate dalla lana dei pioppi

le auto ondeggiano nella luce chiara:

 

la vita che ignota fermenta dai fossi

in un’onda di calore svapora:

 

gettato come pastura ai pesci

il sonno ci avvolge e impasta la bocca:

 

muti boccheggiamo alla rinfusa

come anguille nel fitto di una chiusa.

 

la lenza

 

Da: LA PREDA

 

guarda su di un’acqua ferma lo svolio

di uno stormo di rondini

il guizzo delle piume in controluce

guarda e con la mente nuda

senza più un pensiero pensa

 

a questo candore lucente

in cui mi incido

a questo splendore

a cui m’affido

 

ma mutando d’un colpo la rotta

lo stormo assorbito nell’ombra

ormai si confonde

con la superficie opaca

sul manto ferroso del lago

la luce d’un colpo dilegua

 

a questo splendore muto

che m’allontana

a questo terrore

che mi richiama

 

***

nient’altro che la luce sul muro bianco

in alto, e un’aria come di resa e congedo:

niente a che vedere con la furia del buio

e l’incongruità di una sedia sospesa

sopra un palo infiammato al tramonto:

e tu sei lì, a poco a poco ti cancelli

dal registro delle cose animate

a favore delle nuvole turchesi

di un faro insocievole nella luce verde,

a favore di niente che t’appartenga

che testimoni che siamo stati attesi:

così aspetti, e come stanno le cose

è questione che solo il vento dirime

quando cade e lascia udire sull’acqua

il colpo d’ala d’un gabbiano in picchiata,

il guizzo di terrore di una preda

uncinata dall’artiglio della vita.

 

Da: L’IMPERMANENTE

 

chi ha scoperto il disamore

e ha guardato nella pioggia

un acero, il globo acceso

nell’arancio autunnale,

 

chi sa di non aver amato

fuori espone il suo dolore

sui tuberi nel vaso

tra i bossi sul balcone,

 

ora che il verde lo ha invaso

all’inguine sente una fitta,

la lingua come una foglia

gocciola nella sua bocca.

***

ma la luce non avrei visto

se non avessi bruciato le carte

un giorno, uscendo per strada

ho sentito di essere nudo.

 

ma la folgore non mi ha colpito

ho continuato a camminare in silenzio

sulla piazza, già sterminata

al primo sguardo sarei caduto.

 

e la vita che punge nel vento

scorticandomi vi ha vendicato

quando gli occhi mi ha aperto al canto

di tutto quello che non ho amato.

***

l’impermanente, il filo che si perde,

l’ansia, la bava che cola alla bocca,

l’inapparente, l’acqua sulle foglie,

la trafittura che più non ci tocca;

era questo, e non è più nominabile,

iridescente, il manto d’apparenza:

la ghirlanda stesa, sul cuore immobile,

immobilmente splende dell’assenza.

 

---

Italo Testa (Castell’Arquato, 1972) vive a Milano. È cresciuto nella provincia emiliana, ha passato molti anni a Venezia e fatto studi nomadi tra Francoforte, Berlino, Parigi e Marsiglia. Tra i suoi libri di poesia: Tutto accade ovunque (Aragno, 2016), i camminatori (premio Ciampi – Valigie Rosse, 2013), La divisione della gioia (Transeuropa, 2010), Luce d’ailanto (in Poesia contemporanea. Decimo quaderno italiano, Marcos y Marcos, 2010) canti ostili (LietoColle, 2007), Biometrie (Manni, 2005), Gli aspri inganni (LietoColle, 2004). Dirige la rivista «L’Ulisse», è resident DJ su «Le parole e le cose» e collabora con altri litblog. Pubblica la rivista/poster «2x2» in collaborazione con l’Otis College di Los Angeles e l’ArtCenter College of Design di Pasadena, e cura per l’Accademia di Brera la collana di multipli non_identità e il laboratorio da>verso: transizioni arte-poesia. Saggista e traduttore, insegna filosofia teoretica all’Università di Parma.

Francesco Bellomi e Laura Caccia su “Quinta dimensione - Poesie scelte 1958-2018”, Mondadori 2018, di Corrado Calabrò

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Varcare la porta

Con l’opera antologica Quinta dimensione Corrado Calabrò presenta poesie scelte del periodo 1958-2018. Aggregate per nuclei tematici, tra due cornici di riflessione: all’inizio la nota che accompagna il poema ‘Roaming’, alla fine il saggio ‘C’è ancora spazio, c’è ancora senso per la poesia, oggi?’. Permettendo così una visione completa della poetica dell’autore e del suo pensiero sulla stessa. Una poetica che appare da sempre tesa a varcare soglie. Attraverso i passaggi che i titoli delle sezioni, alcuni già titoli di opere precedenti, e le poesie di una vita evidenziano. Nella realtà più composita come nel sentire interiore. Nella memoria personale come nella tensione civile. Nei mascheramenti di un autoritratto come nel sogno. Negli spazi siderali come nel tempo sincronico. Facendo varcare così, alla poesia, porte che aprono mondi diversi.

 

La quinta dimensione declinata dall’autore suggerisce infatti diverse direzioni di senso. Dilatandosi tra l’invisibilità dello spaziotempo pentadimensionale, come le teorie astrofisiche delineano nell’incrocio dei campi gravitazionale ed elettromagnetico, e il sommerso della psiche, nell’ardere magmatico del desiderio. Una dimensione che appare di natura poetica e che consente l’accesso ad universi ulteriori, nel pensiero e nel sentire. Come evidenzia la poesia che dà titolo alla raccolta, a partire dal cosmo, dall’altrove e dal fuoco interiore per concludersi nell’inconscio, dopo aver espresso la necessità, per l’amore, di inoltrarsi «a ritroso, contro senso, / nel vuoto di memoria del futuro. // Bisogna oltrepassare, come Alice, / la lastra riflettente di cristallo / e senza aprirla varcare la porta / per cui s’accede alla quinta dimensione».

Nei suoi versi Corrado Calabrò tiene poeticamente uniti la scienza e la parola, la realtà e il desiderio. Il mare si dilata ovunque, ma più del mare il sentire interiore del mare. Così l’amore, più di quello visibile e concreto quanto di esso si infuoca nell’inconscio. Così la verità, che si occulta in una dimensione nascosta «come un sasso nell’acqua». Occorre allora varcare la porta. Accettare il rischio che il desiderio, l’amore e la ricerca del vero comportano. Tra la sfida e il mistero. Pur nell’inconcludenza della ricerca, nell’impossibilità di comprendere il cosmo, come di padroneggiare il tempo. Le citazioni, tra le tante presenti, scelte per ‘Roaming’, in esergo di Senofonte e T.S.Eliot e in chiusura di S.Weinberg, ne confermano le difficoltà e l’ampiezza. Varcare la porta, ci mostra questa poetica, spalanca mondi. Aperture critiche, per il pensiero. E la bellezza, per la parola.

 

Da: Autoritratto? Certo, ma è il mio?

 

LO STESSO RISCHIO

 

Razionalmente, certo, il mare è un rischio;

ma io non l’ho mai sentito come tale.

 

il mare va preso come viene

così, con la sua stessa inconcludenza:

portando verso il petto, a ogni bracciata,

un’onda lieve che non si trattiene.

 

Non c’è altro senso nel tendere al largo,

dove l’acqua è mielata dal tramonto,

se non di tenere la cadenza

fino a quando stramazzano le braccia

e spegnere nel mare il desiderio

di raggiungere a nuoto la soglia

che segna il limitare a un nuovo giorno.

 

Se allora ci si gira sopra il dorso,

come pescispada dissanguati,

agli occhi gonfi d’acqua e indeboliti

spalanca il cielo la sua occhiaia vuota:

ma il corpo sta sospeso in un’amaca

che lo sorregge come si è riamati

nell’età antecedente la ragione.

Passata quell’età, l’amore è un rischio,

infido quanto più ne ragioniamo.

 

Al mare si va incontro come viene,

in un’illimitata inconcludenza,

sentendosi lambire a ogni bracciata

da una carezza che non si trattiene.

 

È una scommessa tutta da giocare

fino alla sua estrema inconseguenza.

La cosa più penosa è far le mosse

sulla battigia, invece di nuotare.

 

(1981)

 

Da: Presente anteriore

 

QUINTA DIMENSIONE

 

Stelle grosse come tordi,

appollaiate sui Peloritani,

da prendere nel cavo della mano

dentro la notte, nera e trasparente

quasi quanto le notti del Sahara.

 

Credevo, inseguendoti, d’amarti

e ero solo un turista dell’amore.

Per tutto questo tempo t’ho cercata

- chi sa perché -

come un bambino, altrove.

 

Rode come la brace

la calce viva che mi porto dentro

e che, per sopravvivere, divora

le cellule nervose in cui è incarnato

il segno a fuoco della tua presenza.

 

S’è fatto indistinguibile il divario

tra di essa e l’immagine riflessa,

che s’allunga all’indietro nello specchio

via via che si consuma la candela.

 

Unica chance, se ti voglio seguire,

è inoltrarmi a ritroso, contro senso,

nel vuoto di memoria del futuro.

 

Bisogna oltrepassare, come Alice,

la lastra riflettente di cristallo

e senza aprirla varcare la porta

per cui s’accede alla quinta dimensione.

 

Forse da dentro mi aspetti a quel varco:

recessivi

sugli estremi planari dell’inconscio,

come la sorte s’aprono i tuoi occhi.

 

(1984)

 

IL SASSO NELL’ACQUA

 

Eh, la verità… Tu credi?

 

Secondo me

la verità gioca con un gatto

come una pallina

in sospensione in una boccia d’acqua.

 

Ci vuoi provare? Vedi questo ciottolo?

Lancialo così, a paragone.

 

Ecco, la verità

è come un sasso nell’acqua.

 

Ne puoi scorgere i cerchi in superficie

ma se lo segui con lo sguardo al fondo

non si distingue in mezzo agli altri ciottoli.

 

(1992)

 

Da: Ancora telestupefatti

 

FUORI ORARIO

 

Sono chiusi il portone sulla piazza

e quello secondario lato mare

nella cattedrale del silenzio.

 

Non suonano da tempo le campane

l’Ave Maria

nel villaggio globale.

 

Torpido e dolce il sole si dilunga

sul mare e fa le fusa

nella grande vetrata laterale.

 

(2009)

 

 

---

Corrado Calabrò è nato a Reggio Calabria, sulla riva del mare.

Il primo volume di poesie, scritto tra i diciotto e i vent’anni, venne pubblicato nel 1960 dall’editore Guanda di Parma col titolo Prima attesa.

Sono venuti poi altri ventitré volumi, tra cui: Agavi in fiore (1976), ed. SEN; Vuoto d’aria (1979 e 1980), ed. Guanda; Presente anteriore (1981) ed. V.Scheiwiller; Mittente sconosciuta (1984) ed. F.M.Ricci; Rosso d'Alicudi, pubblicato nel 1992 da Mondadori, raccolta completa (all’epoca); Lo stesso rischio (2000), ed. Crocetti; Le ancore infeconde (2001), ed. Pagine.

Nel 2002 ancora Mondadori ha pubblicato una vasta raccolta dell’ultraquarantennale produzione in un Oscar dal titolo Una vita per il suo verso. Del 2004 è la raccolta Poesie d’amore, edita da Newton&Compton. Nel 2009 sono uscire due importanti raccolte: La stella promessa, nella collezione “Lo Specchio” di Mondatori; T'amo di due amori, raccolta tematica delle poesie d’amore, Ed. Vallardi.

Recenti edizioni italiane sono: Dimmelo per SMS (2011), Ed.Vallardi; Rispondimi per SMS (2013), ed. Vallardi; Mi manca il mare (2013), Genesi Editrice; Stanotte metti gli occhiali da luna(2015), Genesi Editrice; Mare di luna (2016), Il Convivio Editore.

L’ultima pubblicazione in Italia è Quinta Dimensione, Oscar Mondadori 2018, che è la sua più completa opera poetica.

Sono più di trenta le edizioni straniere delle sue opere in venti lingue, oltre le traduzioni di poesie singole. Delle sue poesie sono in circolazione vari CD con le voci di Achille Millo, Riccardo Cucciolla, Giancarlo Giannini, Walter Maestosi, Paola Pitagora, Alberto Rossatti, Daniela Barra. Numerose sono le trasposizioni teatrali e musicali dei suoi versi, di cui una in musica sinfonica, con recital in una trentina di città, anche all’estero.

Ha pubblicato anche alcuni saggi critici, tra cui: Per la sopravvivenza della poesia uccidiamo i poeti, “Poesia” Crocetti, n.143, ottobre 2000; Il poeta alla griglia, “L’illuminista”, dicembre 2003; Rappresentazione e realtà, Nuovi Argomenti, aprile/giugno 2011. Ed è autore di un romanzo, Ricorda di dimenticarla (Newton & Compton, 1999), finalista al premio Strega del 1999, tradotto in rumeno e in spagnolo.

Numerosi i premi letterari e i riconoscimenti ricevuti per la sua attività letteraria, tra cui le lauree honoris causa da parte dell'università Mechnikov di Odessa, nel 1997, dell'università Vest Din di Timişoara nel 2000 e del l'università statale di Mariupol nel 2015. Nel 2016 l'università Lusófona di Lisbona gli ha attribuito il Riconoscimento Damião de Góis. Nel luglio 2018 l’Unione Astronomica Internazionale, su proposta dell’Accademia delle Scienze di Kiev, ha dato all’ultimo asteroide scoperto il nome Corrado Calabrò per avere rigenerato la poesia aprendola, come in sogno, alla scienza.

Francesco Bellomi e Laura Caccia su “E non si sa a chi chiedere”, Marcos y Marcos 2020, di Anna Maria Carpi

 

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In cosa credere

C’è qualcosa che resiste nelle interrogazioni di Anna Maria Carpi nell’opera E non si sa a chi chiedere. Così come nelle invocazioni che alzano l’intensità di una scrittura meditativa, pervasa dal senso di impermanenza di tutte le cose e dall’inconsistenza dei riscontri umani. Attraversata dal disagio di fronte alle alienazioni del contemporaneo e alla generale mancanza di umanità. Fino alla difficoltà del chiedere ascolto: «Ma oggi chi sopporta questa piena / da uno solo, da un singolo? / Dov’è più il diritto di dire ascoltami?». Insieme all’amaro riscontro, sia individuale che sociale, per quanto riguarda l’assenza di interlocutori: «Dicono che si scrive per guarire. / Da che dolore? Non c’è più dolore, / solo incertezze / e non si sa a chi chiedere».

Allora a chi si rivolge, nonostante tutto, la poesia? E «perché ci esalta / perché ci dà speranza / questo modo d’esprimerci traslato»? Nell’assenza di fiducia e nella mancanza di ascolto, gli interlocutori privilegiati restano i poeti amati. E, nonostante le disillusioni, rimane ad interloquire proprio la parola poetica con il suo sguardo rivolto agli altri. In questi versi umanissimi, dalla riflessione profonda sul senso della vita, anche quando prevale lo sconforto resiste un’autentica vicinanza. Nell’attenzione ai vinti, ai rifugiati, ai dispersi, condividendone lo stato di erranza e il dolente percepirsi: «we lost in All, noi perduti nel tutto».

E resiste «l’ossessione di scrivere. / Poesia? No, in cima c’è il romanzo: / quella prosa slabbrata ci descrive», scrive l’autrice, riponendo fiducia sulla possibilità della parola di delineare il sentire degli umani. Attraverso una prosa che, lacerata, riesca a tracciarne gli slabbramenti, rispecchiandoli nel proprio sguardo. Mentre la poesia pare necessitare di un confronto diretto con l’alterità, l’Altro-l’altro-gli altri. Con interlocutori imprescindibili, fossero anche lontani, assenti, non contemporanei. Se non ha interlocutori, la poesia come fa, come può? Da qui l’interrogazione: «poesia, sorella pazza / della prosa, / ancora, ancora, che ci stai a fare?». Tutt’altro che un abbandono del campo poetico, però, quello di Anna Maria Carpi. Che, nonostante i dubbi e i disincanti, riesce a trattenere l’incanto della parola. E, insieme, l’umanità del suo sentire. E una scrittura etica che non conosce resa.

 

Da: GIÀ RISIBILI I NOMI

 

1

 

PRIMAVERA NON SAI chi l’ha chiamata

sulla via fuori

dell’ufficio postale. Tra i semafori

esplodono i ciliegi giapponesi

come sessi di bimbe, rosa vivo.

Dai rari lembi d’erba cittadina

guardano in su delle faccine intente

di margherite e bocche di leone

e spilli azzurri – nontiscordardime,

e sulla piazza Sud

davanti alla stazione

è il trionfo dei grappoli maturi

erti potenti degli ippocastani,

una festa regale, pochi i rossi,

i bianchi abbondano, è il bianco delle nozze,

vergini restano solamente i glicini

all’imbocco del parco, nella via parallela,

e tre strade più in là:

esita il lilla pallido, ha paura

di affacciarsi

nell’assoluto di quel verde verde. 

Non ti fermi a guardare?

Sì ma per qualche istante,

è così bello

che diventa un tormento.

La natura!

Lo so che io non c’entro.

Io non sono natura.

 

 

Da: L’ISOLA 

 

11

 

IL MARE

qui sotto casa: ascolta,

ha come mani e dita,

sembra scartino e incartino – che cosa?

un messaggio, un regalo?

Di tanto in tanto un tonfo ed un singulto

e sullo scoglio l’onda

schiuma e si spande, poi ritorna indietro.

Che ci voleva dire?

Che è per lei la sponda?

Il senso è al largo, e intanto cala il buio,

e verso terra in fretta con un ultimo

volo prima di notte

anche i gabbiani cercano un rifugio.

 

 

Da: I RIFUGIATI

 

16

 

SULLA CITTÀ le stelle non ci sono,

qualche puntino in alto, sopra i tetti,

se stacchi gli occhi è subito scomparso,

ma oggi c’è vento, un annuncio di marzo,

e questa sera splendono dovunque,

guarda lassù, c’è Giove, per esempio.

 

È lo ‘stellato’ che non sa di noi.

“Bello” diciamo, e questa

è la più strana

delle parole umane che ci sia,

nessun altro vivente sa del bello.

 

Ma non è bello: è vero,

vero e deserto,

we lost in All, noi perduti nel tutto.

E i dispersi

sulle spiagge del mondo

quando viene la notte si domandano:

non era meglio

quando vi scorgevamo la dimora di Dio?

 

 

Da: NULLA È COME CREDEVO

 

44

 

POESIA: tu lo sai perché si scrive?

È la mano che interrompe la riga,

per impulso ancestrale e va daccapo?

Anche la mano avverte

che il tempo stringe e che non è più il caso

di farla lunga?

 

Dicono che si scrive per guarire.

Da che dolore? Non c’è più dolore,

solo incertezze

e non si sa a chi chiedere.

 

47

 

SUONA SEMPRE PIÙ STRANA la parola

letteratura, in inglese tre sillabe,

gli urli delle platee vanno alla musica

ma non muoiono i nomi –

i casti nomi saggio poesia romanzo

e mai fra noi fu tale

l’ossessione di scrivere.

Poesia? No, in cima c’è il romanzo:

quella prosa slabbrata ci descrive.

---

Anna Maria Carpi, di famiglia tosco-emiliano-irlandese, vive a Milano. Ha insegnato letteratura tedesca all'Università di Macerata Marche e a Ca'Foscari a Venezia.

E' autrice di saggi, racconti e romanzi (fra cui Vita di Kleist, Mondadori 2005, Rowohlt 2011, e Uomini ultimo atto, 2016) e traduttrice della lirica tedesca (tra cui Nietzsche, Rilke, Benn, Bernhard, Gruenbein), premio Ministero dei beni culturali (2011) e Città di S.Elpidio (2015), premio Carducci (2015). 

Nella  poesia esordisce con A morte Talleyrand (1993, premio Pisa 1993), cui seguono Compagni corpi(2004, ²2005), E  tu fra i due chi sei (2007), L'asso nella neve (2011, 2 edizioni), Quando avrò tempo (2013) e L'animato porto (2016). Da  Hanser (Monaco 2015)  è uscita  l'antologia con testo a fronte Entweder bist du unsterblich e da Marcosymarcos, Milano 2016, il complessivo E io che ancora  parlo.Sue poesie sono apparse su "Oktjabr'  (Mosca,1998), "Akzente"(Monaco 2001 e 2011), e di  recente su "Ulisse", "Nuovi argomenti", "Le parole e le cose".

Francesco Bellomi e Laura Caccia su “Poesie scelte - Selected Poems 1990-2020”, di Marco Fazzini

 

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Nel respiro del dire

In edizione bilingue, la selezione del trentennale percorso poetico di Marco Fazzini, Poesie scelte - Selected Poems 1990-2020, è un’opera ricca di rimandi e di dediche a poeti di lingue diverse. Richiami che, insieme alla traduzione, danno ai testi una connotazione di ampio respiro. Un respiro che già appartiene ai versi, dilatati tra il percepibile e il meditativo, il visibile e l’oltre. Nel movimento che, tra inspirazione ed espirazione, attira il campo vicino e, per contrasto, amplia il campo cosmico. Insieme ad un costante e progressivo allontanarsi da sé. Tanto da condurre alla domanda: «Ma chi è che parla adesso?»

Il connubio immagine-oltre, visibile-invisibile è già individuabile nei titoli interni alla prima sezione: sabbia, barche, ombre, muse. E nel contatto, lungo i versi, tra le percezioni sensoriali e lo sguardo riflessivo del pensiero. Ampliandosi nella seconda sezione, che cavalca la tempesta, dove prevalgono le tensioni emotive, la tristezza, il rimpianto, il disincanto: ed è così che le stelle «illuminano / per pochi istanti / l’oscurità del mondo / Suona sempre la notte / come un guscio vuoto». Per dilatarsi infine nella terza sezione, che musica il canto dell’isola, quando la riflessione si espande fino al respiro del cosmo e al rifranto e contrapposto pensiero del nulla. Tra «sistole e diastole / d’una sfera perfetta / che inala ed esala / l’eterno girovagare / di mille galassie» e il molo «dove si confondono / partenze e ritorni, / e dove tutto torna / in discussione, e nulla esiste».

 

Appare respirare e risuonare di canto, visivo e sonoro, tutta la parola di Marco Fazzini: «Così volevo la poesia: / materia bianca, accarezzata. / Piuma, petalo o carta / al limitare di un’alba». Nello stesso tempo, però, consentendo che la tensione lirica lasci spazio alla sua sospensione. Quando il pensiero crea quel senso di immersione, quasi una lieve apnea, per trattenere la leggerezza verbale nella profondità meditativa e spalancarne poi il respiro alla luce. Sottraendosi in modo fermo all’abbandono puramente lirico, facendolo sgorgare infine inaspettato. E riuscendo così a portare la poesia, senza soluzione di continuità, dall’affondo del pensiero razionale al suo riemergere, fino a guardare il cielo: «Il corpo d’un poema / bilancia a malapena / il carico di vita / all’altro piatto. // Solo l’inganno / dei pesi / pareggia il conto / con le stelle».

 

Da: 1. 24 POESIE / 24 POEMS

 

I

SABBIA

 

Deserto del Namib

 

Non rimane che l’attesa

a ora tarda di barcane

a mezzaluna sopra i rostri

d’un deserto inaspettato.

 

Di null’altro che il ricordo

è la vita un acumine di polveri.

 

III
OMBRE

 

È sullo specchio

(per Seamus Heaney)

 

È sullo specchio speleologico

d’un pozzo che m’affaccio, cercando

un segno del passato

che nel presente porti

luce e strada a futuri eventi.

 

Dal tuffo dentro il tempo strombato

in questa storia d’acque emerge

dunque il reperto favoloso,

onda, amore e sonda d’oltre i sogni,

un’era ormai a riposo.

 

Da qui lontano un bosco,

un volto, una cornice

amplificano l’oscuro enigma

sepolto dentro la pupilla della sera.

 

IV

MUSE

 

Così volevo

 

Così volevo la poesia:

materia bianca, accarezzata.

Piuma, petalo o carta

al limitare di un’alba.

 

In silenzio l’occhio nudo

qui vi splende, si pettina di luce,

perché il desiderio

s’infatui d’orizzonti.

 

 

Bilancia

 

Il corpo d’un poema

bilancia a malapena

il carico di vita

all’altro piatto.

 

Solo l’inganno

dei pesi

pareggia il conto

con le stelle.

 

 

Da: 2. A CAVALLO DELLA TEMPESTA / RIDING THE STORM

 

Suona la notte

 

Suona la notte

come un guscio vuoto,

come l’immensa conchiglia

del mare

che a noi di fronte

ruggisce forte

contro quella spiaggia

abbandonata.

I cani sono

tutti calmi ormai,

dormono forse

nei cortili scuri.

È la notte

di San Lorenzo, e

di certo le stelle

non li svegliano.

Come anime

in rapido passaggio

illuminano

per pochi istanti

l’oscurità del mondo.

Suona sempre la notte

 

 

Da: 3. CANTO DELL’ISOLA / ISLAND CANTO

 

6

 

Tutto questo, forse,

non ha una vera consistenza,

l’oscuro, come i fumi della mia esistenza –

questo m’affanno a drenare, questi grumi

di vita dissipati lungo i lustri

vivi come lampi d’un faro

dentro una memoria dormiente,

una memoria da cui non mi separo,

in nulla, io scrivente,

altro da quella non essendo,

da quella e dai suoi mostri.

---

Marco Fazzini è nato nel 1962 ad Ascoli Piceno. Ha pubblicato diversi libri e articoli sulle letterature postcoloniali di lingua inglese, e ha tradotto alcuni tra i maggiori poeti contemporanei di lingua inglese, tra cui: Douglas Livingstone, Norman MacCaig, Philip Larkin, Hugh MacDiarmid, Douglas Dunn, Geoffrey Hill, Charles Tomlinson, Edwin Morgan. La sua storia della letteratura scozzese, Alba Literaria, è uscita nel 2005. Nel 2012 ha pubblicato un lavoro sulla canzone e la poesia per la libertà: Canto un mondo libero. Le sue maggiori interviste con poeti contemporanei di lingua inglese sono riunite nei volumi: Conversations with Scottish Poets (2015) e The Saying of It (2017).

Le sue maggiori sillogi di poesia sono: Nel vortice (1999); XX poesie (2007); Driftings and Wrecks (2010); 24 Selected Poems (2014); Riding the Storm: Ten New Poems (2016); Canto dell’isola (2020).

Insegna Inglese e letterature postcoloniali presso l’Università di Ca’ Foscari (Venezia), ed è l’ideatore e il direttore artistico del festival di poesia “Poetry Vicenza”. Risiede a Vicenza.

 

Francesco Bellomi e Laura Caccia su “Andare per salti”, Arcipelago Itaca 2017, di Annamaria Ferramosca

 

 Audio mp4

Andare per voce, parola, poesia

Una trilogia, Andare per salti, dell’esistere. In cui Annamaria Ferramosca dispiega, nelle tre sezioni, un muoversi per salti, tumulti, spazi inaccessibili. Quasi in analogia ai moti della fisicità, del sentire e del pensare. Dallo spazio quotidiano allo spazio cosmico, dal visibile al metafisico. Tre modi per percorrere consapevolmente la vita. Per salti: nei balzi repentini tra i contrasti del quotidiano, «dalla giunglamercato» alle pagine «insperate di bellezza». Per tumulti: nel moto emotivo rapinoso, preso dal vortice di una «danzaturbine», come «osmosi in terra / inarrestabile destinoamore». Per spazi inaccessibili: nello slancio del pensiero in tensione verso l’oltre, tra «un foglio bianco di vertigine» e una «inattesa voragine luce divorata».

Una trilogia, anche, della visione. Di sé, della natura, del cosmo. Muovendo lo sguardo verso l’inatteso. Per schiudersi a dimensioni inconsuete, aprirsi a singolari rinascite. Quando l’agire contemporaneo porta in tutt’altre direzioni, come quello dell’attuale «homo insipiens / con l’ultimo ideogramma coltello-sulla-gola». E quando tutti noi «semiviviamo sotto cieli sbarrati». Così la visione personale si intreccia a quella sociale, la dimensione quotidiana a quella cosmica. E il pensiero, teso a risorgere, danza tra mito e scienza. Allora il movimento propulsivo e danzante richiede che non si interrompa il flusso con segni di interpunzione. E che la necessità di rinascere si esprima nella creazione di inedite forme del linguaggio. Nel fare fiorire nuovi sintagmi, per abbraccio di termini. E nel rovesciare i modi scontati della comunicazione ordinaria. Da «bla bla bla» in «alba alba alba».

Una trilogia perciò, anche e soprattutto, del dire. Creando subbuglio, «la poesia / può rinascere». In questo mostrando Annamaria Ferramosca una grande fiducia nelle parole poetiche che «non vanno per salti loro ma / per larghissimi voli». Si potrebbe allora azzardare che a muoversi per salti sia la voce umana, per «come s’affanna soccorre risponde chiama». A sussultare per tumulti, invece, l’insieme di «parole paradossali», inquiete e danzanti. E a prendere il volo per spazi inaccessibili, infine, la poesia, che osa andare verso l’oltre sconfinato così come nel misterioso «chiamarsi tra loro - pianissimo - delle cose».

 

https://www.youtube.com/watch?v=pmH8ZzY_7aQ La voce di Annamaria

 

Da: I SEZIONE – per salti

 

ora che mostro viso e braccia aperte

s’accendono i corpi le voci

più libero il pianto più intense le carezze

apro armadi nel petto e

vado per salti

dimentico zaino zavorra

virgole punti de-finizioni

tanto so che l’altrove

mi tiene d’occhio e

 

dorme la mia bambina delle meraviglie

ancora irrubata dal mondo

intatta nel suo pianeta

cosa devo farci io con questo spudorato pianeta

cosa devo farci con il terribile che infuria

con le solite frasi il solito sgomento

con quella spes ultima illusione

cosa devo farci pure con la poesia

 

tanto so che la nave

sta trascinando al largo

nel muto acquario dove ci ritroviamo

come all’origine nudi

finalmente originali miseramente

splendidi nel nulla

 

Da: II SEZIONE – per tumulti

 

sembra che cadano dall’alto le parole

della poesia - mi dici -

come da un tremito di stelle

sembra un bruciare di schegge fossili

lampi d’altra memoria che migra

 

hanno esili braccia come leve di luce

a sollevare la grave pietra umana

non vanno per salti loro ma

per larghissimi voli

sulla nostra laguna sconsolata

a intercettare il centro innocente

la forma fetale del cuore

 

è vero è un pulviscolo di parole

che invade l’universo lo informa lo plasma

se ti metti in ascolto puoi avvertire

le onde d’urto come nel bosco

il colpo secco dalla corteccia

il tuffo della rana di Basho

un chiamarsi tra loro - pianissimo - delle cose

 

e quella nostra stramba contentezza

nell’ascoltare

 

bla bla blaè urgente

capovolgere i suoni

alba alba alba capite?

se si sovvertono se le stanze

si mettono in subbuglio

dietro la porta può affacciarsi

la sempre sfuggente la poesia

può rinascere

incurante del rumore intorno del brusio

crescere con la sua fame adolescenziale

di cose vere sia pure materia rarefatta

di parole vive dai corpi

lungo tutti i meridiani pure

da territori dubbi come atlantide

o aldebaran o l’isola di ogigia

insomma – accidenti- da spazi

inaccessibili

 

provare solo deliri di sfioramento

farsene una ragione

 

 

Da: III SEZIONE – per spazi inaccessibili

 

nella luce che declina

 

fatemi luce non vedo più il percorso

brancolo sul mio profilo non mi riconosco

non ti riconosco

 

respiro cenere piove dal cielo

dove l’umano è in fumo

piove dal suo fumo

cenere di boschi e d’anime

piove tenace l’errore

 

arrivi a me dal mare

senza giustizia né perdono

confinato nel campo dove

tuo figlio non riesce a giocare

ha negli occhi domande raggrumate

padre perché questa rete

padre voglio tornare non m’importa morire

per fame o guerra o per indifferenza

 

homo insipiens

con l’ultimo ideogramma coltello-sulla-gola

t’immoli perfino

per un cielo del nulla

dilegua con te il nostro cammino millenario

si spalanca l’abisso

nella luce che declina

 

---

Annamaria Ferramosca, salentina di origine, vive a Roma, dove, in contemporanea con la scrittura poetica, ha lavorato come biologa nella ricerca e nell’insegnamento. Ha contemporaneamente ricoperto per alcuni anni l’incarico di Cultrice di Letteratura Italiana presso l’Università Roma3. Fa parte della redazione del portale poesia2punto0.com, dove dal 2010 cura la rubrica Poesia Condivisa, di cui è ideatrice.

É voce inclusa nell’Archivio delle Voci dei Poeti, Multimedia, Firenze.

É Voice Ambassador per Italia e Puglia della PoetrySound Library, mappa virtuale mondiale delle voci poetiche.

Ha curato la versione poetica italiana di testi del poeta romeno Gheorghe Vidican nel libro 3D – Gheorghe Vidican - Poesie 2003-2013, CFR, 2015, ricevendo il Diploma di Eccellenza dal Ministero della Cultura di Romania.

Ha pubblicato in poesia:

Andare per salti, Edizioni Arcipelago Itaca, Osimo-Ancona 2017, Premio Arcipelago Itaca 2016, introduzione di Caterina Davinio (nella rosa del Premio Elio Pagliarani, finalista ai Premi: Guido Gozzano, Premio Internazionale Europa in Versi, Premio Civetta di Minerva)

Trittici-Il segno e la parola, Edizioni DotcomPress, Milano 2016

Ciclica, La Vita Felice, Milano 2014, collana Le voci Italiane, introduzione di Manuel Cohen (finalista al Premio Alessandro Tassoni, e al Premio InediTo Colline di Torino)

Other Signs, Other Circles –Selected Poems 1990-2009, Chelsea Editions, New York 2009, collana Poeti Italiani Contemporanei Tradotti, introduzione e traduzione di Anamaría Crowe Serrano e Riccardo Duranti, (Premio Città di Cattolica; secondo al Premio Città di Sassari)

Curve di livello, Marsilio, Venezia 2006, collana Elleffe, a cura di Cesare Ruffato ( Premio Astrolabio, Castrovillari-Pollino, nella rosa del Camaiore, finalista ai Premi: Lerici Pea, Pascoli e Lorenzo Montano)

Paso Doble, Empiria, Spinea-Venezia 2006, raccolta di dual poems in italiano/inglese, coautrice Anamaría Crowe Serrano, traduzione di Riccardo Duranti

La Poesia Anima Mundi, con la silloge Canti della prossimità, serie Quaderni Poiein, monografia a cura di Gianmario Lucini, puntoacapo, Novi Ligure 2011

Porte/Doors, bilingue, Edizioni del Leone 2002, prefazione di Paolo Ruffilli, traduzione di A. C. Serrano e Riccardo Duranti (Premio Internazionale Fiurlini-Den Haag )

Il versante vero, Fermenti, Roma1999, introduzione di Plinio Perilli (Premio Opera Prima Aldo Contini Bonacossi).

Ha al suo attivo collaborazioni e contributi creativi e critici su riviste italiane (Poesia, La Clessidra, Argo, Punto, La Mosca di Milano, Le voci della Luna) e straniere (Gradiva, Italian Poetry Revue, Fire, Salzburg Revue, Poezia-Romania, Poiein-Grecia) e su siti e lit-blog (La dimora el tempo sospeso, Atelier, ArcipelagoItaca, L’EstroVerso, Blancdetanuque, Perigeion, Carteggi Letterari, Il Versante Ripido, portale di poesia poesia2punto0.com (con il Quaderno di Poesia n.67 ), Poetry-wave-Senecio, LaRecherche, Carte allineate, Fili d’aquilone, Carte sensibili, CarteAllineate, Viadellebelledonne, La Poesia e lo Spirito).

È presente nel portale di poesia Italian Poetry.org

Suoi testi sono inclusi nei volumi collettanei: Quando Il Poeta è Donna, Blu di Prussia Ed.ce,.2002; Pugliamondo, 2010 e La Versione di Giuseppe, entrambi per Ed.ni Accademia Terra d’Otranto-Neobar, 2011; POETI E POETICHE(1), con note critiche di Gianmario Lucini, Edizioni CFR, 2012; Cuore di preda, CFR, 2012; Cronache da Rapa Nui, CFR, 2013; Perché i poeti, L’Erudita, 2003; Un sandalo per Rut, Ed.ni Accademia Terra d’Otranto, 2014; Keffieh, CFR, 2014; Fil Rouge, CFR, 2015; Pane e Poesia, La Vita Felice, 2015; IL CORPO, L’EROS, Ladolfi Editore, 2018; Lido, Poezie italiana contemporana, Ed.Eikon, Bucarest, 2018.

È presente nelle antologie: L’altro Novecento; Appunti critici; Poeti italiani verso il nuovo millennio; Inverse; Tradizione e ricerca nella Poesia Contemporanea; Blanc de ta nuque – Uno sguardo dalla rete sulla Poesia Italiana Contemporanea I^ vol.(2006-2011) e II vol.(2011-2016); Evoluzione delle forme poetiche. La migliore produzione poetica dell’ultimo ventennio (1999-2012); IL FIORE DELLA POESIA ITALIANA, TOMO II- I CONTEMPORANEI,II ED.NE AGGIORNATA, puntoacapo, 2016; Annotando, a cura di Marco Ercolani, Biblioteca di Rebstein, 2017.

Per la poesia inedita ha ricevuto il Premio Guido Gozzano e il Renato Giorgi e nel 2017 il Premio Internazionale Naji Naamann Literary Prize, divenendo membro onorario della Maison Naamann pour la Culture in Libano. Suoi testi sono stati tradotti oltre che in inglese, in romeno, greco, francese, tedesco, spagnolo, arabo.

Hanno scritto sulla sua poesia: Sebastiano Aglieco, Franca Alaimo, Marzia Alunni, Giovanna Amato, Donatella Bisutti, Luca Benassi, Augusto Benemeglio, Roberto Bertoni, Cristina Bove, M. Grazia Calandrone, Grazia Calanna, Luigi Cannillo, Marcello Carlino, M. Teresa Ciammaruconi, Floriana Coppola, Manuel Cohen, Anamaria Crowe Serrano, Anna Maria Curci, Caterina Davinio, Mariella De Santis, Antonio Devicienti, M.Grazia Di Biagio, Donato Di Poce, Donato Di Stasi, Antonella Doria, Marco Ercolani, Narda Fattori, Ivan Fedeli, Fernanda Ferraresso, Mauro Ferrari, Francesco Filia, Silvana Folliero, Marco Furia, Giorgio Galli, Elio Grasso, Sandro Gros-Pietro, Stefano Guglielmin, Letizia Lanza, Maria Grazia Lenisa, Maria Lenti, Elisabetta Liguori, Giorgio Linguaglossa, Gianmario Lucini, Eugenio Lucrezi, Eliza Macadan, Dante Maffia, Loredana Magazzeni, Luigi Manzi, Sandro Montalto, Ivano Mugnaini, Gabriella Musetti,, Rita Pacilio, Alessandra Paganardi, Helene Paraskevà, Gregory Pell, Plinio Perilli, Gilda Policastro, Daniela Raimondi, Alfredo Rienzi, Merys Rizzo, Anna Maria Robustelli, Paolo Ruffilli, Marisa Papa Ruggiero, Rosa Salvia, Daniele Santoro, Fabio Simonelli,, Donato Valli, Juliet Wilson.

Ulteriori notizie, testi e materiale critico sono nel sito personale www.annamariaferramosca.it

 

 

Francesco Bellomi e Laura Caccia su “Eccomi - Il sacrificio di Isacco”, Oèdipus 2019, di Oronzo Liuzzi

 Audio mp4

Una nuova nascita

In Eccomi - Il sacrificio di Isacco la poesia si fa audace. Nell’affrontare il testo biblico, Oronzo Liuzzi si misura con il sacro. Attraverso la rivisitazione della prova di Abramo, riscritta dal punto di vista di Isacco. Mettendone in evidenza il percorso dalle tenebre alla rinascita, dalla morte alla vita, dal dolore alla meraviglia. In un confronto tra le oscurità di Abramo, «l’uomo dalle molte tenebre e poca luce», «che smuove il fango dai fondali per trovare la fede» e la limpidezza di Isacco, la cui anima «fragile a volte giocosa sorrideva / indossava la luce del mondo» e, in questo modo, «in cerca dell’eternità originava il futuro». Quasi in Isacco si ritrovassero tutti i figli della terra a subire la perdita di idealità dei padri e a tentare responsabilmente di conquistare il proprio avvenire.

I passaggi, già profondamente analizzati a livello filosofico da S.Kierkegaard in Timore e tremore, sono molteplici: l’estraneità, il mistero, il sacrificio, la morte, la verità, la necessità, la libertà, la rinascita. Isacco non si sottrae alle prove che impongono. In un cammino, concreto e interiore, in cui sono rovesciati i rapporti tra la vita e la morte, il bene e il male. Tutta la raccolta è pervasa, attraverso la voce di Isacco, dalla sete di verità: «era il vivere che si muoveva incontro al mondo in cerca della verità / rincorreva l’indescrivibile il volto dell’ignoto la tensione». E per farlo, attraversa, con il suo protagonista, tutti i territori dell’estraneità e del mistero. Degli incubi e dei sogni. Della sofferenza e della speranza. Quasi a rendere possibile che la vita, pur nelle costrizioni imposte dal tempo e dal destino, possa commuoversi per la condizione umana e sostenere il valico della «soglia tenebrosa della morte per un mondo nuovo / come un amico fedele per mano ci conduce nella rinascita».

Anche la parola, pare dirci Oronzo Liuzzi, deve necessariamente passare da questa prova, da questo sacrificio, da questo stretto contatto con il mistero. Trascendere la convenzione del bene e del male, del «sapere non sapere». Varcare l’ignoto, il dubbio, la fragilità umana. Con un percorso simile a quello di Isacco: abbracciare il visibile e l’invisibile, andare oltre i limiti della conoscenza, percorrere territori estranei, rigenerarsi di bellezza, accogliere la meraviglia, affrontare il terrore e la sofferenza, farsi attraversare dalle tenebre e dalla luce. Verso una possibile rinascita. Con la tensione dell’attesa e, insieme, con una forte e «insaziabile sete di verità».

 

Da: Il risveglio

alzati figlio mio

era la voce ingarbugliata e suadente di mio padre Abramo

il timorato di Dio il vagabondo l’uomo dalle molte tenebre e poca luce

l’uomo che ha creduto in Dio e si è fidato del suo Dio l’uomo

che ha stretto con Dio l’alleanza della circoncisione

l’uomo che smuove il fango dai fondali per trovare la fede

la perla delle promesse spirituali

contemplava il mio il corpo nella veglia del sonno mio padre

il mio corpo mite sensibile innocente vivo

che ama gli animali e la luce della vita

festoso quel corpo contempla i villaggi dignitosi dei pastori

sogna con gli occhi di un bambino la meraviglia

accoglie con cuore aperto il cielo la luna la terra i segni del Signore

alzati figlio mio

***

l’aria fredda la faccia in silenzio lento il battito del cuore il dormire un sonno pesante riempito da sogni sanguinari dagli odori familiari dopo una notte selciata dall’incertezza sofferta e occultata da un evento segreto sogni ingombranti attraversavo una piccola porta entravo e uscivo dalla porta dei vivi dalla porta dei morti il nulla il vuoto l’amore trionfava il vivere la paura forze del bene e del male condizionavano la mia libertà di vivere percepivo nel sonno la mitezza della meraviglia

 

Da: Il viaggio

 

la nostra vita dominata dal tempo avvolta dalle forze cieche del destino

ascolta le ferite della umana condizione

ci domina

ci custodisce

svela all’uomo i segreti e gli incastri dell’amore

il creato

inesorabilmente cadiamo nel vuoto con il cuore arrugginito

inesorabilmente ricominciamo la salita con grazia

si lascia commuovere la vita

partecipa alle sofferenze

condivide abbandoni perduti dolori abbracci sorrisi gioie

le lacrime

valica la soglia tenebrosa della morte per un mondo nuovo

come un amico fedele per mano ci conduce nella rinascita

 

***

illuminato dai raggi del sole il padre mio era intento a spaccare legna per

l’olocausto

osservavo con meraviglia quell’anziano uomo dallo sguardo turbato

una voce interiore forse lo tormentava

non lo capivo

ombre dolore fragilità angoscia dimoravano in colui che mi aveva dato la vita

emergevano movimenti nervosi stanchi confusi imprigionati

il suo corpo teneva insieme tante forze che lo dividevano

timore

tremore

partoriva la sua anima

 

Da: Il sacrificio

 

la meta ci aspettava paziente

portavamo nel grembo dell’anima la forza dell’amore

solo il peso della legna dell’olocausto affaticava il mio corpo inerte

questa è la terra dell’alleanza pensavo

il nostro desiderio di infinito

tutto era inondato di fede

una forza superiore ci abbracciava

eravamo entrati nello spazio e nel tempo del sogno

nel mistero del vivere la vita

strisce di cielo azzurro incantavano i miei occhi

marciavo a fianco del padre mio ormai stanco

sangue innamorato mi scorreva silenzioso nelle vene

nutriva la purezza dell’amore per farmi rinascere nuovo

***

di sapere non sapere

il pensiero agonizzava il sono io il non sono io

il tormento

la paura

il fitto respiro che mi mordeva

l’aria velenosa che bolliva nello stomaco

ero un deposito di dolori

quelle terribili parole affogavano nella mia testa

vieni figlio mio

Isacco

sei tu l’agnello da immolare

conficcavo le unghie nella carne

ero ancora vivo

 

 

***

un ardente fuoco d’amore vibrava nel profondo del cuore

trafitto di luce divina

commosso

mi lasciavo filtrare da quel potere fuoco d’amore

mi ricuciva la pena il dolore la sofferenza l’umana fragilità

l’indomabile tormento del mio corpo pietrificato

sedotto dall’altissima gloria e dall’onore di ogni benedizione di Dio

abbracciavo in pace l’intenso amore per la vita

sottratto all’arida cenere della morte

trasformato e rigenerato

mi restituivo al tempo dell’attesa con dolcezza

con delicatezza al mondo intero

con una insaziabile sete di verità

 

 

---

Oronzo Liuzzi (1949), laureato in Filosofia Estetica, vive e lavora a Corato (Ba). Artista poliedrico, utilizza tecniche espressive diverse. Ha pubblicato una ventina di libri tra poesia e narrativa.

Tra gli ultimi volumi editi ricordiamo Plexi(Campanotto 1997), Via dei barbari (L’Arca Felice 2009), In odissea visione (Puntoacapo 2012).

Francesco Bellomi e Laura Caccia su “nuove Letanie salentine e un Poema Manifesto”, LabOratorio Poietico '19, di Carmine Lubrano

 

 

L’ortica barocca

In un flusso magmatico che pare esondare dalla pagina, proprio di un’oralità senza fine, Carmine Lubrano dissemina le sue nuove Letanie salentine e un Poema Manifesto. Un flusso che accoglie tutto e che va contro tutto, assetato di vita e di esperienze e insieme antagonista e trasgressivo. Nella forma della litania, non nel significato religioso di invocazione liturgica, piuttosto in quello linguistico della parlata per antifrasi e contro-espressioni, dal tono percussivo e irriverente. In una partitura labirintica e pulsante, erotica e alchemica, sonora e vitale. Con passaggi continui dalla caoticità della materia e dall’eccitazione dei sensi alla riflessione sulla lingua e sulla poesia.

Dalla musica di strada, nel ritmo frenetico della pizzica o della taranta, al canto denso e rude «dove ogni parola prima dell’amore / è nuvole è ustioni». Dalla lingua popolare alle citazioni colte dei poeti dell’avanguardia e della poetessa salentina Claudia Ruggeri. Dalla percussività ossessiva del mondo, «Averno pro fondo» colmo di contraddizioni e di disperazioni, alla «melodia che s’esilia e si noda». Da «una rima accidiosa che osa tra sangue ed / orine il rosso heros politico subsulto il jazz lapillum di / un volcano mai spento» alla ricerca di «acqua dolce / per arginare la sete la posia sorgiva / la poesia sotterranea che percorre sentieri profondi».

Nell’amalgama di parlata popolare salentina e ricerca linguistica, di dialetto e neologismi, con frequenti allitterazioni, il verso ha il tocco che infiamma e la musicalità che trascina. E se l’autore ritiene che, considerato il contesto culturale odierno, sia il momento di dire «basta con la poesia», nel contempo evidenzia come, per contro e per necessità, sia anche l’ora di una «nuova poesia antagonista», una «novissima sillaba clandestina». Attuando la sperimentazione di un nuovo modo di dire, insieme barocco e innovativo, melodico e urticante. Poiché così si presenta l’autore: «il puteolano Carmine Lubrano: ricerca sempre quella rima antica / punge a suo modo più dell’ortica».

 

Da: nuove Letanie salentine

 

sarà a pagina cinque che riprenderò

il viaggio talentino da oriente a occidente

verso l’inferno e dopo il frontespizio

il giuoco dell’oca con rebus annesso

laborinthus interruptus tra litania trimalchionis

e novissima sillaba clandestina

 

[…]

 

e sono qui a Roca

i giovani ancora mi chiedono

e mi chiedo

tra lente lente deliranti et urgenti

nude ‘nchiavate letanie

 

mi chiedo dov’è l’acqua dolce

per arginare la sete la posia sorgiva

la poesia sotterranea che percorre sentieri profondi

 

canali navigabili per parole che hanno voglia di andare

lontano saltare i fossi esplorare anfratti e caverne nascoste

 

sarà questo segnino insieme di inchiostri

e cadaveri squisitamente composto

con l’ultimo verso a ritroso

dalla novantaquattro alla settantasette

in un coito con tamburello e chitarra battente

e per allegri lestofanti per amici e parenti

per oracoli ciechi per bizzoche e cornuti

per razziati e fottuti

 

il seme ed il canto nel tempo andato

tra pietre incustodite dove ogni parola prima dell’amore

è nuvole è ustioni

 

sarà un diario di bordo scritto sui bordi di carte lacerate

un flusso sapiente i linfa tra orto e genitali

distratto da un giuoco impervio indecente

che inseguo spassiunatamente

e col desiderio di una sola parola sola

nella ragnatela indolente fatta di stagioni

e lunghi capelli lacrime antiche dimentiche

sarà l’incanto caduto nel fango a divenire ingrediente

per un sonetto impassibilmente imposibile

per raccogliere tutto il sangue del mondo

e tra squilli di rosso fuggente

struggente bestemmia jattura con l’inganno

per la nuda e cruda crocifissione di tutti i santi molesti

che oscenamente avevano già dato la voce a briciole esplose

nel sudiciume

 

ora questa malcelata canzone

attratta dal calvario s’impiglia nell’esodo d’urne

 

nel coro dell’alterco dei vicoli al porto

strascina malumore di sera e matina

arina la giografia delle ombre l’immerso

odoroso ridisceso alla piazza

dopo la tempesta tradotta sol fetore di pisciazza

col catrame tra fette d’anguria e le ricette tutte

sedotte e abbandonate e fino a pagina quarantasette

poi ci saranno venture cesure e cesoie per finire in bellezza

le congerie della scrittura e per sporcare carezze

con mucose melodie tirate fuori dal pozzo

 

[…]

 

 

Da: per un Poema Manifesto

 

 

***

vedrai vedrai la melodia che s’esilia e si noda

s’allenta s’ammorza alla randagia dimora

vedrai il rantolo all’emporio eloquente

la vendemmia che non arrugginisce la carezza

vedrai la maraviglia depilata sul bordo della pietra

e sarà mai sazia opulenta parolA fabula dal ritmo ossessivo

a dirti la fine nell’esilio dal canto

vedrai il pallore imbalsamato da efelidi

e l’euforia di una ruga nei salotti dei cavadenti

vedrai l’eczema vedrai la lusinga e lo scempio del morbo

vedrai l’affanno l’indolenza il pa bagnato e la zavorra

e vedrai la demenza il demerito la de mo cra zia

 

***

[…]

 

e che dunque in questo senso almeno

la smorfia dell’arte ed il ritorno del pazzerello in piazza

tra pozzi di zolfo e latrine tra pupazzi e poetastri

puzzolenti di lirico piscio e che dunque

in questo senso almeno bel venga la macchia sul foglio

che uccide a ritroso l’imbroglio

 

l’inchiostro nei guizzi che insegue il verso

che danza avanza cerca lo spazio vuoto

il peccato bianco sulla pagina stanca

non si sazia nel segno non si perde nella carezza

con l’accento che graffia di lusso

vocale ch’allecca la nota stonata

col salto nel fosso nel rebus obeso d’oblio

ora ovulo ombroso d’una scorza cachera

e col fiato vileno fetori d’altre stagioni

fioritura d’una ferita col prurito d’ortica

tra orrido e schifo s’imbriglia nel collo

s’agghiaccia al taglio lento tremante

si posa sossopra al carnoso silenzio

dove riposa e che muta nel morbo trusco

nel fango guasto del giorno festo

in questa puzza grotta col pane tosto

nel sanguinato brodo e tra fetude lenzola

 

ora che la lingua deve inventarsi roghi di ostie in eccesso

 

[…]

 

 

---

Carmine Lubrano, nato a Pozzuoli in via Dante Alighieri vive e lavora al Parco Virgilio a Cuma tra l'Antro della Sibilla e l'Averno.

Poeta, operatore culturale, ha fondato l'Archivio della poiesis contemporanea "Poetry Market", ha fondato e dirige il Lab-Oratorio Poietico per le Arti, la rivista e le edizioni "TERRA del FUOCO", ha tenuto e tiene workshop e laboratori di decodificazione dei linguaggi contemporanei in numerose scuole,centri culturali,musei; è curatore di mostre, direttore artistico di eventi, manifestazioni e festival, in particolare nei Siti archeologici; ha pubblicato diversi libri di poesia con prestigiose sigle editoriali(Tam Tam,Altri Termini,Scheiwiller,Rai Trade...); dedicata al suo lavoro la Tesi di Laurea dal titolo: "poeti antagonisti e funzione-dialetto nel conflitto culturale del '900 a Napoli”, alla Sapienza di Roma; altre tesi attraversano il suo lavoro nell'ambito della poesia antagonista e della "Terza Ondata" delle Avanguardie, presso: Federico II di Napoli, la Sapienza di Roma, Accademia delle Arti di Napoli, DAMS di Bologna, Istituto Superiore del Design di Milano…; ha curato antologie didattiche,tra le altre: "POeSIA (giocare con le parole,poesia visiva,scrittura visuale…),"PHOTOgrafia (fotografia creativa e off camera), "il di-SEGNO Poietico" (contaminazioni e mode…), "la Città dell'Immagine" (parola e segno); ha partecipato come artista con reading e concerti di POESIA e MUSICA a Festival e manifestazioni da "Poliphonix" al Centro Pompidou e alla Maicon des Ecrivains di Parigi, a Poiesis Sinphone di Milano, dal Salone del libro di Francoforte alla "Scuola di Lettura in Biblioteca2000-Ministero per i Beni Culturali", al Festival dei Popoli Mediterranei, al Festival Ferre'; è presente nell'Archivio della Canzone Napoletana della RAI di Napoli e nell'Archivio "la memoire et la mer" di Parigi, per aver "tradotto" ed interpretato in Lingua Napoletana alcuni testi di Leo Ferre'; ha curato l'antologia "POETI contro BERLUSCONI",1994.

Nel gennaio 2019 : premio Trivio 2018 (alla carriera per la poesia)

Tra le sue opere ultime:

- "Scovera Jorda Pilosa",Scheiwiller,Milano,1997

- "Sulphitarie"(con Edoardo Sanguineti),Napoli,1999

- "PoemAverno"(libro+CD con le musiche di Rino Zurzolo),Napoli,2000

- "Lengua Amor Osa",D'Ambrosio ed. Milano,2003(premio di poesia Feronia 2004)

- "Stroppole d'Ammore" ( libro + CD ),RAI Trade-Suoni del Sud,2006

- "Serenata Napulitana al cabaret Voltaire", ed. la Ricotta,Canneto Pavese(PV)

-“Era de maggio - in viaggio tra ‘68 e dintorni” , JazzPoetry, 2008-2018

-“Letania salentina e altre Letanie”, Lab-Oratorio Poietico, Napoli,2018

-“riscritture antagoniste”, Eureka edizioni, 2018

-“nuove Letanie salentine e un PoemaManifesto “, Napoli, 2019

Finito di stampare nell’aprile 2020: “Le ragioni dell’avanguardia: la poesia di Carmine Lubrano” (scritti di: Allegrezza, Cudazzo, Bettini, Muzzioli, Aprile, Moscarelli, Pieri, Gennari, Sanguineti… con ipertesti di Carmine Lubrano da “vado via dalla poesia” )

Maggio 2020: in uscita “sono le undici e quaranta di questo santo venerdì santo - poesia in quarantena”.

Francesco Bellomi e Laura Caccia su “Le voci dei bambini (Poesie 2007-2017)”, Mursia 2019, di Margherita Rimi

 Audio mp4

L’arcobaleno del dolore

Arduo aggiungere parole ai versi dell’opera Le voci dei bambini, nella quale Margherita Rimi affida alla poesia lo strazio dei minori, fatti oggetto di violenze, abusi e sfruttamenti. L’autrice dà voce direttamente a loro, lascia che prendano la parola i «sassi nella testa», la «pietra qui nella gola», i «fantasmi negli occhi», le «paure nelle orecchie». Non trovando il dolore, quando viene raccontato dai bambini in prima persona, passaggi che possano affievolire la paura, il disagio, la rabbia, la solitudine. Nello stesso tempo, però, riuscendo a recuperare un po’ di quiete attraverso il mondo magico dell’infanzia, con la compagnia di una bambola o di una conchiglia. Diventando invece, quando viene espresso dalla voce narrante in terza persona, durissima cronaca dell’inaudito. Pur sempre, anche in questo caso, lasciando intravedere una speranza, una possibilità di parola, un barlume nel buio.

C’è infatti, in tutta questa sofferenza, una luce che tenta di farsi strada nella tempesta del vivere. Ed è il chiarore di un arcobaleno che si affaccia più volte nei testi. Ci sono i colori con cui è articolata la raccolta: il bianco dell’abuso, il nero della guerra, il blu del lavoro minorile, il rosso del matrimonio dei minori, il verde della violenza domestica. Che, insieme, trattengono e cullano gesti e stati d’animo drammatici: la paura e il senso di colpa, le grida di aiuto e il pianto, l’inutile ribellione e la disistima. E c’è, all’improvviso, «un arcobaleno // vicinovicino, troppo vicino // non si può andare // non sappiamo // dove atterra». Così come, nel grigio che domina, c’è «un bambino che ha visto l’arcobaleno di tanti colori».

La speranza è affidata però soprattutto alla parola. Al dire poetico, etico e civile di Margherita Rimi, che riesce ad esprimere l’indicibile della realtà più cruda. Togliendo maschere e coperture, anche linguistiche. Facendosi voce di chi subisce e che finalmente riesce a trovare la forza di dire, quando a lungo tutte le parole sono state trattenute, come nel disegno della bambola «dentro la sua pancia». Ed è la parola sola che può salvare. Una parola che dia un nome alla sofferenza. Che aiuti i bambini a dire. Come scrive l’autrice, a cui lasciamo voce: «se trovi la paura non trovi la parola // Una paura per dirla tutta deve avere un nome // Proviamo a chi gli mette il nome // Se c’è un nome / io posso già chiamare // Se c’è un nome // Insieme // Possiamo. Raccontare».

 

Da: BIANCO

 

La bambina non si spogliava più

 

vestiva le bambole

 

prima di addormentarsi

 

***

 

Ho preso i fantasmi negli occhi

le paure nelle orecchie

 

le mosche che ronzano nei miei capelli

 

I grandi è da troppo lontano che parlano

che non rispondono

 

Siamo arrivati qui:

 

se trovi la paura non trovi la parola

 

Una paura per dirla tutta deve avere un nome

 

Proviamo a chi gli mette il nome

 

Se c’è un nome

io posso già chiamare

 

Se c’è un nome

 

Insieme

 

Possiamo. Raccontare

 

Da: NERO

 

Non ci fanno uscire di casa. Le strade sono piene di bombe

Non possiamo giocare.

 

Se non scappo da qui posso morire. Ma dove vado

 

Trovateci. Venite a salvarci

 

Li ho sentiti piangere per tutta la notte

Sotto le macerie la mattina erano tutti morti

 

Come finisce la storia. Così: fine della storia

 

Da: BLU

 

Io sono Yasir il più grande dei miei fratelli

Ho 12 anni

Con questa macchina cucio i vestiti

 

Qui c’è tanto rumore che non si può parlare

non sento più nulla. Lavoro e basta

 

 

Quando finisce la guerra

 

voglio studiare

voglio fare il dottore

 

 

Da: ROSSO

 

 

Mi hanno venduta

 

Mio padre aveva bisogno di soldi

 

 

Sono venuti due uomini a prendermi

 

hanno chiesto il mio nome

 

Io non mi voglio sposare

 

voglio diventare una maestra

insegnare ai bambini

 

Da: VERDE

 

Ci sono tanti vermi

che mangiano i colori

 

Ci sono tante onde

altealte

 

così alte che rompono il cielo

 

E se il cielo si rompe

non c’è più il sole

e la notte

…

Come finisce?

Finisce che non lo so più come si spiega

 

---

Margherita Rimi  è nata a Prizzi (Pa) nel dicembre del 1957. Laureata in Medicina presso l'Università di Palermo, svolge l'attività di neuropsichiatra infantile. Ha pubblicato una prima raccolta di versi dal titolo Traccia d'interiorità, Cultura Duemila, Ragusa 1990. Alcune sue poesie sono state inserite in AA.VV., Petali di sole, Mazzotta, Castelvetrano 1999 mentre la silloge Righe mancanti è inserita in AA.VV., Il volto dell'altro. Itinerari tra alterità e scrittura, Kepos, Castelvetrano-Palermo, 2001.

 

Ultima pagina, Francesca Marica: altri collages, una nota

La nuova serie "C'è questa donna che parla, parla tanto" nasce come evoluzione dei lavori risalenti al 2020 “D'ailleurs c'est la fête” e pone al centro della narrazione l’elemento femminile.

Vengono qui ospitati sei piccoli collage realizzati su carta bristol dove il bianco della pagina, il nero dell’acrilico e il rosso dello smalto creano una struttura che si fa elemento portante per volti e parole sempre al limite della reticenza.

Pur presentandosi le due serie in rapporto tra loro, al minimalismo e all’essenzialità dei lavori del 2020 - dove non c’era spazio per l’elemento figurativo e pochissimo spazio era riservato alla parola -; si contrappone la complessità dei nuovi che hanno deciso di aprirsi alla caoticità del mondo guardando le cose per come sono o per come accadono con il coraggio che è proprio della realtà delle cose. Alcuni dei versi usati in funzione didascalica (Ciò che non vedo/ vedo meglio; Lasciatemi l’estasi – vita – da vulcano; Portatemi via tutto) sono della poetessa Emily Dickinson nella traduzione italiana di Silvia Bre.

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Francesca Marica, poeta e artista visiva, è nata a Torino e vive a Milano.

Tra gli ultimi suoi lavori in versi: Concordanze e approssimazioni (2019), Ti scrivo da dove sono (2022). È presente nell’antologia Babel, Stati di alterazione a cura di Enzo Campi (2022) e nell’opera collettiva Passaggi, a cura di David Watkins e Luca Chiurchiù (in corso di pubblicazione).

Loredano Matteo Lorenzetti, saggio: “La parola eveniente”

Esiste un dire della parola che, raschiate le incrostazioni del senso e lucidata l’opacità dell’usura del tempo, pronuncia il futuro, nel nuovo dell’eveniente?

Ascoltando Emily Dickinson, nella lirica intitolata “The future never spoke”, il futuro tace il suo diveniente accadere:

Il futuro – non ha mai parlato –

né mai – come fanno i muti –

rivelerà a segni – una sillaba –

del suo profondo avvenire –

Eppure la parola, come originario gesto vocalico mentale – all’udito sordo e alla trasduzione grafica estraneo –, nel suo invisibile e inudibile tenue germinare fonemico, appena rumoreggia per accennare, sommessamente, la possibilità d’un senso eveniente.

Si tratta d’una gestualità intima, d’un moto recondito, d’una azione nascosta non palesata all’esterno. Di un atto afono alle labbra, fintantoché alla soglia d’esse giunga. Che compaia, cioè, per danzare sillabe sonore sulla bocca, nello spazio intermedio fra interno ed esterno del corpo. In quella umida cavità vibrante in cui si compongono e decompongono i suoni delle parole.

Tale condizione di gestualità motorio-fonica possiede un carattere e un potenziale tra-s-f-orma(t)tivo: una forma attiva tras-formante, che contiene l’orma di sensi possibili. Suoni-sensi che fluidamente transitano nel luogo della mente, in articolanti gesti indefinitamente mutanti. Poiché nel mentre cercano una forma sonora che componga la parola, vengono in-formati d’ulteriori possibilità di forme. Sicché nel tentare d’essere gesto in sé concluso, de-finente, scopre quel che può divenire nel suo aperto eveniente. Sperimenta cioè lo stato provvisorio e precario dell’essere sul punto di divenire altro dal pensabile.

Prosegue Dickinson:

ma quando la notizia è matura –

la presenta – nell’atto –

prevenendo ogni preparazione –

fuga – o sostituzione –

La ‘parola futura’, nell’eveniente da cui trova forma e senso, non ha praeparatio, bensì paratio, quale aspirazione a, ricerca finalizzata a procurarsi qualcosa.

In altri termini viene a costituirsi come tentativo aspirante al ricercare quel materico suono che è da pronunciare per acquistare altro gesto-senso da quello che è stato scolpito nella parola. Scolpito dallo scalpello della discorsività e dal martello del tempo trascorso.

Né la parola eveniente fugge dalla sorte del consumarsi. Non si sottrae, non scappa dal logorarsi, che la corrosione dell’uso inevitabilmente le procura.

Neppure sostituisce altra parola, bensì aggiunge la propria significante sonorità perché è raggiunta da un inatteso senso sopravveniente, che inaugurando altro significato destina quel rumoreggiare a intonarsi all’eveniente.

Il ‘movimento mentale’, che aziona il generarsi della parola, equivale a una trasparente danza fonica che coreografa la ricerca di senso, attraverso le movenze articolatorie della voce ancora non detta. Perché appartata. E solo ri-suonante nell’intimità corporea. Non disposta, nell’immediato, a uscire nello spazio comune dell’altro. A lasciarsi co-abitare dall’altro.

È un gesto che inizialmente abita in noi per ‘esistenzializzarsi’. Per acquisire un senso esistenziale di vivezza, sperimentato nel legame con la storia di se stessi, con il suo svolgimento e con il vissuto del possibile diveniente. Il quale accenna a un addivenire – nella prossimità d’altro divenire – pro-seguente quel che si è già divenuti.

In tale situazione d’elaborate vicissitudini trascorse, si creano le premesse e le condizioni perché venga a strutturarsi l’eventualità della dimensione ritmico-sonoro-musicale della parola addiveniente che, proiettando la sua ombra al di là del presente, sconfina nel futuro: dal movimento, sommovimento, del vissuto che conduce a sorprendente ulteriore trama vocalica a venire.

Come se quel che l’esperito vibra sonoramente nella nostra mente-corpo abbisognasse d’un al di là della parola che esprime l’esperienza pregressa, la sua storia. Il passato che la condensa. Per dis-farsi e ri-farsi nella sostanza d’un suono in-audito. Il quale possa, dapprima come rumore delle cose e della vita, ri-umanizzare quel che va ri-pronunciato nell’oltre il pronunciabile. Al fine di trovare un senso altro da cui ri-cominciare a dire. Oltrepassando non solo il già detto e l’ancora da dire, ma avventurandosi nell’indicibile.

E’ là, nello sconfinato del possibile impossibile da pronunciare, che tende la parola poetica, quale vibrazione sospesa nel vuoto del tempo che l’attornia. Smarrita dalla distanza dalle cose, accecata dai significati nascosti nell’opacità gettata oltre la luminosità di quelli sfolgoranti, sui quali la quotidianità, nel suo distratto pronunciarla, abbagliata inciampa.

In questo non vedere del tutto la lontananza, l’intervallo, la differenza che separa la parola dall’originarsi del suono, nel suo allontanarsi dal luogo del silenzio – seppure cammino angosciante –, trova inizio una sorta d’estraneazione. D’erranza esule della parola poetica. Distaccata da ciò che la conduce e riduce al comune, al banale, al routinario di un’ormai nota sonorità, con cui ripete senso su identico senso del reale. Decretando la rottura con il legame quasi inscindibile, perciò morboso e nefasto, con la ripetizione. La quale consolida e pietrifica il significato. Segnando, in tal modo, il destino dell’indifferenza all’eveniente. Al venturo, al trasformato da ciò che giungendo reclama innovata sonorità, innovante ritmicità.

Spetta alla poesia, alla parola narrante, al gesticolare immaginante del vociare interiore, il sonorizzare ogni lemma nel codice della grammatica dell’intimità, per metamorfizzare la parola eveniente affidandole altra sonorità. Destinandola all’inatteso spazio sonoro che mette a disposizione il moto poetico, quale spazio inabitato dal senso già udito.

Spetta al silenzio che ante-cede il rumore del non ancora significato d’una espressione vocale a sostenere, coraggiosamente e trasognante, il suono eveniente che teme di non dire abbastanza. Che rimbalza dal cuore alla mente, senza sufficiente eco per materializzarsi.

Alda Merini sostiene che alle volte il silenzio dice quello che il proprio cuore non avrebbe mai il coraggio di dire.

Il suono silenzioso della parola poetica, in gestazione nella mente, e dal cuore effuso e nutrito, è al servizio dell’interpretare quel che il sopravveniente non ha ancora detto: l’assenza della parola che s-piegando l’avvenire lo piega al senso del presente. Privandolo, così, del patrimonio sonoro con cui può accennare ad altro dire. Quel suono che si rende cortese nella funzione poetica del lasciar risuonare il molteplice del senso di cui la parola cerca e immagina essere suo luogo – sognante – e destino.

Conclude Dickinson:

Indifferente per lui

– dote – e dannazione –

suo ufficio – solo eseguire –

il telegramma – del destino –

La parola eveniente ci raggiunge da una sorta d’aggrovigliata temporalità esperienziale unitaria – magmatica – di passato e presente. E dai dintorni della forma di vita che autenticamente, intimamente, ci appartiene storicamente. Nella memoria con cui gli abbiamo dato forma, sagome d’affetti, riverberi sonori e senso.

Essa irrompe in quel flusso vitale degli eventi, che assicura ciascuno della propria vitalità. Rassicurando la persona da un oltre che allude a una fine, con lo sconquasso della possibilità del venturo.

L’eveniente, pertanto – come emozione infinita del mutare, soprafacente la pena esistenziale del permanere nel pronunciare e sentire identici suoni del dire di sé –, si prospetta come tramite per la con-versione delle certezze di ciò che si è in una versione sorprendente, trasalente, di ciò che non si è. Se non nella forma informale dell’inatteso sopra-giungente. La quale – nel de-formare il noto di se stessi – ci solleva dall’oppressione dell’accertato e immutato di e in se stessi, pro-muovendo al contempo, ricerca e invenzione di nuova forma vitale del pensare, dire, essere.

E’ in tale possibilità, e altra versione di quel che si è stati, che s’annida l’esteticità-estaticità del senso e la dimensione poietico-poetica dell’intonarci a quel che ancora non siamo e, quindi, non possiamo dire. Se non in un’in-forme molteplicità di sordi suoni, di sommessi balbettii, di soffocati gemiti, di ripetute interruzioni foniche e silenzi.

Ed è dal silenzio che pervade l’esistenza che la parola pronuncia narrativamente la sua storia di-veniente. Nell’avventurosità del venturo. Poiché il silenzio non è soltanto la condizione stessa del pensare, ma pure intervallo, cesura, spazio vuoto in cui precipita l’esperienza comune e la parola ordinaria.

Scrive Dickinson in “I heard, as if I had no Ear”:

Sentivo, come se non avessi orecchio

finché una parola vitale

fece tutta la strada della vita a me

e allora seppi che sentivo.

 

Loredano Matteo Lorenzetti, docente universitario di psicologia, è direttore scientifico di quattro collane, per le edizioni FrancoAngeli, fra cui “Arte scienza conoscenza”. Recenti sono i romanzi Ripostes: La maiuscola di Osvaldo; Mastro Spadò; Un uomo qualunque; Sognare in due.

Maria Angela Bedini, incipit della prosa inedita “La sabbia, il fiume, la fine”; nota di Mara Cini

Da una scena dapprima “francescana” scaturiscono via via quadri barocchi, manieristi, sghembi, arricciati…

Tutte le forme, tutti gli alfabeti, i pattern, le icone dell’arte e della natura (armigeri & scudieri, sultanine & rampicanti, motivi decorativi multipli e cloisonnés) concorrono a dar vita a questo testo di Maria Angela Bedini, fiorito d’ogni essenza - dall’alpestre al beduino, dalle guazze del bosco alle luci cherubine – largo luogo letterario dove rintracciare la radice digiuna della terra / fiala dell’universo.

Piera Biondi, prosa inedita “Il pianista”, nota di Mara Cini

Come le Mani che disegnano di M.C. Escher, le mani del Pianista disegnano la loro storia, innaturale, tra luci e ombre minimali.

E’ una storia di suoni scuri, tracciati su un pentagramma di luci segrete e lattiginose. Ma forse non è neppure una storia.

Il Pianista vive e sogna e muore in una dimensione atemporale dove non c’è quasi niente da raccontare, dove la realtà ha un sapore sfuggente fatto di melodie elementari, ripetute, sovrapposte.

Le melodie di questo Pianista sono melodie afasiche e tra-sognate, Voci da tenere fuori dalla pelle.

 

IL PIANISTA

L’oceano. Schiuma sulla sabbia. Calma di mare. Cielo che comincia a schiarire. Ricordo di un freddo invincibile che addormenta in ibernazione.

I gabbiani -assolo alterni intrecciati sovrapposti- stridore di canti. Lieve brezza che si leva.

Mano sulla mia spalla, occhi interrogativi, bocca che solfeggia parole.

L’automobile raccoglie dal finestrino verde di campi, sfumate variazioni di alberi, pentagrammi di fili.

Improvvisa la chiara cacofonia cubica. L’ospedale. Sono dentro. Prevale il bianco. Ostile sedia di formica, tavolo innaturale. Odori depurati morti in disinfettanti. Luce schermata lattiginosa camuffata.

Dormire. Calore tanto calore, quello sì. Nascondere la testa sotto le coperte nel buio naturale. Protezione, silenzio. Le mani sugli orecchi. Dormire nel tepore. Sparire.

È notte. Silenzio. Clair de lune sommesso, discreto, dirama come un melo in fiore sulla coperta sul comodino per i corridoi. Io la sento quella vaniglia di luce segreta che avvolge e dissolve ogni innaturalità.

Dolcemente infine il buio assoluto del sonno.

Suoni metallici voci passi porte sbattute e fu mattino.

Mangiare a occhi bassi nelle voci. Sedere. Tacere. E fu sera e fu notte.

La luna scema lentamente ad ogni buio, si consuma e sparisce poi riappare sottile in un arco.

Vuoto. Voci da tenere fuori dalla pelle. Lontane.

Due mani increspate segnate poggiano sul tavolo foglio e matita.

Sulla carta ora il pianoforte a coda, i tasti bianchi e neri, il cerchio luminoso e l’ombra sotto il piano. È stata la mia mano chiara da malato a tracciarlo. Ma era come già ci fosse sul foglio. Quasi calamitata, la matita ha seguito invisibili contorni.

Nella cappella - penombra cangiante di vetri rossi verdi azzurri- le mani accarezzano il lucido rigore nero sopra il legno, la tastiera d’osso. Strumento annoso sapiente, vecchia polvere, aroma amaro di alberi mummificati.

Le mie mani. La tastiera me le ha prese, le attira su di sé. Vuole che peschi nel suo mare.

Com’è facile per me toccare i tasti d’avorio, che raccontano notti di luna, cigni, strazi e dolcezze del cuore.

Perché riesco a far questo? Tutto è buio dentro di me, ma vi escono strane cose, come questo destreggiare il pianoforte, suoni che mi consolano, occupano le mie giornate.

Mi hanno messo sul leggio dei fogli con righi dove riposano uccelli e io li fo cantare -non so come- sulla tastiera.

Mi hanno detto che sono un pianista e bravo. Mi hanno trovato all’alba sulla spiaggia, ma io non so chi sono. Quindi non posso pensare il tempo, come gli altri. Senza un passato non c’è futuro, non puoi dire domani, non conoscendo ieri. Quello che faccio, lo faccio senza sapere quando è stato che l’ho imparato. Leggo, scrivo anche, ma non ho niente da raccontare, semmai una parola: perché?

In questo vuoto mi appiglio al pentagramma e ai suoni, ma è l’inconsistenza. Senza una storia propria, suonare perde calore, il racconto muore.

All’inizio la musica, come un’eco, mi riportava o forse si era trascinata dietro una parte di me. Per ritrovarla, balenante appena con un sapore di realtà sfuggente, devo suonare ciò che mi viene, non so come, certo dal mio passato. Solo così la musica si scalda, ha un sapore d’amore. Dagli spartiti che mi mettono davanti, esce solo una serie di suoni senza vita.

Così suono sempre le stesse melodie, sperando che alla fine una nota, come una corrente o un vortice, mi risucchi dentro la mia storia.

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Sono nata nel 1939 ad Altopascio (Lucca), antico asilo e ospedale nel medioevo per i pellegrini diretti a Roma. Da molti anni vivo a Bibbiena (Arezzo). Laureata in Lettere classiche, ho sempre insegnato con convinzione nella scuola media. Mi dedico da dilettante alla pittura. Ho sempre coltivato il teatro, come laboratorio, nella scuola e -per un lungo periodo- come regista di un gruppo amatoriale “Gli inesplicabili”, mettendo in scena anche testi di mia creazione.

Dai diciassette anni sino ai sessanta ho scritto solo poesie, poi mi è esploso questo filone della prosa. Forse la “musa” si è adeguata ai miei tempi. Stretti quando lavoravo, più ampi negli… ozi della pensione.

Opere pubblicate:

“Compagni di viaggio” Ed. Senso Inverso 2011 (Raccolta di racconti) Finalista al Concorso nazionale “Città di Fucecchio” 2013. Recensito da Giuseppe Novellino su “Bravi autori”

“L’enigma di una breve Primavera” Firenze Leonardo Edizioni (Ed. Clichy) 2017

(Romanzo breve)

Libro consigliato nel maggio 2017 dal circuito Unicoop Firenze.

-Seconda classificata per –Narrativa inedita- al Concorso nazionale “Città di Fucecchio” 2015

con il racconto “Notte di guardia”.

Giovanni Campi, dalla raccolta inedita "speculo imaginario", nota di Laura Caccia

Imago in-verso

Continue rifrazioni illuminano i sonetti di speculo immaginario: Giovanni Campi ci conduce “per specchî speculando”, in un intenso dire e contro-dire, dove tutto si altera e modifica.

Come per effetto di uno specchio deformante, che, da molteplici punti di vista, distorce il reale, ne fa finzione o più autentico rimando. O come per azione del pensiero immaginante che offre infinite possibilità di richiami. Tra riflessioni metafisiche e rimandi cosmici, tra “il vuoto pieno” e il “fininfinito”, tra speculazioni filosofiche e la ricerca di un senso “forse diverso, forse d’inverso”.

Soprattutto rifrangendo immagini legate alla parola, dove il verbo e il nome si sfaccettano nei loro molteplici e contrapposti significati. Ponendo in continuazione questioni di senso per la lingua. Fino a intravedere “come / finire il dire e il dare vita al nome” e a chiedersi: “il nome il nume?”. E concludere la raccolta con l’ultima interrogazione: “come dire / daccapo allora? forse da non dire?”.

Nel contrasto tra la forma stabile del sonetto, della rima, degli endecasillabi e l’instabilità di un pensiero che dissuona e diverge, rovesciando di continuo l’apparenza, lo specchio poetico di Giovanni Campi ci pone di fronte alle opposte, celate e insieme riverberanti, immagini del sé, del pensiero, del dire. 

 

premessa
 

per specchî speculando, trovo corde sottese e tese come precordiali
ricordi di cordoni ombelicali:
il nodo, stretto e costretto, discorde
 

di vita dono – di morte diventa;
di morte in vece che di vita il dono
concorde in nodo s’inventa perdono:
l’imaginario, sí, l’imago tenta:
 

l’es il se vede – irriflesso riflesso
in sé, né di qua né di là, ma proprio
’n quel punto dello spunto, dove, flesso,

e tocca ed è toccato, espunto improprio
secante in curva la linea esemplare:
se vizio infine ridetto esemplare

speculo imaginario primo

virtú m’appare, sí, ma dir lo stesso
no, forse diverso, forse d’inverso
a poco a poco esemplare, fin verso
la copia, se copiosa, di sé stesso,

l’odiosa l’amata, non d’altro ancora
una volta único ma doppio inséme
il bianco goccia a goccia il nero seme
di chi di che se sempre, o mai, s’adora

insémina com’è chi ne dispare
o che – se in sé, o meno, la mina mínima
aggetta a ciò miniata qual traspare

la non implosa única – mente plúrima
esplosa se frangente e franta come
chi giunto o non, disgiunto allora al nome

speculo imaginario quarto

non piú di nulla pieno vuoto il tutto
né mai di tutto vuoto pieno il nulla
d’allora senza che ma d’ora in culla
di doni il nido quasi come un frutto

di nuovo avvolto ’n copia a l’un’imago
o l’altra, l’ali d’arti me l’artícola
in gioco il frullo il guizzo o disàrticola
qual fiocco fioco in fuoco di vago

la vena il ritmo in síncope che va,
e va e viene, líbera la mente
disvela il velo il gelo, se demente

immoto moto dal di qua al di là
finito l’infinito che è costrutto
senza costrutto l’essere distrutto

speculo imaginario terdecimo o ultimo quarto e ultimo

imàgina: lo spèculo la copia
che pàgina su pàgina sen muove
di moto immoto, rècita di nuov’e
d’antiquo insème, in esemplare copia

nesciente il nome il nume? nota a nota
scompàgina il dissenno in parte a parte
e lettra a lèttera la díssona arte:
dissémina, dai màrgini men svuota

la voce il suono, corda a corda, l’èssere
a niente il niente per esempio, o il tutto,
a niente anch’esso, quasi come un lutto

l’idèntico o la differenza, tèssere
andate perse, in fine, e come dire
daccapo allora? forse da non dire?

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Giovanni Campi, non importa né dove né quando è nato, e neppure se, piú che scrivere, scribacchia, o viene scritto; taluni testi sono in rete (Carte Sensibili, La dimora del tempo sospeso, Nazione Indiana, La poesia e lo spirito, Poetarum Silva, Versante Ripido, etc.), talaltri in antologie, sotto varî nomi, nel mentre il suo, di nome, compare sulla copertina d’un dialogo – “l’irragionevole prova del nove” – tra due men che personaggî da nulla, Simpliciter & Complicatibus, suo libro d’esordio edito dalla Smasher Edizioni nella collana "orme di teatro", maggio 2014, ormai fuori catalogo; vincitore della settima edizione del premio Mazzacurati-Russo con le prose de l’inoperosa opera “babbeleoteca minuta”, il volume poco voluminoso rimase però allo stato phantasmatico, tuttavia e se non altro alcune minuzie & minute di esso trovarono la voce di Marion D’Amburgo nel corso di Bologna in Lettere 2015; la sua seconda (irragionevole, inoperosa) opera è una raccolta di sonetti: “abbecedarj paralleli”, ebook edito in collaborazione tra larecherche.it & versante ripido.it, 1 marzo 2016, poi stampato in forma privata & fuori commercio a cura di Silvia Secco per le sue Edizioni folli.

Franco Falasca, poesia inedita “Aglio e malinconia”, nota di Ranieri Teti

“Aglio e malinconia” potrebbe essere il soggetto per una scena, di un ciac da film d’essai con quelle frasi, in questo caso versi, che resteranno nella memoria. Immagino una voce fuori campo che recita “quando suonavano non suonavano / ma ascoltavano”, oppure “quando ricordavano ignoravano”.

In questa poesia che, già dalla malinconia nel titolo si potrebbe definire “memoriale”, Franco Falasca riesce a mettere insieme nonsense e senso, a creare un luogo dove lo sguardo dell’autore è allo stesso tempo prossimo e distante.

In questo testo l’aglio è un dettaglio, potrebbe essere qualsiasi coltivazione portatrice di malinconia per chi sta scrivendo. Quello che inoltre sorprende è la capacità di Falasca di inventare situazioni poetiche astratte, sospese.

La chiusa, con “la storia contornata dai giorni”, può rappresentare una fusione tra metonimia e sineddoche rovesciata.

 

Quando entravano e uscivano

la poesia ne risentiva

quando suonavano non suonavano

ma ascoltavano

quando atterravano ricordavano

quando ricordavano ignoravano

quando la terra era solcata

da aglio e malinconia

sopportavano i momenti

in attesa dell’entrata e dell’uscita

come un colpo di fioretto

sui ricordi che ritagliavano

la vita

mentre la vita ritagliava

le ripercussioni emotive

avvolte nella carta dei poemi

grazie a te che mi seguivi

coerente nell’azzurro

della storia

contornata dai giorni.
 

http://www.francofalasca.it/curriculum/curriculum.htm

Francesco Fedele, prosa inedita “Rassettare”, nota di Mara Cini

Poiché anch’io sono accumulatore ossessivo-compulsivo.

Poiché anche a me sfiora l’idea che potrei tirare fuori un romanzo epistolare da tutte le carte e lettere che ho conservato.

Poiché sono d’accordo: la mia casa e i miei oggetti parlano di me meglio di qualunque autobiografia che non scriverò mai.

Poiché, sebbene in anni ben più lontani, sono partita, come l’autore, da una frazione di paese per una capitale europea (e questo ha cambiato il nostro sguardo sul mondo) vorrei dire a Francesco Fedele che le sue partenze e i suoi ritorni sono forse troppo recenti perché la memoria, nel rassettare, si riassetti…

A volte occorre fa raffreddare i ricordi per farli riapparire scrittura, sulla pelle della pagina.

 

Rassettare

L'ho sempre trovata una azione catartica. Ѐ come mettere ordine nella propria vita. Sistemare l'anima. Oggi l'ho fatto nella vecchia casa dei miei. La mia stanza, quella in cui ho vissuto e che parla di me, meglio di qualunque autobiografia che non scriverò mai. Mi apre un mondo di emozioni. Ho trascorso una ventina di anni qui, quotidianamente. Poi sono andato via.

Qui ci torno quindici giorni d'estate, sette d'inverno. Sono cambiato irreparabilmente nei restanti dì dell'anno, quante metamorfosi subite, certe volte mi chiedo chi sono, e mi riconosco solo in parte.

Però queste quattro mura parlano e mi conoscono molto più di quanto possa pensare.

Per esempio ho sempre considerato di non essere una persona materialista, eppure sono pieno di cose. Sono anche un collezionista, questo mi rende un accumulatore ossessivo-compulsivo, ma il fatto che mi rimbocchi le maniche con la buona volontà di far fuori il superfluo, vuol dire che non sono ancora patologico.

Mettere in ordine non sarebbe così difficile, se non fosse che ogni oggetto mi ricorda qualcosa, un posto, qualcuno, una esperienza.

Mi fermo a dare un'occhiata, a leggere un foglietto, prendere un vecchio biglietto, un appunto, un disegno, libro, una foto o una cartolina, persino oggetti di uso quotidiano.

Dietro c'è una persona, con cui viaggiavo, o che cercavo di raggiungere.

Il biglietto di Fanny, mi ricorda il rientro a BCN dopo aver vissuto a La Coruña, si augura che sia stato bene e mi ricorda che ho una piccola famiglia anche lì.

Sono passati già sei anni, eppure mi sembra ieri.

I saluti in coreano di Boyun, di cui conoscevo la traduzione, ma di cui a malapena adesso riconosco il mio nome.

Quelli di Mathieu, la maglietta firmata da tutti gli amici erasmus della mia despedida, i bicchieri rubati in vari pub, monete e banconote globali, i pacchetti delle sigarette in varie lingue del mondo.

Ritrovo delle lettere. Persone che mi volevano bene, amiche di penna, alcune lettere di ex.

Che diventassi letterato lo si capisce da questo. Scrivere, mi piaceva già allora. Mi sfiora l'idea che potrei tirarne fuori un romanzo epistolare, ma il proposito scorre subito via. A chi interesserebbe nell'epoca di facebook?

Il problema principale, soprattutto con questo caldo sarà sistemare i miei circa mille fumetti.

Mi ripeto ormai da diversi anni che dovrei prima o poi farne un inventario, alcuni ormai hanno anche più di 20 anni da quando li ho acquistati, altri da collezione superano i cinquanta, potrebbero valere anche qualcosa dal punto di vista economico.

Mi conosco però, alla fine comunque non li venderei. Sistemo i testi. Dal fondo sbuca un libro, il primo in assoluto.

Mi vergogno come un ladro oggi, però l'ho messo in prima fila, accanto a Dostojevskij, Bukowski, Fante, Borges, Sartre, Calvino ed Hemingway. Una biografia. L'eroe di un bambino di 9 anni, di un bambino interista, che quando andava dal barbiere (nonostante il tempo trascorso e la moda si chiama ancora così qua), chiedeva che gli facessero un taglio con il ciuffo del suo beniamino.

Certo oggi la biografia di Nicolino Berti, non c'azzecca un granché con questi colossi, eppure è stato il primo libro che abbia letto di gusto e per scelta, e per simpatia ovviamente, sebbene ormai appartenga a un calcio scomparso e ormai dimenticato, ho deciso, con buona pace per l'ego di premi nobel e grandi letterati, avranno a fianco (almeno fino alla prossima rassettata) il faccione sorridente del centrocampista dell'Inter dei record.

Su uno scaffale spuntano i depliant della mia prima volta in Spagna, ormai quindici anni fa. Quando ancora non esistevano le compagnie low coast, ho conservato tutto di quel primo viaggio da maggiorenne all'estero, i biglietti aerei sembrano quelli degli anni cinquanta...

Negli ultimi anni ho spesso riflettuto sulla sfortuna di essere stato bambino negli anni ottanta, in quanto maturo lavoratore sfigato nel duemila, però da questo punto di vista, siamo fortunati.

L'idea di prendere un aereo verso una capitale europea, quasi tutte senza visti e senza cambi di valuta, e soprattutto che costi quanto una vecchia corriera Reggio Calabria–Catanzaro, è una grande fortuna. Non sarei stato quello che sono oggi senza il signore irlandese che ha dato inizio al tutto.

Le borse di studio che ho avuto all'università sarebbero state forse spese in treni di bassa categoria, però forse conoscerei meglio la Calabria anziché l'Europa, chi lo sa.

Sistemo anche qui e do una passata con la pezza, l'oblio è concretizzato dalla polvere, si deposita, come un velo che copre la memoria. Nell'angolo in fondo il basso elettrico è forse l'oggetto più impolverato.

Ho suonato in un gruppo, che io definivo grunge, Marco, il chitarrista, definiva progressive, Carmine, il leader, definiva punk melodico e Coci il batterista definiva ska con influenze funk. Ebbene, se ero confuso allora sul nostro tipo di musica, lo sono ancora più oggi. Non è rimasta nessuna traccia tangibile di questa esperienza sui palchi, allora internet dalle nostre parti era agli albori, nessuno aveva cellulari che fanno foto o video e noi stessi da veri rocker non ci eravamo mai posti il problema di farci immortalare.

Perciò niente di niente, se non il ricordo di quei pochi aficionados che ci hanno seguito alla festa del liceo 1999, in un paio di concerti nel reggino e nella storica saletta.

Qualcuno diceva che eravamo gente che spacca, ma hanno fatto presto a dimenticarci, chissà, se il chitarrista e il frontman non fossero partiti per il militare, se io non avessi cambiato aria, andando all'università e se non ci fossimo persi di vista con il batterista...

Già, se e se, era destino, anche se credo che sia, come dice un caro amico, il fato è la giustificazione dei perdenti. Semplicemente altri progetti avevano soppiantato i sogni di gloria rock 'n' roll.

Nello sportello sotto ritrovo vecchi schizzi, ho avuto un periodo di florida produzione artistica, tra il 2003 e il 2004 ho dipinto circa il 70 % della mia collezione personale.

Qualche schizzo, lasciato lì, dopo secoli non ancora trasformato in dignità di quadro, ne ho per 30 tele ma vincere l'inerzia della mia pigrizia è piuttosto arduo.

Dietro tra le tante cose, sbucano le targhe delle prime vittorie in concorsi letterari.

Passo sopra la mano come a lucidarle, poi le butto via, di getto.

Mi dico che ne verranno delle altre, magari più importanti.

Mi ricordano le prime emozioni, le prime soddisfazioni da giovanissimo autore.

Dopo qualche secondo ripesco solo la prima. Ѐ giusto che la tenga, mi ricorda una delle più belle serate della mia vita. Mi ci sono affezionato.

Io però sono stato pure questo, anzi tutto questo. Quanti sono gli "ho fatto" in questa stanza, e mi chiedo se il mio io del passato sarebbe orgoglioso di me.

Sono forse troppo cattivo con me stesso, dopotutto credo proprio di sì.

---

Francesco Fedele è nato nel 1981 a Reggio Calabria.

Cresciuto a Bagnara Calabra (RC), scrive e dipinge dall’età di quindici anni.

Dopo essersi diplomato nel liceo del suo paese, si iscrive alla facoltà di lettere moderne dell’Università degli Studi di Messina. È stato assegnatario di una borsa di studio Erasmus alla UAB di Barcellona nel 2006, dove ha appreso spagnolo e catalano.

Laureatosi nel 2007 con il massimo dei voti, ritorna in Spagna con uno stage retribuito del progetto Leonardo, lavorando presso la Biblioteca Provincial di La Coruña (imparando gallego livello A2) .

Tornato in Italia si è abilitato nel 2009 alla Scuola Interuniversitaria Siciliana di Specializzazione per l'Insegnamento Secondario di Messina classe 43/50.

Dal settembre dello stesso anno ha lavorato ad Asti, dove ha insegnato in numerose scuole della provincia partecipando nel 2010 al progetto europeo Comenius promosso dall’istituto comprensivo di Rocchetta Tanaro (AT) in Andalusia e Francia.

D’estate per più anni ha lavorato come GL (group leader, accompagnatore/animatore) per la Ih, Accademia Britannica, presso la sede dell’Anglia Ruskin College di Chelmsford (Essex, UK).

Ѐ stato tra i relatori del Salone del Libro di Torino 2013 e ha collaborato con un reading musicale/poetico da lui ideato alla manifestazione astigiana A sud di nessun nord.

Ha partecipato a mostre collettive e personali nei luoghi in cui ha vissuto. Vicolo Cielo, la sua prima silloge pubblicata nel 2012, ha vinto diversi premi in concorsi letterari nazionali.

Da settembre 2014 vive a Siracusa.

 

 

 

Giovanni Fontana, da “Discrasie”, Novecentolibri 2018, nota di Rosa Pierno

Un continuo spostamento strategico ove l’obiettivo è la trasfigurazione visiva e acustica. Con influenze, intersezioni, mescidazioni, Giovanni Fontana in “Discrasie” complica la linearità testuale. Ciò comporta una continua sfasatura, non solo riguardo ai significanti, ma soprattutto ai significati. La scrittura evade da un contenitore canonico, trasborda per invadere altri campi, utilizzare altri media. Esce dai binari. Elasticamente sfugge alla presa, decentrando ogni questione. Non è una fuga in avanti, sebbene Fontana non manchi mai di ironia. La sua scrittura è un processo che moltiplica e fa esplodere le contraddizioni, che spinge le parole lungo i bordi della pagina e, imprimendo loro direzioni impreviste, le libera da sistemi irrigidenti e le apre a una nuova progettualità. Fontana è molto attento a legare, inoltre, strettamente la sua scrittura a una corporalità che è garanzia di autenticità, ma soprattutto di superamento, fra le altre cose, dei limiti tra organico e inorganico, tra io e collettività.

 

da Partita doppia

dove nominar le cose è realizzare cose / e la composizione è per campi sonori / per fasce sovrapposte / e la scrittura d’azione e le pittografie salgono / così che entrambi i settori pongono attenzione alla gestualità / per cacciar via la musica / con i bambini che corrono nella stanza

è l’utilizzazione di fonemi / di testi poetici smembrati / di frammenti di parole / di brandelli testuali passati di voce in voce / affidati da musicisti a vocalità non impostate / a voci recitanti impegnate in ricerche radicali / a sonorità mai frequentate prima in campo musicale

rincorrendo dimensioni spazio-temporali attraverso il movimento / l’immagine / la presenza del corpo e degli oggetti / il gesto / allora / si spinge oltre il suono / per considerarlo un puro e semplice residuo / le partiture ricche di indicazioni di comportamento dicono notazioni assai speciali.

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Giovanni Fontana è poliartista, performer, autore di numerose pubblicazioni in forma tradizionale e multimediale, noto in campo internazionale; è architetto, nato nel 1946 a Frosinone, vive e lavora ad Alatri. È tra gli autori storici della poesia visiva e sonora internazionale e teorico della poesia pre-testuale e della poesia epigenetica. Tra le sue più recenti opere, la pièce radiofonica Strategie sonore sull’alcova dannunziana (Paris 2017) e Poema Bonotto, videopoema pubblicato in USB per drive dalla Fondazione Bonito, Molvena, 2017. La sua produzione sonora è documentata in una vasta discografia. Tra le più recenti scritture creativesi collocano Déchets, Dernier Télégramme 2014 e Questioni di scarti, Polimata 2012 Premio Feronia2013. Ha scriTto numerosi saggi. Ha collaborato con numerose riviste italiane ed estere. Ha fatto parte della redazione di Tam Tam, Baobab e Altri termini. Ha fondato la rivista di tecniche multimediali La taverna di Auerbach e l’audiorivista Momo. È direttori di Territori. Rivista di architettura e altri linguaggi. Ha al suo attivo oltre Seicento mostre di poesia visuale.

Daniele Gorret, da “Amaro sol per voi / m’era il morire”, Raffaelli 2017, nota di Rosa Pierno

Una vera e propria lode agli animali (“Sulla tomba dei propri cani” è il sottotitolo della raccolta) i quali divengono la voce dialogante privilegiata, quella rispetto alla quale verificare tutte le posizioni, da quelle filosofiche a quella politiche, da quelle poetiche (e il cane Bobi “più che poeta, è la Poesia”) a quelle storiche. Le lodi agli amati compagni non hanno interruzioni nel libro di Daniele Gorret “Amaro sol per voi / m’era il morire”. La voce del poeta innalza una contrapposizione solo apparente con gli animali, giacché il suo scopo è la riduzione della contraddizione a similarità, ma il suo è anche un modo per smantellare i rigidi luoghi comuni, per ridurre gerarchie pretenziose a un più sano livellamento. La poesia di Gorret apre, dunque, a una verifica della distanza tra essere umano e animale, riducendola, consigliando “di far più l’animale e meno l’uomo”, ricercando un modo “d’essere un altrove” e invitando a non considerare limitate le capacità espressive degli animali per l’assenza di linguaggio verbale, di cui il libro stesso è, d’altra parte, un simbolo con la sua esibita specificità linguistica e poetica.

 

Entrando con te in casa l’innocente

anzi entrando di persona l’Innocenza,

disordinasti non poco la famiglia:

padre e madre ormai già poco amanti,

fratello e sorella ormai Caino-Abele,

e tu, semplicemente, che vivevi.

Come si fa, essendo differenti

(non di dettaglio, non di superficie

ma di statuto, sostanza ed esistenza),

a vivere insieme le stesse primavere

gli stessi autunni gli stessi capodanni,

condividere le nevi e le calure,

dire che si fa, più o meno una famiglia?

Chiaramente non si può, per nulla al mondo.

Ecco perché nel mentre t’accasavi

– i giorni si facevano mesi ed anni i mesi –

tu rimanevi comunque un’extraumana,

qualcosa che è così e non diventa un altro:

se mai eravamo noi – gli umani ed i borghesi –

a farci un po’ di meno di uomini o di donne,

un po’ più inclini ad essere di terra,

Un po’ meno di società e di denaro.

---

Daniele Gorret (Aosta, 1951) ha esordito come narratore nel 1984 con Sopra campagne e acque (Guanda) cui ha fatto seguito una quindicina di testi in prosa. Nel 2003 ha pubblicato il suo primo libro in versi: Ballata dei tredici mesi (Garzanti) seguito nel corso degli anni da altri otto volumi tra cui ricordiamo Cantata di Denaro (Mobydick, 2006), Compendio di Retorica (Campanotto, 2008), Che volto hanno (LietoColle, 2011, Premio “Guido Gozzano”) e Quaranta citazioni per Anselmo Secòs (LietoColle, 2015, Premi “Carducci” e “Rubiana-Dino Campana”). Suoi testi sono compresi nelle antologie Narratori delle riserve (Feltrinelli, 1992) e Racconti italiani del Novecento (Meridiani Mondadori, 2001). Per il teatro ha scritto Collasso (1999), Carie (2000) e il radiodramma di RadioTre Due (1998). Studioso dell’opera dell’Alfieri e traduttore di testi francesi del Sette e del Novecento, da Sade a Céline, da Caillois a Ponge, Malraux e Blanchot.

Maria Grazia Insinga, da “Tirrenide”, nota di Giorgio Bonacini

Una delle caratteristiche proprie della poesia è l’andamento sonoro che ne scandisce il tracciato, qualunque esso sia: lineare, accidentato, spezzato, in una struttura lirica o poematica. Ma questo, che sembra un’evidenza naturale, implicita e assodata del “dire in versi”, in realtà non è affatto scontata nella sua valenza profonda. Ed è proprio questa difficoltà (felicemente attiva, possiamo dire) a dare, con i suoi tratti distintivi mai univoci, particolari e indefiniti sensi a ogni esperienza di scrittura. La raccolta di Maria Grazia Insinga nasce e si sviluppa dentro un’architettura che non disgiunge suono e senso: anzi, li incrocia e li annoda in un movimento che porta la parola a “precipitare” dal “dirupo fonetico”, dove il corpo-fonema (così l’autrice sembra indicare la poesia che si fa verso anche dal nulla) senza mai distruggersi, si disgrega e si riforma, aggiungendo continuamente, all’intimità dei suoni, un accadimento impensato: l’apparizione pura e vitale di qualcosa che sembra inidoneo o sbagliato, mentre è, nella sua essenzialità, un refuso mistico. Un ritmo incongruo che nel suo errare (a volte in linea, a volte claudicante) all’interno del poema, arricchisce un dire che tende alla non-perfezione. A un’esistenza, cioè, in continuo cambiamento inaspettato, dove “il vero pensiero è...cedere al sogno” la sua forma e la sua facoltà. Perché la poesia è sempre discontinuità. Non è mettere ordine nel caos, bensì attingere da questo modulazioni e sommovimenti per “incendiare la voce”.

 

dalla sezione LE TUFFATRICI

 

*

l’altra cavalca su posidonie

in una regione del cervello piena d’acqua

e cavallucci microscopici non è udibile l’udibile

di questa musique à boire rumore bianco e bianco

mangiare la parola è qui cosa è presenza non quella

giusta né la soluzione né idea di luce perché qui

tutto è nuovo nulla ripete e nulla è in vita grazie a dio

 

*

e dall’infinito areale un corteo di posidonia sbuca

mostruose evoluzioni di unicorni e sirene in miriadi

di ippocampi la cui polvere è cura è linea di flusso e luce

tra opera viva e opera morta pinne dorsali disseccate

rapidissime farfalle cavalcatura e guida dei mostri

 

*

tutto di mala faccia da per tutto
ingoiare la gola a imbuto e lei
ci passeggia sopra su in strada
per tirrenide il viaggio è già
compiuto e alza lo scirocco e
il pianeta è perfetto sto per
sto per morire e tu parli parli

 

dalla sezione IL SONNO

 

*

si fa parte da svegli

dello stesso sonno

e al risveglio tutto è lì e tutto è

come sembra e ripopola tirrenide

o era insonnia? e il sonno

si appropria di tutto anche nulla

e del tempo insonne in tempo

sempre il tempo va a tempo

 

*

fa parte almeno da dormienti

del tuo stesso sogno? non credere

ognuno va a credere di nominare

ma non è non è per nulla il caso

---

Maria Grazia Insinga, siciliana (1970), dopo la laurea in Lettere moderne, il Con­servatorio e l’Accademia musicale si dedica all’attività concertistica. Nell’ambito degli studi musicologici censisce, trascrive e analizza i manoscritti musicali inediti del poeta Lucio Piccolo. È docente di ruolo presso l’Istituto “G. Verga” di Ac­quedolci dove insegna Pianoforte. Nel 2014 idea La Balena di ghiaccio, il premio di poesia per i giovani in memoria del poeta Basilio Reale. Nel 2019 idea il Premio Lighea – sostenuto dalla Fon­dazione Famiglia Piccolo di Calanovella – per fare poesia con gli studenti delle scuole. Ha pubblicato libri di poesia: Persica, vincitrice del concorso “Opera prima” (Anterem, 2015); Ophrys, finalista al XXX “Premio Montano” (Anterem, 2017); Etcetera, leporello in versi illustrato da Alessandra Varbella (Fiorina, 2017); La fanciulla tartaruga, carnet de voyage illustrato da Stefano Mura (Fiorina, 2018). Alcuni testi in versi si trovano in riviste e antologie: Il rumore delle parole a cura di Giorgio Linguaglossa (Edilet, 2014); Blanc de ta nuque vol. II a cura di Stefano Guglielmin (Le voci della luna, 2016); Umana, troppo umana a cura di Fabrizio Cavallaro e Alessandro Fo (Aragno, 2016); Punto. Almanacco di poesia a cura di Mauro Ferrari (puntoacapo, 2017); Osiris Poetry n. 84 (Andrea and Robert Mo­orhead, 2017); Trivio. Polesìa vol. IV a cura di Ferdinando Tricarico (Oèdipus, 2017); Il corpo, l’eros a cura di Franca Alaimo e Antonio Melillo (Ladolfi, 2018); Fuochi complici. Saggio di critica letteraria di Marco Ercolani (Il Leggio, 2019); Sicilia. Viaggio in versi a cura di Lorenzo Spurio (Euterpe, 2019). Nel 2017 con Historica edizioni pubblica in Itinerari siciliani (a cura di M. A. Ferraloro, D. Marchese, F. Toscano) un saggio, “L’ondina siciliana e il sortilegio della voce”, sulle sirene viste attraverso il racconto di G. Tomasi di Lampedusa, La sirena. Nel 2019, la raccolta in versi Tirrenide vince la XXXIII edizione del Premio Lo­renzo Montano.

Vincenzo Lauria, dalla raccolta inedita "L’in/cubo di Rubik", nota di Laura Caccia

Nel faccia a faccia

Come si può leggere e interpretare la prima parte del titolo della raccolta di Vincenzo Lauria, L’in/cubo di Rubik? L’in/cùbo, con cesura indicata dal segno grafico, come farebbe pensare il richiamo a Rubik, una ricerca di sé definita dall’acrostico “Indovinarsi Naufraghi Cercare Universi Balenanti Oltranze”, o l’ìncubo al quale non si può non riferirsi entrando nel vivo del testo in cui “smisurata/mente infinito - / finito / perso, perso l’ordito / l’ordigno è tra le mani”?

Nel capovolgimento continuo delle visioni, nel moltiplicarsi delle sfaccettature, “nel corpo a corpo / nel faccia a faccia”, quello che si intravede, è l’immagine a pezzi di un’identità perduta e disgregata. Quale compito si prospetta allora di fronte al cubo scomposto di sé?

La scelta di Vincenzo Lauria non è quella di tentare una ricomposizione omologante dell’apparenza, bensì del riconoscersi nelle “dis/identità”, nel massacro delle facce, come “un urlo di Munch a ripetersi”, nel naufragare, nello spalancare attraversamenti d’oltranze.

Quale spirito maligno, vero e proprio incubo, vorrebbe portarci invece all’omologazione, al rifiuto della frattura identitaria, alla negazione dell’altro e dell’altrove che ci portiamo dentro? E quale spirito, poetico, al contrario, ci consente di naufragare per trovare approdo in un’oltranza che si intravede balenare, di incontrare l’Altro, di riconoscerci altro?

 

 

Indovinarsi 1
 

La disputa dei colori,

nel tentare un risolutivo allineamento,

racconta di un divenire alterno,

dell’incastro di facce:

finestre/quadri nell’infinito prospiciente

in successioni di bellezze disarmanti.

Cronaca di una resa annunciata:

vittoria del marchingegno sull’ingegno

dell’ingenuità di perdersi nel perdersi.

È l’elemento - disgregato dall’insieme -

figura a sé a margine dello scomposto gioco,

dado privato della magia del numero

lanciato per un andar nel fuor di sé.

 

Oltranze 2

 

Il confine - mobile - con l’Altro

coincide con l’inizio del Se stesso

mentre l’in/cubo del doppio

si sovrappone alle sovra/esposizioni

e le prospettive si moltiplicano

in rotazioni di quadri e di ri/quadri.

La ricerca - in facce concomitanti - di una monocromia

risponde al purismo estetico,

riporta alla memoria logiche aberranti

in fondo al gioco delle possibili soluzioni

del rompiKapo.

 

Universi 3

 

In dirittura d’arrivo

la luce si smembra in spicchi

per un’ennesima rifrazione del troppo,

per un’altra mancanza del niente.

E qui - nel raccogliersi interno -

ha luogo un ricomporsi composto,

un rinsaldarsi del cosciente

un combaciare - sghembo - di frammenti.

In un colar di colle

l’immagine del sé si scornicia

e nell’imbiancar se stessa

- alla parete di là dal qui -

sanno di blu le nuvole di un nuovo mondo,

della possibilità dell’impossibile.

 

Naufraghi 8

 

È nelle massacrate facce l’in/cubo in enne copie

un urlo di Munch a ripetersi,

in pareti devastanti

lucide cornici intorno al vuoto.

 

Nel non appiglio sprofonda l’ossessione del vedersi

per il tramite dei quadri

per un cader del limite a contenere

per il raggirar se stessi.
 

L’amor proprio

solo ci scompone

refrattari alla risoluzione.

---

Vincenzo Lauria, nato nel 1970, inizia la condivisione del suo percorso nel 2001 all’interno di “Stanzevolute” gruppo di 11 poeti selezionati da Domenico De Martino (collaboratore storico dell'Accademia della Crusca e docente universitario di Filologia Dantesca a Udine).

Dal 2010 collabora con Liliana Ugolini ai progetti multimediali Oltre Infinito, Oltre Infinito 2.0, OL3 Infinito, Oltre Infinito 4 (Le stanze della mente). Dal 2012 Collabora con l’Associazione Multimedia91- Archivio Voce dei Poeti.

Ha partecipato a più di 40 reading e stampato in proprio 4 sillogi.

“Teatr/azioni” è stata pubblicata, con nota di Giorgio Bonacini, da Puntoacapo nel 2018.

Riconoscimenti:

Mar 18: Premio “I Murazzi” 7° edizione è tra i 26 selezionati con la raccolta inedita “L’In/cubo di Rubik”

Lug 17: Premio Lorenzo Montano 31° edizione è tra i 5 finalisti con la raccolta inedita “Teatr/azioni”

Giu 17: Premio Letterario Casentino 42° edizione è tra i finalisti e riceve il Premio Speciale della Giuria con la raccolta inedita “Alberi Improbabili”

Set 16: Premio Casa Museo Alda Merini I edizione è tra i 20 finalisti con la raccolta inedita "INF – INFernità IN Fieri”

Lug 16: Premio Lorenzo Montano 30° edizione segnalazione per la raccolta inedita "Oltre Infinito” scritta con Liliana Ugolini

Giu 16:  Premio Nazionale Elio Pagliarani II Edizione - la silloge inedita “Teatr/azioni” è tra le 9 semifinaliste.

Giu 16:  Premio Internazionale Città di Como – III Edizione: la videopoesia “FEDRA” (in 3 minuti) è tra le 3 selezionate (video: Vincenzo Lauria, musiche: Tommaso Pedani, testi: Liliana Ugolini, voce: Gaia Nanni)

Mag 16: Festival Visioni Shakespeariane 2016 selezione e proiezione del video blob “OFELIA – (Rilettura)”, testi poetici di Liliana Ugolini, Montaggio video: Vincenzo Lauria.  

Nov 15: Premio Lorenzo Montano 29°edizione segnalazione ricevuta per la raccolta inedita "Le stanze della mente” scritta con Liliana Ugolini

Stefano Marino, dalla raccolta inedita “un amore. uno squarcio. uno strascico...", nota di Laura Caccia

Stefano Marino, dalla raccolta inedita “un amore. uno squarcio. uno strascico. una sensazione di vulnerabilità. un senso di lutto”, nota di Laura Caccia

L’intreccio di tutto

Un dire senza respiro, che non riesce trovare sintesi, a partire dal titolo che dispiega un amore. uno squarcio. uno strascico. una sensazione di vulnerabilità. un senso di lutto, quello di Stefano Marino. Un dire senza tregua, altalenante e omnicomprensivo. In un intreccio complesso e drammatico tra tutto e il contrario di tutto, tra la vita e la morte di un’esistenza, tra l’inizio e la fine di un amore.

In quattro testi lunghissimi, dal ritmo serrato, la scrittura si muove da direzioni opposte, occupando con movimento alterno le due parti laterali dei margini: tra il dire e il suo riflesso, tra il sé e il non-sé, tra l’io e il tu. In un monologo fitto che vorrebbe farsi dialogo, ma che pare restare alla fine confinato sulla pagina. O, meglio, affidato alla pagina.

Un amore difficile colma l’interrogazione esistenziale che i testi delineano in superficie e nel buio del sommerso: sentimenti di desiderio e di disintegrazione, di passione e di vulnerabilità, di affetto e di lutto, in una “squilibrata scomposta alternanza di stati d’animo opposti”.

Con la fiducia, però, che Stefano Marino, nonostante tutto, ripone nella poesia, che consente di affrontare, con la forza della parola, una dolente e drammatica interrogazione esistenziale. Dove “è tutto qui l’esistere l’esserci il sanguinare”. Dove si tratta di “morire di vita”.

 

Da: 2.

scariche di lampi violenti, tormenti, coraggio

è ciò che manca qui,

dove il tempo sembra essersi fermato e

le parole i silenzi i suoni i rumori i piaceri i dolori

non bastano più a ricucirmi intero.

note di una canzone finita

deserto rimpiazza la vita

fili di aghi sospesi in cielo non colmano la distanza,

così forte la lontananza:

un amore uno squarcio uno strascico un senso di lutto,

mi apri da dentro mi scardini mi nascondi mi disveli,

e lacrime sono sangue, caldo e rosso e scuro,

come sentimento d’amore obliato ormai andato ma

mai cancellato

Da: 3.

un balbettio montaliano e un cuore dislessico

mi guidano e insieme mi sviano

nel mio procedere avanti e indietro

e attraverso e ovunque e in nessun luogo e soprattutto

ora e sempre e mai.

e tutto, m’accorgo a posteriori, nasce solo

dall’interrogazione di un viso,

dal non saper cosa celano

occhi e mani e orecchie e labbra, silenzi e sillabe,

scambi di opinioni e attimi sfiorati e sfioriti,

dal credere di intuirlo,

dal comprender poi d’aver frainteso,

dal soffrire immancabilmente ingannandomi e smarrendomi.

un cuore dislessico e ali inadatte al volo e

piedi inadatti al suolo e mani incapaci di presa e

cuore troppo gonfio d’amore per poter odiare realmente

e così trionfare: sto morendo ma non me ne avvedo, mi rendo conto

troppo tardi di non-essere ed esser-stato:

non più? mai più? e perché poi?

nulli i miei meriti, usurpato

ciò che ho ottenuto, a partire dal

primo respiro e vagito, dall’ultimo sorriso

prima del pianto quando finalmente ti ho capita.
 

Da: 4.

ti temo infinitamente, mostro, sentimento complesso

in cui morte e vita s’intrecciano s’amano s’odiano s’estenuano

con esito nullo infine ogni volta e sempre così:

sia maledetto ciò e chi lo originò nell’infanzia,

la natura la pulsione la vita-morte che

vuole tutto questo vuole me e non-me:

capace di nolontà sarò forse un giorno

o forse no, o forse sì, o forse è un no ch’è anche un sì.

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Stefano Marino, Professore Associato di Estetica all'Università di Bologna dal 2019, svolge le sue ricerche nell'ambito dell'estetica. Gli interessi di ricerca sono rivolti in particolare alla fenomenologia e all'ermeneutica filosofica, alla teoria critica francofortese, al pragmatismo, alla filosofia della musica e alle teorie della moda. Autore di numerose pubblicazioni (monografie, traduzioni di libri dal tedesco e dall'inglese, volumi e fascicoli monografici di riviste come co-curatore, articoli, capitoli di libro, recensioni), ha partecipato a numerosi convegni, seminari e workshop in Italia e all'estero.

Giulio Marzaioli, da “Il volo degli uccelli”, Benway Series 2019, nota di Rosa Pierno

Giulio Marzaioli in “Il volo degli uccelli” scrive la sua enciclopedia: tutto lo scibile possibile sul tema. La descrizione è naturalmente la modalità principe, ma venata da un’ironia lieve e giocosa, anche se il tema è un tema universale, giacché ne va del mondo e della nostra presenza in esso. Certi riferimenti stilistici francesi (Ponge, Quenau) sostengono da lontano l’apertura a ventaglio che Marzaioli effettua con la sua capacità di investigare tutti gli aspetti umani a partire da un solo interesse. Inoltre, invertendo spessissimo la centralità umana in favore di quella animale, l’ironia prodotta da tale oscillazione procura una messa in discussione di credenze e percezioni mostrando come, proprio a partire dalla descrizione, possano aprirsi baratri in quello che crediamo di conoscere. La cultura contribuisce spesso a un’omologazione e alla perdita del sé. Niente di meglio che il desiderio di volare e, senza paura, di ricominciare dalle cose che consideriamo più scontate.

 

*

“Lo studio del volo degli uccelli non può essere in alcun modo considerato un lusso. I tentativi dell’uomo di costruire marchingegni che permettano il volo non possono essere considerati un lusso. I disegni di quei marchingegni sono stati necessari all’uomo più di qualsiasi opportunità di volare da un luogo a altro luogo.

I disegni dei marchingegni di volo sono stati necessari fino a quando non hanno consentito realmente all’uomo di volare. Poi sono diventati utili.

Quando si conquista il cielo si perde la leggerezza racchiusa nel disegno e non c’è recupero nell’atterraggio, poiché si è mantenuto il peso. Tanto vale non illudere la gravità e rassegnarsi all’assenza di propulsione.

Nel battito d’ala la propulsione è provocata dai vessilli interni, più larghi di quelli esterni, nell’alternarsi delle battute verso l’alto e verso il basso affinché siano piegati i vessilli interni verso l’alto, nella semi-battuta dorso-ventre, e venga così spinta indietro l’aria; o verso il basso, nella semi-battuta ventre-dorso, per assicurare comunque la spinta indietro dell’aria. In tal modo il corpo dell’uccello è spinto in avanti. Osservando un uccello volare è innegabile considerare come l’aria costituisca un elemento imprescindibile del volo stesso.”

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Giulio Marzaioli (Firenze, 1972) vive a Roma. Suoi testi, contributi fotografici e video appaiono su riviste cartacee e telematiche, plaquettes, opere collettive e antologie e sono tradotti in Francia, Stati Uniti, Germania, Spagna, Svezia. In poesia ha pubblicato varie raccolte, tra cui In re ipsa (Premio Lorenzo Montano 2005, Anterem Edizioni), Trittici (Premio Giancarlo Mazzacurati e Vittorio Russo 2007, Edizioni d’if), Suburra (2009, Giulio Perrone Editore, collana ‘inNumeri’ diretta da G. Alfano). In prosa è stato pubblicato il testo Quadranti (2006, Edizioni Oedipus; 2010, Mix Editions,). Ultimamente alla scrittura unisce la ricerca per immagini. Determinante, in tal senso, la decennale collaborazione con il centro culturale La Camera Verde, presso le cui edizioni ha realizzato plaquettes, cartoline, libri d’artista, pubblicazioni di vario genere. È stato curatore di eventi letterari e teatrali e ospite di università e festivals in Italia e all’estero.

Dimitri Milleri, dalla raccolta inedita "Sistemi", nota di Laura Caccia

Prove del dire

 

Come in una trama scenica, che rende fragile il confine tra reale e finzione, si sviluppa la raccolta Sistemi. Dimitri Milleri dà voce a situazioni difficili tra ombre e luci, sale d’attesa e sale prova, campi e fuori campi. Tra “schegge di sceneggiatura” e “l’abisso dietro l’angolo”.

Sullo sfondo, la trama poetica evidenzia la distanza tra desiderio e sospetto, attesa e finzione, dolore e approssimazione, in tutte le varie condizioni del vissuto. Tra i sistemi, nervosi e complessi, che danno titolo alle parti interne, e gli elementi discordanti che li mettono in crisi: l’inatteso a spezzare la scena o un impulso desiderante a insediarsi nel reale.

In primo piano trovano allora evidenza l’inciampo, l’incerto: “Se sia una morte o cosa”. A creare dissonanze, ma anche prodigi disvelanti, da cui si viene comunque esclusi: “quando / l’aspettativa prende posto nel reale, / è sempre un terzo, vedi, a rivelarlo, / restando escluso dal miracolo non meno / di chi lo vive senza nominarlo”

Cosa può fare allora la parola? Cimentarsi comunque con le prove del dire? Di fronte all’ineluttabile della vita e ai suoi ossimori, quando “d’un tratto / non serve più cercare / parole complicate o gravi toni / di voce”, Dimitri Milleri trova spazio per inedite invocazioni e intonazioni, corrispondenze nel buio e nel fiorire dell’esistere: un desiderio, forse, di “entrare / senza sospetti in detta fioritura”.

 

Da: NERVOSI

La sera di nuvole è scesa presto,

con la sua calca di molecole d'acqua

che nella corsa scanso.
 

Di certe conifere basse è rimasto

un grumo d’aghi, l’odore del polline

che batte quello del pulviscolo.

Il buio si è aggiunto alle nuvole

e le nuvole al buio.

Tutto è sbocciato dolcemente,

come una scena provata da tempo,

finché qualcosa si è spezzato

in una pioggia intensa:

troppo, per non chiedersi

che cosa accada quando impari a trattenere.

Se sia una morte o cosa.

 

Da: COMPLESSI

L’INTONAZIONE

I

Tavole nere, un’araldica

fissa sul segno meno, un giustapporsi

di cuspidi contrarie, come sai:

geni monotoni, che poi significa

magre combinazioni.

Se anche non chiedessi niente, il corpo

abbarbicato in dure geometrie,

sarebbe già messaggio — tu comunque

non ti sei mai sottratta. Quanto ti costi trovare i pigmenti

in questo nero, davvero non so

se tu lo sappia o meno,

né so cosa sperare, ma ho imparato

come i pronomi si confondano nel rito

che non si dà deviare —

la frase ripetuta a scongiurare

che l’ansia di servirti non sia peso

che sogni allontanare.

[… ]

Ne siamo usciti male: solo questo

vorrebbero scambiarsi, e non lo fanno.

La sanno e non lo dicono il fantasma

di aver potuto essere altrimenti:

sanno che passa, raramente appare

come un Saturno, un astro innominato.

In ogni modo l’hanno preservato

dai moti centrifughi della lingua

con gli anni luce e mille palliativi,

posticipando morti, collisioni

già consumate altrove, mentre sotto

come una velatura, mollemente

nidificava il parassita, l’evidenza

che certe volte non puoi fare niente
 

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Dimitri Milleri nasce a Bibbiena nel 1995. Dopo aver frequentato il liceo musicale di Arezzo si iscrive alla scuola di musica di Fiesole, dove frequenta il triennio di chitarra sotto la guida del Maestro A. Borghese. Esordisce nel 2017 con la silloge Frammenti Fragili, pubblicata dalla “Casa Editrice Rocco Carrabba” di Lanciano (Premio Tagete 2017). Suoi testi sono stati ospitati dai siti “Pioggia Obliqua” e “Inchiostro”, oltre che dal blog “Interno Poesia”. Sei poesie inedite si trovano all’interno dell’antologia Poeti italiani degli anni ’80 e 90’ edita da “Interno Poesia” e curata da Giulia Martini.

Marco Pacioni, da “Lo sbarco salato del risveglio”, Interno Poesia 2018, nota di Rosa Pierno

Il paradossale Mediterraneo che dovrebbe unire le genti che si affacciano su di esso, diviene il luogo di una separazione invalicabile soprattutto culturalmente. E che proprio la cultura possa essere luogo di separazione è la questione cruciale affrontata dal poeta. Quel mare che Marco Pacioni naviga, soprattutto attraversando la lingua. Al suo interno, le assonanze, le cesure, il rimosso o il manifesto costruiscono le traversìe sulle onde di una navigazione in balìa del vento come del suono: “che le parti sono un parto”, “il corpo giù verso un altr’alto “. Ma anche materiali di risulta, come quelli lasciati dalle onde sulla riva memoriale: ”smeraldo sui depliant in vetrina / all’agenzia Conrad” o “rimmel d’albe boreali su velieri fotomontati”. Sullo sfondo mobile del mare, anche le poesie dedicate a varie persone procedono “da logos a logos”, mostrando la centralità di un linguistico ondeggiare per recuperare l’altro, l’escluso.

 

*

sbanda gronda

che non puoi tenere il nome al logo

dare corda allenta il nodo

e continui a scorrere il palmo

cercare il capo con le dita

finire per iniziare

poi la risacca moto d’Orfeo

ti fa scordare

e la parola è già al largo

prima di girarti da verso

una lingua è salpata

 

*

ammaini a vista dello scoglio

per il dormiveglia nello sciabordio

spoglie sparte

sul pelo dell’acqua

invece del sonno

appaiono quattro rime smisurate

còria di squartamento a largo

lapidi a galla

amari ammari

amare ammare

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Marco Pacioni, insegna Storia del rinascimento nel programma USAC dell’Università della Tuscia (Viterbo) e per l’University of Alberta (Canada). È autore di Modernismo e condizione postmoderna (2005); Terrore, territorio e mare (2015), co-autore del libro su Proust Dalla parte di Marcel (2014); ha inoltre curato di Michele Ranchetti, Poesie edite e inedite (2008) e di Luca Della Robbia, La condanna a morte di Pietro Paolo Boscoli (2012). Collabora con “il manifesto” e “Alfabeta 2”. Ha contribuito al catalogo della mostra “La forza delle rovine” (Museo Nazionale Romano, Palazzo Altemps, Roma, ottobre-gennaio 2016).

 

Stefania Pastori, poesia inedita “Alda nel cuore”, nota di Ranieri Teti

Stefania Pastori riesce a dire di una cosa tremenda, come indica nel breve testo che precede questa poesia.

Riesce a dire di una violenza subita senza commiserazione, non pensando a se stessa ma a due altre viscerali presenze.

Un grande gesto d’amore è scritto in questa poesia dove il dolore si trasforma, quando si prende in mano la penna, quando finalmente è possibile scriverne.

Scriverne non è un atto consolatorio, non è denuncia.

Sorprende nel testo una lucidità estrema, filo teso tra i fatti e i sentimenti. Su questo filo cammina con passo sicuro l’autrice, senza guardare il vuoto. Gli abissi vengono tenuti a distanza dalla poesia, lo testimoniano i versi finali ripetuti non come cantilena, non come litania, piuttosto come mantra: “scrivere una poesia è riparare la ferita fondamentale” ci ha detto Alejandra Pizarnik.

 

*

"Partorii la mia secondogenita Sofia nel 2006. Nulla lasciava presagire la sua grave disabilità.
Combatto per lei da quando nacque. Per questa nascita (infausta? fortunata? Non so ancora) fui pestata a sangue dall'allora marito non più marito. Ecco perché mi fregio del nick Gloss, Gruppo di Lavoro e Osservatorio Sessismo e Stalking.

 

ALDA NEL CUORE

Difficile scrivere con Alda nel cuore
se il cuore si è infartuato proprio ieri
un dolore pugnale infisso nello sterno
un altro piantato tra le scapole
il respiro manca per il male simile
solo a quello del parto, del parto
della mia cucciola per sempre.
Sofia nata per filo, non crescerà mai
la sua disabilità si ingrandirà con lei
mi spacca il cuore e non per diletto
mi spacca il cuore e non per diletto
mi spacca il cuore e non per diletto
mi spacca il cuore e non per diletto
a letto sto. E buonanotte ai sognatori.
Noi non sogniamo più."

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BIOBIBLIOGRAFIA DI STEFI PASTORI GLOSS

Sceneggiatrice nei Novanta per Benvenuti, Verdone, Brizzi, selezionatrice di opere letterarie sotto contratto, redigo un blog di recensioni e un podcast radiofonico. Grazie ad un ex partner, mi posso fregiare dello pseudonimo di Gloss, Gruppo di Lavoro e Osservatorio Sessismo e Stalking. Nel 2013 esce CORPI RIBELLI, resilienza tra maltrattamenti e stalking. Poi due libri, un saggio sociologico STANDING OVULATION, le donne sono superiori agli uomini (anche nella violenza), e la silloge poetica MICA VAN GOGH, ispirata ai testi di Caparezza. La rivista online Dol's vara la mia carriera da novellatrice contro l'uso improprio degli stereotipi di genere. Sto approntando una nuova silloge di POESIE SPOLLICIATE, neologismo che riguarda lo scrivere coi pollici sullo smartphone, e un’ulteriore raccolta di RESISTERE PER SOPRAVVIVERE, racconti della Resistenza durante la II Guerra Mondiale a sfondo erotico. La raccolta di racconti STEREOTIPI A BAGNOMARIA, già sotto contratto di casa editrice fallimentare, è da marzo ‘19 al vaglio di altro editore.

 

 

Edoardo Penoncini, dalla raccolta inedita "Poesia compagna dell’essere", nota di Laura Caccia

Come eco in una conchiglia

Poesia compagna dell’essere di Edoardo Penoncini non mette in versi richiami metafisici, come il titolo parrebbe annunciare. I testi sono impregnati piuttosto di riflessioni esistenziali, dove predomina un sentire meditativo e sofferto sul trascorrere impietoso del tempo e sul senso contemporaneo del vivere e del dire.

Sulla perdita di parole nella comunicazione odierna. Sul linguaggio della citazione in rete, dove “tutto si dà per letto e introitato”. Sul celarsi della poesia “fuggita dai caffè e dalle piazze / per andare chissà dove”. Sulla forza tuttavia del dire, degli antichi ritmi, della “sapienza / delle parole rotte e ricomposte; // parole/stirpe semenza/parole”.

E se il tempo è considerato dall’autore come l’amante che non ascolta più le “suppliche a rinegoziare / i termini ormai stantii della / relazione”, resta la possibilità di un esistere desiderante, benché sofferto, cercando di “assecondare voglie d’avventure / salire sempre per restare qui / con tutte le paure dell’abisso / e le distanze dai confini assenti”.

Un’eco densa di nostalgia abita i versi: mentre in superficie la navigazione scorre sospinta dalle burrasche dell’esistere, la poesia, compagna dell’essere con cui condivide l’unità originaria, resiste in sottofondo. Sui fondali dove ne custodisce il suono. Quel suono che attende un ascolto, racchiuso come l’eco del mare in una conchiglia.

 

A Virgilio Giotti

 

era un deserto la vita al confine

tra i dolori di un’etnìa negata

diseredata dentro nere bocche

che spegnevano luci intermittenti

a poco a poco di voci infiochite
 

appena passaporto letterario

la poesia con i suoi progetti

fuggita dai caffé e dalle piazze

per andare chissà dove a Padova

o a Parigi, con i bastimenti

dell’Adriatica alla Terra dei Padri
 

ancora bastimenti riportavano

nel Golfo dal Golfo di Botnia i sogni,

nuove baldorie al caffè Rossetti

mentre la Bora portava il suo gelo

dalle innevate campagne di Russia

e nuove bocche a straziare la terra.

 

L’ora di notte
 

Cosa faccio in quest’ora della notte

amico del silenzio appena rotto

dal lento incespicare della stilo

scompaginando ogni mia certezza?
 

E passerà, lo sento passerà

anche il rovello dei pensieri cupi

in fondo porto ancora la sapienza

delle parole rotte e ricomposte;
 

parole/stirpe semenza/parole

rinnovando ogni cosa ogni radice

l’insonnia di notte restituisce

la direzione e i sogni della vita.

 

Sulla “rete”
 

si vive il tempo del citazionismo

dono e magia che scioglie parole

di Rilke e Lorca e dello Zibaldone

in una rete di nuvole e stelle

tutto si dà per letto e introitato

anche di lingue bevute a bizzeffe

vale la pena tacere del resto

la millantata lettura si sa

non è reato in questo firmamento

dove la lingua perde le parole

 

Leggendo E. Dickinson
 

Dicono che muore appena detta

appena nata lungo una strada

davvero, non muore appena nata

e certe parole anche a non sentirle più

sono marcate a fuoco nei nostri occhi

nascosti dietro due fette di salame

ma il suono della fame batte

come sempre a mezzogiorno e sera

alla porta di chi non parla mai

e li accompagna sorella fino alla morte.

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Edoardo Penoncini nasce a Copparo (Fe) il 20-12-1951, laureato in storia medievale presso l’Università degli studi di Bologna, è stato assegnista per quattro anni presso l’Istituto per la Storia di Bologna, redattore per tre anni della “Rivista di studi bizantini e slavi”, collaboratore per 25 anni della rivista “Scuola e didattica”, ha insegnato Lettere nella Scuola secondaria fino al 2011.

Suoi lavori di storia medievale e di didattica della storia sono apparsi su riviste e in volumi collettanei.

In versi ha pubblicato: L’argine dei silenzi, Este Edition, Ferrara 2010; Un anno senza pretese, Ibiskos-Ulivieri, Empoli 2012; La spesa del giorno, Ibiskos-Ulivieri, Empoli 2012; Qui non si arriva di passaggio. Ferrara,musa pentagona, Ibiskos-Ulivieri, Empoli 2012; Poesie scelte e dodiciinediti, Punto@capo, Pasturana (AL) 2013; Lungo è stato il giorno, Ibiskos-Ulivieri, Empoli 2012; Quell’aria, Ed. Giovane Holden, Viareggio (LU) 2015; Vicus felix et nunc infelix. La luce dell’ultima casa, Al.Ce., Ferrara 2015; L’occhio profondo, Al.Ce., Ferrara 2018; le raccolte dialettali Al fil źrudla (Il filo srotolato), Al.Ce., Ferrara 2015; in corso di stampa, Scartablàr int i casìt, Al.Ce., Ferrara 2015; Al paréa uŋ fógh adpàja.

Guglielmo Peralta, prosa inedita “L’essere e il nulla: il superamento del nichilismo”, nota di Mara Cini

Il nulla è l’impensato

Il sogno è l’altro nome…del nulla

Tra l’impensato e il sogno c’è un mondo di qualcosa, di ritorni, dove l’essere che si rappresenta dice.

Dire dice sembra allora negare il nulla, poiché dicibile e detto.

Il nulla esiste: nella sua figura di parola scritta, nella sua traccia grafica, nel suono dei fonemi e del vocabolo pronunciato, nella configurazione della sua parola pensata e, con un altro nome, nel sogno.

 

 

L'ESSERE E IL NULLA: IL SUPERAMENTO DEL NICHILISMO

La creatio ex nihilo non ha altro principio se non in sé stessa e cioè in quel nulla che le garantisce l'esistenza eterna, in piena corrispondenza con l'aseit๠di Dio.

Il nulla non è l'affermazione e il trionfo del nichilismo, la negazione dell'essere; non è il precipitare della vita nel gorgo della morte, ma è l'assenza di un qualcosa, cui si possa fare risalire la nascita del mondo; cioè preesistente alla Creazione, al Creato. In questa accezione, il nulla è quel Principio che ha nella Creazione la sua affermazione, in quanto essa è creatio ex nihilo. Il nulla è l’essere in sé, “in potenza”, che si fa atto, cre-azione, dunque, Essere, Verbo, Voce, Parola divina. L'identità tra l'essere e il nulla è la risposta alla finitudine dell'umana esistenza, di cui costituisce il superamento. Perché il nulla, in quanto è l’essere eterno, assicura la sopravvivenza oltre la morte. Dobbiamo allora ripensare col nulla il nichilismo. uestoQuesto, dopo i suoi primi esordi in campo filosofico con Gorgia, per il quale «nulla è, se anche qualcosa fosse, non sarebbe conoscibile, se anche qualcosa fosse conoscibile, non sarebbe comunicabile agli altri»², s’impone alla fine del secolo XVIII come dottrina negatrice degli ideali e dei valori tradizionali, nonché della stessa esistenza della realtà oggettiva, considerata solo una vacua e illusoria apparenza. Se il nichilismo, successivamente, ha in Nietzsche il suo più grande teorico, assertore e referente, se con lui si afferma e acquista notorietà e finisce per essere identificato, tuttavia, è in questo nostro tempo che esso, da semplice teoria, da pura visione del mondo si fa “pratica” corrente, dottrina viva, azione demolitrice quotidiana. Dissipati i valori tradizionali, tutto oggi sembra precipitare in quel nulla che il pensiero filosofico dell’Occidente, all’inizio della sua storia, ha definito come «ciò da cui le cose provengono e in cui alla fine ritornano». È questa un’affermazione vera, alla quale i nichilisti assegnano un valore negativo, in quanto essi negano l’esistenza di un «oltre» dopo la morte. L’asserzione assume il carattere di verità solo se diamo al nulla una connotazione diversa, positiva. Se il nulla è l’origine di Tutto non è possibile ammettere un oltre che l’oltrepassi, che sia prima di esso; dunque, il nulla è l’«oltre» invalicabile in cui Tutto già «è» e torna ad «essere». L’esistenza stessa non si pone tra la nascita e la morte, ma tra la venuta e il ritorno, rispettivamente, dell’essere «come» ente e dell’ente «in quanto» essere, ossia, tra il tempo dell’essere e la sua eternità. L’esistenza, allora, è la prova eclatante e miracolosa che il nulla esiste ed è l’essere trascendente e immanente al tempo stesso, in quanto esso è l’«oltre» invisibile e l’«ente» visibile col quale costituisce un essente: unione di anima e corpo, di spirito e materia. Alla fine della sua esistenza terrena, l’essere, scisso dall’ente, ascende alla sua dimora originaria. L’immanenza dell’essere è l’esistenza (ex-sistenza), o il «non essere» che non è la negazione dell’«essere», ma il modo diverso di quest’ultimo di essere, cioè il suo stare fuori come essente, nella forma, nella natura e nella condizione degli enti. L’esistenza, dunque, è la buona novella, l’annuncio dell’essere e la sua manifestazione; è il Significato che dobbiamo interpretare e riscoprire, perché esso è l’essere che si cela negli enti, che sono il suo modo di apparire.

La venuta e il ritorno costituiscono un movimento circolare e infinito, “l’eterno ritorno dell’uguale”, che non è, come per Nietzsche, il ripetersi di ciò che è stato, non è “dire sì alla vita”, nel senso di riconsegnarsi ad essa innumerevoli volte, come l’abbiamo già vissuta. Uguale è l’Essere, e non è il modo in cui si ri-presenta ma la sua immutabilità, l’identità che esso conserva nel suo divenire e apparire come altro da sé. Il nulla eterno, dunque, è da riferire alla natura dell’essere, non è il precipitare di tutte le cose nel nulla, di cui la morte sarebbe solo l’immagine vuota. Il nihilismo, nella sua svolta radicale, “mostra” il volto buono del nulla: la sua natura ontologica e il suo circolo vitale.

Se il nulla è l’essere, il pensiero del nulla è pensiero dell’essere, di qualcosa che «è» e attende di essere pensato, svelato. Dunque, il nulla è l’impensato. Quando il pensiero irrompe nel nulla, un non-essere si manifesta. Ogni ente è l’improptu del pensiero che pensa il nulla, il quale lascia sempre dietro di sé qualcosa d’impensato. L’impensato, in quanto attiene al pensiero e ne garantisce l’inesauribilità, è il pensiero che pensa infinitamente sé stesso. Il nulla, dunque, è l’infinito del pensiero che, sconfinando oltre il visibile, squarcia la caliginosa coltre e lascia che dall’assenza sorga un ente, una forma. Creare è sognare l’invisibile che da infinita distanza si svela e si dona all’Aperto. Così, nel flusso di luce dimora un’altra vita, nel frutto che matura si schiude l’increato. E nello specchio del mondo il sogno è l’altro nome e il volto buono del nulla. Il nichilismo, quale lo abbiamo qui rivalutato, è l’affermazione e il trionfo del nulla come principio ontologico, garante dell’essere assoluto e della sua eternità.

Poiché tra l’essere e il nulla c’è identità, affermare o negare l’esistenza dell’uno significa affermare o negare anche l’esistenza dell’altro. Paradossalmente, ma secondo la logica contraria al principio di non contraddizione, che giudica falsa la proposizione dove sussista un’opposizione tra termini, l’affermazione dell’essere è possibile solo attraverso la sua negazione, cioè il nulla. Non nel senso che l’assenza del nulla è la condizione necessaria per l’esistenza dell’essere - affermazione, questa, consona a quel principio perché priva di contraddizione - ma perché il nulla, in quanto è origine di tutte le cose, è l’essere necessario ed eterno che non rimanda ad altro essere all’infinito. Il nulla, dunque, non può essere negato, perché con esso si negherebbe la creazione stessa. Pertanto, la sua esistenza è vera perché vera è la creatio ex nihilo. La morte non è la negazione dell’essere ma il ritorno dell’ess-ente all’essere, così come la vita, l’esistenza, è la venuta dell’essere. E il morire è anche un non-essere, un “ex-sistere”: lo stare fuori dell’essere (spirito, anima), il suo distacco dall’ente (corpo, materia) per ritornare all’Unità del Tutto, all’Essere o al Nulla, il quale non è ciò da cui tutte le cose provengono, ma è Esso stesso il Tutto che pro-viene, si manifesta al pensiero lasciando fuori di sé «sempre» qualcosa d’impensato, che ne garantisce l’infinitezza. Ed è quel ritorno tramite la morte, la quale non è, perciò, annichilimento ma l’apertura sull’infinito, che non può avere una fine. Nel grande teatro del mondo, dove l’essere si rappresenta, il sipario resta aperto, perché lo spettacolo della vita sempre ricomincia.

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Guglielmo Peralta vive a Palermo. Ha pubblicato quattro sillogi poetiche: Il mondo in disuso, I.L.A. Palma, Palermo1969; Soaltà, Federico editore, Palermo 2001; Sognagione, The Lamp Art Edition, Palermo 2009 (pubblicata anche in versione e-Book da LaRecherche.it); Sul far della Poesia, SCe edizioni, febbraio 2022. Nel dicembre 2004 ha fondato la rivista monografica “della Soaltà”. Nel 2011 è uscito il romanzo H-ombre-S, pubblicato da Genesi Editrice. Ha vinto il Premio Cesare Pavese 2012 per la saggistica inedita con un saggio sull’Autore. Nel 2015 è uscito il saggio La via dello stupore nella visione est-etica della soaltà per le edizioni Thule; nel 2017 ha pubblicato Filigrane (saggi, critica letteraria e prose poetiche), Genesi editrice, e nel 2018 il saggio La società felice, Aletti editore. Per i tipi della Youcanprint, la versione teatrale del romanzo H-ombre-S col medesimo titolo.

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1 - Nella teologia medievale, è la condizione di Dio, la cui perfezione consiste nell'avere in sé stesso il principio della sua esistenza.

Ivan Pozzoni, poesia inedita “L’epatite IVA”, nota di Ranieri Teti

Ivan Pozzoni propone una poesia invettiva di argomento finanziario. A tratti istrionica (l’epatite IVA, i ricorsi stoici, il catetere senza ipotenusa), a tratti con rime inaudite e con termini che probabilmente non abbiamo mai letto in un testo poetico, come lo “spread”.

D’altronde, “faremo poesia con tutto” ha scritto Pablo Neruda. E Pozzoni lo conferma.

Questa poesia si fa leggere volentieri nella sua velocità, il verso lungo soccorre il dettato, l’autore con ironia entra in temi che sono oggetto di storiche analisi. Come un flash, un blitz, un raid, un’incursione in versi entro un tema macroeconomico che rappresenta allo stesso tempo il piccolo cabotaggio di certa politica.

 

L’EPATITE IVA

Il contribuente italiano medio tra tasse, imposte e accise
subisce morsi e ricorsi stoici peggio che alla Corte d’Assise,
navigando sempre in cattive acque, lo hanno dichiarato santo
e contro le scottature da cartella esattoriale usa la tuta d’amianto.

L’epatite IVA è una malattia altamente contagiosa,
il cuneo fiscale ha la funzione di un catetere senza ipotenusa,
drenare liquidi dai buchi neri dei conti correnti non millanta
l’idea di far chinare concittadini sofferenti a quota Novanta.

La metafora del drenaggio, verso lo Stato italiano, non è balzana,
l’Agenzia delle Entrate ci rivolta i calzoni come indomita mezzana,
la malattia è ormai cronica, come terapia sedativa resta la flat tax
la calma piatta dei mercati internazionali non ci facilita il relax,
tra salvare 5.000.000 di italiani o incrementar lo spread
la scelta è tanto semplice che non ci vorrebbe un Dredd,
speriamo solo che un nuovo dottor Sottile non emetta prelievi forzati
sul 6‰ dei conti correnti dei soliti disgraziati.

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Ivan Pozzoni è nato a Monza nel 1976. Ha diffuso molti articoli dedicati a filosofi italiani dell’Ottocento e del Novecento, e diversi contributi su etica e teoria del diritto del mondo antico; collabora con numerose riviste italiane e internazionali. Tra 2007 e 2018 sono uscite varie sue raccolte di versi: Underground e Riserva Indiana, con A&B Editrice, Versi Introversi, Androgini, Mostri, Galata morente, Carmina non dant damen, Scarti di magazzino, Qui gli austriaci sono più severi dei Borboni, Cherchez la troika e La malattia invettiva con Limina Mentis, Lame da rasoi, con Joker, Il guastatore, con Cleup, Patroclo non deve morire, con deComporre Edizioni; tra 2009 e 2018 ha curato una cinquantina di antologie di versi. Tra 2008 e 2018 ha curato cinquanta volumi collettivi di materia storiografico filosofica e letteraria; tra il 2009 e il 2018 sono usciti i suoi: Il pragmatismo analitico italiano di Mario Calderoni (IF Press), L’ontologia civica di Eraclito d’Efeso (Limina Mentis), Grecità marginale e suggestioni etico/giuridiche: i Presocratici (IF Press), Libertà in frammenti. La svolta di Benedetto Croce in Etica e politica (deComporre) e Il pragmatismo analitico italiano di Giovanni Vailati (Limina Mentis). È con-direttore, insieme ad Ambra Simeone, de Il Guastatore – Quaderni «neon»-avanguardisti; è direttore de L’Arrivista; è direttore esecutivo della rivista internazionale Información Filosófica; è, o è stato, direttore delle collane Esprit (Limina Mentis), Nidaba (Gilgamesh Edizioni) e Fuzzy (deComporre Edizioni).

Sofia Demetrula Rosati, dalla raccolta inedita “Aphaia, di colei che svanisce”, nota di Giorgio Bonacini

Poesia dell’inizio, potremmo definire questo poemetto, che mette al centro la nascita della lingua, nella consapevolezza di sé e del mondo, affinché non si debbano “lasciare parole prive di storia”. Così lo sguardo dell’autrice si colloca nel tempo mitico (ma ancora ben vivo nella sua dimensione di svolgimento, crescita e anche inabissamento) delle antenate: madri e figlie che sviluppano la tela della conoscenza come punto di pensiero poetico iniziale e finale. Un intreccio extra-ordinario di sensi che crescono in sinestesie vere e reali. Perché in questo movimento “la veggenza”, scrive Rosati, “percorreva la trama e l’urgenza era l’ordito”. Dunque una parola di sensi plurali, dove il linguaggio prende vita dagli occhi, poi dal suono, per dare voce a una poesia intrisa di colori e lampi mobili nel canto.

 

 

dalla sezione, οι μητέρες - e l’inizio era svolto nel suo nome

 

*

ci rivolgevamo agli alberi quando

le ossa perdevano il sostegno della tenerezza

mulinelli d’acqua sorgiva

si annidavano nel midollo spinale

la massa scheletrica appariva fluorescente

con piccoli coni di luce che

stillavano dai pori cutanei

eravamo pura meraviglia e non

somigliavamo a nulla

ci coglieva lo stupore quando

potevamo sfiorarci ed emettevamo

leggeri suoni bluastri

dal vago sapore di felci

il verde non era ancora stato codificato

vagavamo tra il giallo sole e il blu acqua

 

*

quando i suoni divennero parole

conoscemmo la memoria e la dimenticanza

le grosse maglie del tempo scesero fra noi

imparammo a tessere dai ragni

la veggenza percorreva la trama

l’urgenza era l’ordito

iniziammo a costruire templi e coltivare grano

piccole sfere di storia si andavano disponendo

οι κόρες - le figlie della narrazione non diventano madri

 

*

ma la mia gola non narra

e non si nutre

le parole scritte assumono la

forma paradossale di una verità

cosi antica che ormai non

importa piu a nessuno e tutto

e coperto di polvere

e non c’e piu un corpo a

testimoniare o ad accusare

tutto e diventato antenato

e io sono qui costretta nel

mio ruolo perche un varco

almeno si apra e possa

iniziare a nutrirmi

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Sofia Demetrula Rosati vive a Roma. Collabora con varie riviste, tra cui “Poesia”, ed è presente con suoi testi su vari siti online. Ha pubblicato su svariate raccolte antologiche e partecipa a reading di poesia. Traduce poesia dal greco moderno.

Ha pubblicato il volume L’azione è un’estroversione del corpo, edito da Cierre Grafica nella collana di poesia Opera Prima, diretta da Flavio Ermini.

Giancarlo Stoccoro, dalla raccolta inedita "L’intuizione dell’alba", nota di Laura Caccia

La parola allo sguardo

Un distillato di pensiero, visione e parola nutre i testi della raccolta L’intuizione dell’alba di Giancarlo Stoccoro. Nei dialoghi sospesi tra luce e buio, voce e silenzio, finito e infinito, mondo e orizzonte, realtà e sogno. Che trovano un punto di contatto dello sguardo. Nel rispecchiarsi di visione e di sogno.

La visione: lo sguardo verso l’esterno, sul reale percepibile e proiettato oltre, su ciò che sta di fronte e al di là dell’orizzonte. Il sogno: lo sguardo verso l’interno, sul buio e sul silenzio, sull’ombra e sui gesti interiori, nel tentativo di “raccordare i giorni alla verità del sogno / accendere silenzi dove le parole divorano sguardi”.

In uno sguardo che non conosce divieti il desiderio si incunea come una breccia. E, insieme al desiderio, l’esercizio, per riuscire a tenere alta la possibilità di mantenere viva la visione sul buio e sull’oltre. E per riuscire, inseguendo l’oscurità, a non dimenticare il chiarore, così come, penetrando il visibile, a non scordare il principio.

Dalle parole che dominano e divorano sguardi, da portare a silenzio, Giancarlo Stoccoro sposta la sua visione e il suo sogno dando vita a parole poetiche che, sottovoce, si fanno sguardo: “Le parole sono occhi / con passo ebbro // non hanno voce spessa / seducono fessure minime”. Fessure che lasciano intravedere la realtà altra, barlumi che, nel buio, consentono di intuire l’alba.

 

Da: L’esercizio del mare
 

Negli abissi del cielo

raggiungi

la forma eterea del buio
 

Cicatrici di luce

richiedono attenzione

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Insegui l’esercizio del mare

quando esce dallo sguardo

le palpebre chiuse sotto il sole

conoscono la nebbia incollata al cielo

senza pratica di volo
 

Fai strage di passi

Salpa

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Come raccordare i giorni alla verità del sogno

accendere silenzi dove le parole divorano sguardi

modulare la bocca alla lingua dei baci
 

Occorrono temperature miti

sentieri contigui passi disciplinati

un orizzonte che carezza gli angoli

senza perdere l’intuizione dell’alba

 

Da: Fessure minime

 

Non so consigliare l’alba

c’era una volta dedizione

maggiore per l’incanto
 

Ora le luci si accendono

in qualsiasi anfratto

non resta che sposare radici

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Le parole sono occhi

con passo ebbro
 

non hanno voce spessa

seducono fessure minime

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Il mondo è uscito dallo sguardo

ma ti ostini a inseguirne l’ombra
 

Con una torcia fermi la via

dei gechi sul muro

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Nei territori dello sguardo

insiste il desiderio
 

una traccia verticale

scopre la breccia

dove l’infinito si distanzia

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Giancarlo Stoccoro, nato a Milano nel 1963, è psichiatra e psicoterapeuta. Studioso di Georg Groddeck, ne ha curato e introdotto l’edizione italiana della biografia: Georg Groddeck Una vita, di W. Martynkewicz (IL Saggiatore, Milano, 2005). Da parecchi anni, oltre all’attività clinica, si occupa di formazione e conduce incontri sulla relazione medico-paziente secondo la metodica dei Gruppi Balint. Ha pubblicato diversi lavori su riviste scientifiche. Suo è il primo saggio che esplora il cinema associato al Social Dreaming (sognare sociale/ sognare assieme) che ha applicato in ambito sanitario, scolastico, nelle carceri e direttamente nei cinema: Occhi del sogno (Giovanni Fioriti editore, Roma, 2012).

Ha partecipato al premio Lerici Pea 1988, vincendo la medaglia nati dopo il 1958, con la poesia L’ombra dell’aquilone premiata da Giorgio Caproni. Sono state segnalate poesie su Lo Specchio della Stampa (2/12/06) nella rubrica “Scuola di Poesia” e in “Dialoghi in versi” (17/08/2007) da Maurizio Cucchi.

Per le edizioni Gattomerlino/Superstripes è uscito nel 2014 Il negozio degli affetti e in ebook, presso Morellini, Note di sguardo, tra le opere vincitrici del concorso internazionale Lago Gerundo 2014. È dell’aprile 2015 Benché non si sappia entrambi che vivere per Alla chiara fonte editore di Lugano. Nel settembre 2015 è uscito I registi della mente (Falsopiano, giugno 2015), curato da Ignazio Senatore, contenente il lavoro Ciak. Si sogna! L’esperienza di Kiev.

Nel novembre 2015 è arrivato tra i finalisti del 29° Premio internazionale Lorenzo Montano con la poesia inedita Non hanno scuse. Nel marzo 2016 si è classificato al secondo posto al Premio Torresano 2016 con la raccolta inedita La dimora dello sguardo, che otterrà la segnalazione speciale della giuria al Premio letterario Nazionale Scriviamo insieme (ottobre 2016) e la menzione al merito al Secondo Premio Internazionale Salvatore Quasimodo.

Parole a mio nome, è la silloge, edita c/o Il Convivio Editore, vincitrice del Premio Pietro Carrera (aprile 2016) e successivamente finalista del Premio Gozzano 2016 e al Premio Letterario Internazionale Indipendente (PLII) 2017 per l'opera edita.

Sempre del 2016 è il saggio da lui curato, Pierino Porcospino e l’analista selvaggio, con scritti inediti di Groddeck e di Ingeborg Bachmann e il contributo di autori vari per ADV Publishing House di Lugano.

Ha collaborato al secondo numero della rivista Poesia e conoscenza di Donatella Bisutti con il lavoro: “Brevi considerazioni sull'inconscio e la scrittura poetica”.

È vincitore del terzo premio Hombres Itinerante “Ignazio Silone” (giugno 2016) con la poesia inedita Si sommano i luoghi ai gesti alle frasi. E' finalista del Premio Museo Casa Alda Merini 2016 con la silloge inedita Luoghi ligi.

Ha ricevuto ancora nel 2016 una menzione speciale al 30° Premio Lorenzo Montano, per la raccolta inedita Luoghi d'ombra, poi riproposta con alcune variazioni e classificatasi terza al Premio Subiaco Città del Libro IV edizione, prima al Secondo Premio Internazionale Salvatore Quasimodo (1 aprile 2017), finalista al Premio Salvatore Piccoli 2016 e segnalazione al Premio Poetika 2017.

Nel gennaio 2017 è uscita l'ampia raccolta poetica Consulente del buio (1983-2013), con prefazione di Giovanni Tesio (L'Erudita, Roma, 2017), finalista al Premio Europa in Versi 2017.

Ha ricevuto la segnalazione della giuria del XIII Premio Hombres Itinerante 2017 per la silloge inedita “Estate autunno inverno” e la Segnalazione Particolare della Giuria del 42° Premio Casentino nella sezione poesia inedita.

È stato pubblicato per AnimaMundi di Otranto (settembre 2017) Alla corte dell'Es Poeti e prosatori, saggio da lui curato con il contributo di Donatella Bisutti, Franco Buffoni, Milo De Angelis, Alessandro Defilippi, Maria Grazia Calandrone, Laura Liberale, Franco Loi, Franca Mancinelli, Umberto Piersanti, Fabio Pusterla, Giovanna Rosadini, Francesca Serràgnoli, Miro Silvera, Giovanni Tesio.

È presente con 14 poesie e una prosa breve nell’antologia Mai la parola rimane sola del circolo letterario Acarya di Como (2017) ed è antologizzato ne Il segreto delle fragole 2018 e 2019 dell’editore Lietocolle (2017, 2018).

Ha ricevuto la menzione speciale per la raccolta inedita Incompiuti silenzi al 31° Premio Lorenzo Montano.

È vincitore assoluto della 5^ edizione del Premio Internazionale di poesia inedita “I colori dell’anima” (agosto 2017) con la silloge Forme d’ombra, pubblicata poi dall’associazione Mondo Fluttuante come plaquette e pubblicata in versione ampliata c/o Alla Chiara fonte editore di Lugano nell’aprile 2018. Ha ricevuto la segnalazione per la poesia inedita Pochi luoghi al Premio Guido Gozzano 2017.

Ha ricevuto la menzione d’onore al Premio Pier Paolo Pasolini – Il canto popolare 2017. È vincitore del secondo premio per la poesia singola e del terzo premio per il Sublime in luce al Premio Il Sublime 2017, poi inserite nell’antologia Il Sublime in versi e in prosa (Il Mondo Fluttuante, dicembre 2017).

Ha vinto il primo premio “Narrapoetando” con la silloge “La dimora dello sguardo”, edita da Fara Editore (aprile 2018), successivamente finalista al Premio Guido Gozzano 2018 e al Città di Como 2018, vincitore del secondo premio sezione poesia edita al Premio Internazionale Energia per la vita 2018. È finalista al Premio Letterario Internazionale Indipendente (PLII) 2018 per l'opera edita.

Ha ricevuto la menzione speciale per la raccolta inedita al 32° Premio Lorenzo Montano 2018.

È vincitore del concorso internazionale di poesia Altino 2018. Ha vinto il primo premio nelle sezioni B e C della 6^ edizione del Premio Internazionale di poesia inedita “I colori dell’anima” (agosto 2018). Ha ricevuto una menzione speciale per la raccolta inedita “la disciplina degli alberi” al Premio Lago Gerundo 2018, successivamente vincitrice della 4° edizione del Premio Nazionale Editoriale di Poesia “Arcipelago Itaca”, di prossima pubblicazione con la prefazione di Paolo Steffan presso l’editore La vita felice.

Ha partecipato al progetto di Poesia e Death Education “Inside (Me)” a cura di Laura Liberale, con 49 poeti italiani: http://endlife.psy.unipd.it

Versante Ripido, quadrimestrale di cultura poetica e letteraria (numero 3 settembre 2018), ospita “Esclusi dal palcoscenico” 6 poesie sul cinema e lo spettacolo. Collabora con la rivista trimestrale internazionale di cultura letteraria e poetica “il Menabò” di Stefano Iori per le edizioni Terre d’ulivo.

È vincitore del primo premio per l’insieme di poesie e dei secondi premi per le sezioni F e H al Premio Il Sublime 2018, poi inserite nell’antologia Il Sublime II^ (Il Mondo Fluttuante, dicembre 2018).

Ha ricevuto il Premio Speciale della Giuria al Premio Ossi di Seppia 2019 (25° edizione) e sue poesie sono inserite nell’antologia Ossi di seppia 2019 Gli speciali I premi (Il Mondo Fluttuante, febbraio 2019).

È stata appena pubblicata, presso l’editore Oèdipus, la silloge Prove di arrendevolezza (febbraio 2019).

È attualmente finalista per l’opera edita al Premio Alda Merini di Brunate (7ma edizione) e tra i selezionati al Premio Bologna in lettere 2019. La raccolta inedita Forme del dono ha ricevuto la segnalazione presso la sezione B del Premio Bologna in lettere 2019.

Ultima pagina, Zona disforme: due trailer, una nota, le bio di Carlotta Cicci e Stefano Massari

 

DISFORME vuole affermare, ricordare, che viviamo in un incessante movimento, in un tempo relativo, dentro innumerevoli forme e dimensioni che non possono essere definite, concluse e sigillate, ma possono essere ininterrottamente percorse, accolte, congedate

​DISFORME vuole scavare dentro l’altro lato delle cose, cercare le forze che si nascondono dietro le apparenze, e dietro la confortevole e ingannevole illusione di poter nominare qualsiasi cosa

​DISFORME vuol dire ascolto, sguardo, possibilità, flessibilità, attenzione e sentimento di fronte alla forma, visibile e invisibile

DISFORME vuole sganciare le catene di ogni ordine, orizzontale o verticale che sia, per tornare nella pace del caos e dei suoi elementi, e rassicurare le anime che le origini di ogni singolo 'sentire', non sono un errore, un pericolo, un'anomalia, ma un nutrimento, di sé e dell'altro da sé

​DISFORME il segno che vogliamo tracciare seguendo le tensioni di tutto ciò che dall'uno tende al molteplice, e che dal molteplice tende all'uno

in un continuo urto e flusso, in un ininterrotto incompiuto divenire 

​DISFORME cerca la prima nudità dello sguardo, davanti al nulla, davanti al tutto, davanti a specchi incrociati, davanti alla luce e al buio di ogni singolo giorno, interroga la circolarità dei sensi dentro la quale tutto sembra possibile

​DISFORME è la prospettiva che nasce dai nostri sguardi uniti in questo piccolo luogo da dove abbiamo deciso di partire per attraversare insieme gli infiniti lati di questo mondo, generando tele esistenziali, cercando e scavando la preziosità di ogni forma possibile, visibile e invisibile, piccola e grande che sia

DISFORME è la scelta, il desiderio, l'inevitabilità di dover entrare nella tensione intima che muove ogni forma, che muove il prima e il dopo di ogni cosa, che genera il punto dove evento e essenza delle cose per un attimo coincidono

​DISFORME è il nostro punto di vista, la nostra mutevole empatia con l'esistente, il costante tentativo di interrogare il destino, individuale e collettivo, è il nostro punto di estinzione, il nostro rinascere continuo.

 

  

Qui le bio degli autori Carlotta Cicci e Stefano Massari:

https://www.disforme.net/info

E qui una bella intervista di Francesco Tomada:

https://perigeion.wordpress.com/2022/11/20/zonadisforme/

Laura Caccia su “Anacronia / Blood” di Allì Caracciolo

Il silenzio e il sangue della parola

Cercare una lingua oltre. Lasciandone affiorare la potenza intrinseca nella sospensione del dire, nell’omissione della parola. Attraverso, potrebbe apparire un ossimoro, una scrittura fitta e compressa che nulla tralascia, in ogni sua metamorfosi, della realtà della vita e della violenza umana. Esponendone il verso e il sommerso. Una parola oltre. Che penetra nei corpi smembrati e nel corpo, anch’esso smembrato, della scrittura. Misurandosi con l’anacronia, il silenzio, la morte. Una lingua per il sangue e per la morte, impregnata di tonalità che si spatolano dal rosso vivo al nero. Una lingua per il silenzio, che irrompe all’improvviso con il suo chiarore, la sua luce superstite. La mestica della scrittura di Allì Caracciolo in Anacronia-Blood appare intrisa di scarlatto e carminio, con qualche muto biancore. La stesura, in parte fluida e serrata, in parte densa e lenta, asseconda l’imprimitura della pagina. Dal tono di un’apocalisse. Di un disvelamento. Con la premessa della sua inarrivabilità. Poiché «Ineffabile è il sangue. La parola che lo scrive si cancella per non venire pronunciata».

Inaugurare la nuova collana delle edizioni Anterem con Anacronia-Blood di Allì Caracciolo è come dare voce, insieme, al silenzio e al sangue della parola. Testimoniare la ferita da cui l’inchiostro attinge le radici, la lacerazione che ne connota il verso. E, insieme, il silenzio e il vuoto che si fanno luoghi di raccolta del senso. Il corpo, il sangue, la carne nella loro esposizione e decostruzione. Come la scrittura. Poiché scrivere, ne è convinto Jean-Luc Nancy, tocca il corpo: un corpo organico di carne e sangue che si muove nella tensione tra il suo essere dentro e il suo esporsi al fuori, fino a fare del corpo teatro. Qui, tuttavia, alla fisicità del corpo e del sangue fa da controscena il silenzio. Il sangue del silenzio. E il silenzio del sangue. Come leggiamo in Blood: «Solo il silenzio stabilisce la misura del sangue. Il silenzio del sangue è la estrema vicissitudine della morte». E, a specchio, in Anacronia: «Riflettere sulle parole che la scrittura pronuncia, ascetica declinazione affettiva della Phoné, è fare della morte qualcosa che può esprimersi anche in altra forma; è l’atto estremo, e massimamente pericoloso, di silenzio».

 

In Blood il sangue pervade tutto: la vita e la morte, la parola e il silenzio, la conoscenza e il vuoto. E ognuno di questi elementi si fa pervasivo da un altro punto di vista, facendosi sangue e il sangue, a sua volta, coincidendovi. La distinzione, nell’etimo, del sangue fluido e sottile, sanguis con radice sanguĕn, da quello denso, cruor, invece raggrumato poiché sgorgato da una ferita, dà conto della pluralità delle coloriture di questa scrittura. Il rosso e il nero, la vita e la morte. Dipinte di rosso sono le ombre vermiglie, la colatura di sangue, la notte scarlatta, il tramonto, l’oceano. Di nero le parole oscure, il corpo del buio, le teste nere, i rantoli scuri. Mentre inattesa una luce improvvisa si affaccia su un petalo galleggiante, nel chiarore del margine del foglio, su una mano che sbianca. La tavolozza suggerisce visioni caravaggesche, la pervasività del sangue immagini shakespeariane del Macbeth. Qui, però, insieme al trattare una materia cruenta e sanguigna, la scrittura mette in scena se stessa. La rappresentazione la riguarda. Senza preoccupazioni metalinguistiche. Decostruendo, in un duplice scenario, le trame di un muto invisibile e di un brutale visibile. Il corpo a corpo tra il poetico e l’impoetico.

Mentre in superficie la fenomenologia del sangue pervade la pagina nei suoi novantanove quadri fino all’Uno, non messo in atto, che la farebbe traboccare, la tensione tra le due polarità non smette di pulsare. Mantenendo, sulla «soglia di opposti simultanei, l’indistinguibile differenza, figure d’inaccessibile indifferenziato». Nella scrittura leggibile la cognizione, assillante, del sangue se pure «avversa la dissuasione a far poesia (su argomento tanto oscuro e bestiale) perviene a una sospensione (perplessa e inquietante) ove tutto si azzera: la condanna del male la ricerca del vero la sapiente perizia l’impellente misura». Nella scrittura latente la poesia continua a pulsare. Insieme al vuoto in cui trova voce. Insieme al silenzio con cui scorre carsicamente nel profondo. Un profondo che attiene al sé più intimo, legato strettamente, da un lato, agli aspetti vitali e pulsionali e, dall’altro, al silenzio e alla morte. Dove la parola poetica affonda le radici. Il sangue e la poesia: se da un lato «la poesia non riscatta il sangue», dall’altro anche «la poesia è un sangue Da non vendicare Da rivendicare soltanto».

Uno scarto tra la realtà e il reale, tra il tempo misurato e l’assenza di un ordine temporale, tra l’insensatezza della violenza umana e la ricerca di un senso dell’esistere. Andando letteralmente a pezzi. Attraversando eccidi, corpicidi e pensiericidi, corpi e paesaggi smembrati, pensieri e inchiostri sembrati, seppellimenti e memoria dei defunti. Quadri, alcune volte trittici, di sangue e di morte che si susseguono per dare forma a quanto non ha forma o della forma è stato fatto strazio. Alla ricerca di una consapevolezza di morte e, grazie alla stessa, di essere. E di una possibile rinascita: «Adattarsi ai passaggi è la cosa maggiormente estenuante del nascere del morire del rinascere se c’è, del risorgere se si risorge». Attraversando una metamorfosi difficile, una dura trasformazione, nel disgregarsi di materia e pensiero. Così, in Anacronia, dove i passaggi si fanno sfumati tra «l’incomparabile dissolvenza nel deessere senza mai pervenire a nonessere» e «la parallela distanza tra vivere nonvivere, essere indistinguibilmente entrambe le realtà senza esserne alcuna, il vuoto». E in Blood dove, al termine delle terribili mutazioni richieste dal duro confronto con il sangue e con la morte, si trova alla fine un modo di risorgere, nell’«attendere alla vita con la leggera movenza l’avveduta scienza di nascere ogni giorno con stupore».

La scrittura, da un lato, asseconda il sangue nel suo espandersi diversificato, a fiotti, ininterrotto, raggrumato, dall’altro crea scena al silenzio. Nel suo teatro del visibile e dell’invisibile. Scenografie destrutturate per dare luce al sommerso. Quanto in Anacronia, prosa vincitrice nella relativa sezione del premio Lorenzo Montano XXXV edizione, viene evidenziato, rispetto alla discrepanza tra la temporalità apparente e l’aleatorietà sottostante, in Blood viene messo in atto in una decostruzione della scrittura dove l’imprevedibilità consente al sotterraneo di manifestarsi, pur in una trama fittissima e compressa. E al silenzio di farsi udire. Non solo e non tanto in quello che viene esposto e messo in scena. Quanto attraverso il non verbale, a partire dalla grafica: «Ciò che conta è la grafica: potente esce fuori dal foglio schizza di sangue il volto di chi legge». E, a fondale, attraverso la pagina: «Poi il sereno margine finale, immacolato e bianco, ignora gli altri tre quarti di foglio, la storia che a calde macchie il disegnatore vi ha versato». Soprattutto, però, attraverso i paragrafemi, le irregolari interpunzioni, gli spazi diversificati tra le parole. Nel vuoto in controscena al clamore. Nel luogo non-luogo della scrittura poetica. Che dà spazio al silenzio. E, insieme al silenzio, all’essere. Poiché come viene sussurrato, tra parentesi, in Anacronia, «solo la scrittura rasenta l’essere».

In questo esporsi. Porsi fuori. Porsi oltre. In una scrittura che ha a cuore l’essere e la parola. E, massimamente, il silenzio. Superando le distinzioni di genere, in una ricerca che nulla concede al sollievo, Allì Caracciolo crea spazio in queste prose al pulsare muto della parola poetica. Una parola che nasce dal sangue di una ferita e rinasce nelle mutazioni che ne vengono generate. Una parola che trova luogo dove la scrittura concede lo scenario al vuoto, pur nel fitto estremo del suo dire. Potrebbe sembrare un ossimoro, si è detto in premessa. Piuttosto appare la condizione necessaria di fronte alla violenza e alle contraddizioni umane che fanno strazio, insieme ai corpi, della parola. Nella ricerca di una lingua che rivendichi un luogo per la parola poetica. Una lingua che ne metta in luce la linfa sanguigna e vitale. E, insieme, il suo dire muto, anacronico.

 

Leopoldo Attolico, da “Si fa per dire” (Tutte le poesie 1964-2016), Marco Saya 2018, nota di Mara Cini

Note brevissime per un volume che raccoglie oltre cinquant’anni di lavoro di Leopoldo Attolico. Un volume “importante” dove si trovano riunite molte raccolte pubblicate, diversi inediti, una notevole bibliografia critica…

Note brevissime allora, come un sorvolare sulle pagine. La veloce cattura di suggestioni trovata nelle prime poesie di “Piccolo spacciatore” dove la parola appare, anche, come cosa da celare, da serbare in un vano, eternamente. In quel rifugio, in quel rifiuto di un dire esplicito, ci si potrà trovare, ancora, tesori. Tra accenni a certe fisicità percettive, a comuni, feriali, vicissitudini o a più private esperienze, ci si potrà ritrovare in una gemma nera.

E’ questa offerta di un mistero non chiarito il senso della parola e, di più, della parola di poesia (la gemma nera, appunto). Il concentrato di significati che sta nell’ambra di un ricordo non è però soltanto messaggio cifrato se si è impegnati, con ironia, anche, a farlo ritornare sillaba sulla terra. Con la consapevolezza, comunque, di essere sempre in bilico tra quello che si riesce a dire e quello che accade, improvviso, unico, inafferrabile, tra scintille di memorie e oro del presente.

 

ETERNAMENTE

Incagliata nel tempo

c’è una gemma nera,

un’eco che non ritorna,

un’offerta di mistero non chiarito.

Nella fisicità felice di un volo

e nell’ambra di un ricordo

la percezione dell’immenso,

del tempo, della vita.

Nella speranza di sole

la necessità di non morire,

di non morire più,

di restare eternamente giovane

 

I VERSI

C’è dentro

l’abitudine calata a perdifiato

nel chiamarsi per nome,

storia grande di occhi e di stupore

in visita a un diario affogato nel mare.

Dal fondo si contrae sempre una nota

e ogni volta si scorda del suo peso

per ritornare sillaba sulla terra.

Non ha più nulla:

persuasione, durata, vento di vittoria;

chiede soltanto di non essere delusa.

Non più di tanto

nel lasciarla andare

gli ha promesso

tutelare

l’innocenza

 

TOCCATA E FUGA

Nella pietra serena scaldata dal sole,

nel pianissimo andante del vento

a capofitto le mie parole

Basta una fredda scintilla alla memoria,

che come ape infreddolita si posa per terra,

per riscaldarsi tutta

Ma l’ape beve la sua pace e non si pente.

Le parole sono solo una folla curiosa e satolla,

toccata e fuga nell’oro del presente

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Leopoldo Attolico vive a Roma. Dalla seconda metà degli anni 80 si è occupato di poesia performativa antistress, nutrita di leggerezza lessicale, giocosità, ironia/autoironia e senso del paradosso. Suoi interventi sono apparsi in antologie, repertori, quotidiani e nelle principali riviste letterarie italiane. Una scelta significativa dei suoi testi è stata pubblicata presso Chelsea, New York, 2004. È stato tra i redattori di Poiesis e lo è attualmente di Capoverso.

Claudia Azzola, da “Il mondo vivibile”, La Vita Felice 2016, nota di Mara Cini

Mi piace rintracciare nelle stesse parole dell’autrice, in ciò che lei ha versato sul foglio come atto di vita, qualche nota di ciò che la poesia è: una carta istoriata, una terra di confine, materia da rammendo…

Claudia Azzola, sulla pagina bianca aperta alla scrittura, ripercorre l’interrogarsi del poeta sul significato del proprio lavoro, questo atto “friabile” come lo sbriciolarsi della carta nel tempo che pure, nel tempo appunto, connette elementi della nostra memoria antropologica, di civiltà e di pensiero.

Così come è stata individuata una “storia con la s minuscola”, c’è, forse una “parola con la p minuscola”. Al canto alto della parola letteraria si accompagna una parola “approssimativa” ma altrettanto vitale poiché, dice Azzola, non vi sono cose estranee alla poesia.

Perché il gesto del poeta, attento ad ogni vibrazione, scruta e accompagna la curvatura del reale.

 

GIARDINO A HAMMERSMITH*

Fin dai tempi (operanti) delle streghe,

witches, healers, guaritrici, sono

i fatti avvenuti ai confini: metto

me stessa in questa terra, del confine,

breccia di giardino scavata per la tortora,

per la gazza, le rose,

percorsa dalle granulari formiche,

istoriata terra come di magna carta

su papiri, pergamena e cearlacca,

non c’è giardino

senza nascosto suono d’acqua,

there is no garden void of sound

of hidden water: sono venuta qui

per questo verde.

Non c’è giardino

dei nichilisti, non c’è verde di afasia.

Non c’è giardino senza il verde dell’esilio.

Tanto è preparato,

tanto avviene nell’esilio.

 

*Londra, mese di luglio, anno su anno.

 

NELLA DISPERSIONE DEL SEME

Nicchiare, essere dei morti,

rimpinguare le casse: mancano

i giardini, gli orti dorati,

male pagato il lavoro umano,

sparato dalle bocche di fuoco,

nella dispersione del seme,

ma se traboccavano i cuori! era

il progetto, era riconoscimento,

il lavoro è disperso, nel vento,

perdere il senno, il foro interiore,

cuore insonne, materia da rammendo.

 

TRE PASSI

Tre passi per allontanarmi

dalle bottiglie dai bicchieri

della mensa, dai tavoli di fòrmica,

trecento passi per la distanza

dalla fabbrica, dai manufatti esausti,

dal fatturato, dal posto fisso,

dal pensiero sfiorito, abito stretto,

svestito nel freddo, mesto lavoro,

e pongo domande: quali sono coloro

che hanno la faccia che sia la loro,

che la riconoscano da dentro

l’ingranaggio meticoloso,

delle tue ore dei sacrosanti minuti,

nei passi che sono il tuo giardino.

Oggi è una domenica, una sapienza

per chi sa formulare un dire,

ma sto tra due oscurità,

della lingua e dello stretto sentire.

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Claudia Azzola, scrittrice e traduttrice. Tra le sue pubblicazioni Il poema incessante (2007), La veglia d’arte (2012), Parlare a Gwinda (2014). Azzola edita da oltre un decennio l’annuario plurilingue Traduzionetradizione.

Franca Maria Catri, da “Ti chiedo al vento”, Cierre Grafica 1017, nota di Mara Cini

Fra il tempo quotidiano degli orologi e il tempo ciclico, sacro, delle stagioni, con passi di sola andatastrong>, si dipana la nostra esistenza terrena.

La scrittura di Franca Maria Catri esplora questi diversi tempi e le loro differenti coloriture, che ci trovano sempre strong>dove non siamo.

Con precisione Flavio Ermini parla a proposito di questi testi di “…ricerca dell’essere che tra la vita e la morte si distende e lì permane, irraggiungibile ad ogni richiamo che non sia quello poetico”.

Nel pugno della materia e dei giorni, forse, strong>il nero vincestrong> … ma è un nero/bruno di terra che germoglia di domande, di ricordi, di odori e di stupori che sempre ci interrogano.

 

sarà che insonnia

cova scartate storie

arrugginiti arnesi di memoria

ecco che il sogno

entra nel gioco

forza barriere chiama

zitte parole in grazia di note

spazi arroganti di insolente vero

a fermo immagine

oscilla segni il piano perfetto

– in onda è quasi chiaro

asciuga pianti il mare

gocce di sale

e petali di sole tra le ciglia

nel pugno

in fondo al giorno

mangia colori

la penombra degli occhi

(chiedi alla gatta)

per dolce sordità

mi riconosco

in sillabe di fumo

e malincuore

oltre la stanca opacità delle tende

resiste la rosa sopita

nella sera dell’orto

è l’ora delle ortiche

 

ti chiedo al vento

ti chiedo al vento

respiro gentile che sfiora il mare

scioglie le onde in farfalle di sole

in campo azzurro

pascola nuvole piccole

innamorato accarezza

la luna d’agosto

va sui pini e le rose

si culla sui prati

allaccia case

in confidenza di finestre

odore di pane

e favole antiche

ti chiedo al vento

generoso che lega terre e distanze

racconta voci e silenzi

a medicare sconfinate solitudini

 

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Franca Maria Catri è nata nel 1931 a Roma. Scomparsa nel 2021, ha lavorato per molti anni come medico. Ha ottenuto autorevoli giudizi critici, presenze in antologie e testi di poesia contemporanea, premi di poesia e saggistica a livello nazionale e internazionale. Tra le pubblicazioni più recenti: strong>Uccelli di passostrong>, Gazebo 2013; strong>Ti chiedo al ventostrong> (2018).

René Corona, da “Compitare nei cortili”, puntoacapo 2019, nota di Rosa Pierno

Nulla esiste nel presente che non rechi traccia di ciò che è passato e che pure, resta lì infitto, a dare profondità all’insignificanza, valore al transeunte. Anzi sembra fornire un’incrollabile sicurezza la polvere che si accumula e che testimonia della possibilità di leggere, negli eventi più insignificanti, il valore che assumeranno nella totalità di ciò che è trascorso. Tale garanzia si estende al punto che diventano riscontrabili “le stesse malinconie/ la stessa acqua”. Il movimento della raccolta coincide con quello di un tango, ove la passione è un movimento di risulta, un reperto che va alla deriva. E via via è il linguaggio che assedia la scena fino a risultare l’unico convenuto: “ossimoro / e sfuggevoli metafore/ chiamarti dalle terre lutulenti”. Nulla risponde al richiamo, se non le parole con le quali il passato ritorna. Ritessuto. D’altra parte, il passato è una ricostruzione che con la realtà condivide sempre meno, con l’aumentare del tempo. È sull’onda del linguaggio che Corona, sulle orme di Baudelaire, riserva il suo sguardo ad alcuni risvolti della contemporaneità, non mancando di offrircene una critica serrata e tagliente, in un tentativo di recupero di alcune valenze che non può che naufragare, ma che non si può nemmeno evitare di compiere.

 

certami

 

le tue pantraccole da sgherro vigile

fanno scompisciare dalle risate il mio animo peritoso

ma alla mia musa non arrivi nemmeno ai talloni

figurarsi ai suoi stivali gatteschi

 

la tua mente fumida

certo si può rallegrare di tale ferace

vigilanza notturna

ma sappi che

 

il mio sonno è irenico e le mie notti portano sempre consigli

è questo il vero riposo del guerriero

raumilia anche i cuori più tortuosi di una viottola bagascia

come il tuo

 

vita vissuta nel tentativo di fermare il tempo

 

tagliaborse attaccabrighe perditempo

cavadenti strizzacervelli

fannulloni bighelloni scansafatiche perdigiorno

stracca piazze

tirapiedi leccapiedi baciapile pinzocheri bacchettoni

bigotti

capibastone magnaccioni mangiapreti

mangiacrauti mangiarosbif mangiarane macaroni

mi attaccavano bottone per un nonnulla

 

io avevo altri grattacapi

bancarotte sentimentali

disfunzioni poetiche

rendiconti inutili da stilare

 

ma non trovavo le parole giuste

per mandarli a quel paese

 

presi così l’ultimo treno della sera

e al primo passaggio a livello

attraversai e me ne andai

 

nel frattempo le rose morivano sui marciapiedi

e nel grande vaso annegato nell’acquaio

alcuni tulipani sbocciarono

 

appena in tempo per il grande rientro

dell’autunno

con anemoni e azalee nella cartella

(e voti di condotta pessimi)

 

e una matita spezzata per chiudere

con un tratto longilineo obliquo

indeciso

ma preciso

 

come una freccia nel batticuore

 

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René Corona è docente di Lingua e traduzione francese, presso il Dipartimento di Scienze cognitive, psicologiche, pedagogiche e degli studi culturali dell’Università degli Studi di Messina. Ha pubblicato saggi che riguardano la poetica, la storia della lingua francese, la traduzione, la sinonimia, la letteratura, la sociolinguistica e la lessicografia. È autore di due romanzi e di diversi libri di poesia.

Gerardo De Stefano, poesia inedita “Anadioménon”, nota di Ranieri Teti

Gerardo De Stefano si misura con un verso lunghissimo di difficile fattura: tanto è enorme, debordante e ipertrofica la materia testuale, quanto è levigata all’inverosimile, curata in ogni minimo particolare, la parola che la sostiene. Siamo di fronte a un testo che mentre lo leggiamo ci guarda dal passato, ci guida nel presente, ci porta verso il futuro; siamo di fronte a un testo che non si risparmia e non risparmia digressioni nello sconvolto ambiente naturale, quasi celate nei versi e allo stesso tempo manifeste. Tutto è coerente con l’impianto verbale.

Gli inserti da altre lingue, che contribuiscono a rendere universale il testo, sono citazioni originali di grandi autori; come il titolo, che riprende quello di un saggio sull’arte di Alberto Savinio. Alcuni scarti testuali, repentini cambiamenti di senso, inserimenti stranianti, aprono la porta e rendono omaggio a tanta arte e a tanta poesia di inarrivabile grandezza del novecento.

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Gerardo de Stefano nasce a Napoli nel 1976.
Nel 2012 esce, per la Thauma Edizioni di Pesaro, la sua prima raccolta di poesie: “Stigmate & Stilemi”. È il curatore della collana RigorMortis (Memoranda Editore, Massa).

Carlo Giacobbi, da “Veramente quest’uomo”, Arcipelago Itaca 2018, nota di Rosa Pierno

Una riscrittura del Vangelo che è volontà di vivere l’esperienza diretta del discepolo, assumendo varie vesti, volendo sperimentare la potenza della parola nell’animo umano, non solo ripercorrerla, ma anche ricrearla. Ecco, perché se la voce autoriale sembra esterna, lo è solo artificiosamente. Ogni quadro è un prezioso cesello, una calibrata scelta di lessemi astratti che configurano la flagranza tra la miseria del reale e la spiritualità: “la tua cura è clemenza”. Fra mensa ed Eterno, tra caduta e fede, ancor più che l’oscillazione tra concreto e astratto, si deve mettere in rilievo il moto tra “non invoco e non dispero” che è in qualche modo lo stato dell’incredulità rispetto a ciò che appare una sfida che si desidera accettare pur non sentendosene le forze. La richiesta di perdono si pone come un ulteriore movimento nel testo che si disloca secondo un dialogo complesso. Se la Grazia non si riesce ad arginare, non si può nemmeno comunicare ad altri, affinché lo condividano. Resta il baratro fra ciò che Giacobbi sente come potenza infinita della parola di Cristo e limiti di coloro che ascoltano.

 

Peregrinazioni apostoliche

(Mac 1, 35-39)

 È ancora buio

ma muovi il passo

a lungo appartato -

in ascolto.

Non presti adesione

all’invito dei tuoi -

sei già altrove

rifuggi delle folle il plauso

ti sottrai

per fugare del ministero

la mistificazione.

 

Guarigione di un sordomuto

(Mc 7, 31-37)

Parola non fa ingresso

né s’esterna.

Starà chiedendo accanto

la tua mano

chi mi porta.

Mi conduci lontano -

ed in me ripeti

la creazione

con un fiato al cielo

 

che spalanca.

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Carlo Giacobbi (1974) lavora a Rieti come avvocato, ma fin dalla prima giovinezza ha manifestato interesse per la poesia, la letteratura, il teatro, la musica ed il canto. Scrive canzoni di musica pop e ha collaborato insieme al Maestro Massimo Di Vecchio alla realizzazione di diversi cd musicali di musica leggera anche a tema religioso. Ha partecipato due volte al Festival di Castrocaro Terme, giungendo alle semifinali. Ha pubblicato quattro libri di poesia: L’Angelo Dannato (Hobo Editore, 2006), Albe notturne (Serarcangeli Editore, 2015), Confidenze (Il Convivio Editore, 2016) Essere qui (Il Convivio Editore, 2017) e nel 2018, con Arcipelago Itaca Editore, Veramente quest’uomo (poesie sul Vangelo di Marco) di cui, alcuni estratti, sono stati letti alla presenza del vescovo Domenico Pompili in occasione dell’incontro pastorale del 2018.

Angela Greco, dalla raccolta inedita "Claire (della solitudine e altri ritorni)", nota di Laura Caccia

Della poesia e altri oltre

 

Nome colmo d’aria, un soffio, un vento, una voce. Nome intriso di luce, un chiarore, un foglio bianco. Chi è Claire, personaggio dell’omonima raccolta di Angela Greco?

Tra solitudini e presenze, affetti lontani e vicini, oltranze e “profumo di pane”, memorie e ritorni, Claire distende la sua figura luminosa, dai movimenti reali e irreali, nei sedici testi dall’accento visionario, con distico finale spesso di tono meditativo.

Il linguaggio è ricercato e straniante. La narrazione procede tra reale e surreale, presenza e solitudine, ricordo e abbandono. Leggiamo che “Claire è soglia e attesa. Di una voce che / tarderà nei suoi desideri” e il racconto si illumina nel suo rarefarsi, quasi favola, quasi mito. Non dimenticando riflessioni concentrate e inquiete sulla realtà, in cui “Siamo canti alternati a idi di marzo”.

E se Claire fosse la poesia? Che si aggira “tra le parole non dette” e che “vorrebbe esserti foglio bianco”? Compagna della solitudine che la scrittura richiede, forse. O incarnazione del dire poetico che Angela Greco dispiega nei suoi versi insieme luminosi e dolenti. Dando vita a figure che l’attraversano e ne vengono attraversate. Designando con nomi nuovi le cose. Portando il quotidiano al suo oltre, dove “rette parallele s’incontrano e s’intersecano / in un territorio di confine, oltrepassando il noto fin qui”.

 

§1

Il pomeriggio è un talismano di ferro e ruggine;

lo raccolgo in un silenzio surreale e sei con me.

Un caso e “Claire” torna a passi lenti, attraversando

la cicatrice che taglia in due la città. Il paese vecchio

la abita ad ogni casa a calce e la piazza ha ancora

il profumo buono di tortine alla ricotta e biscotti

grandi, da immergere, senza troppo pensarci,

nella merenda a ginocchia scoperte di cadute

in bicicletta. Dall’altra parte della strada,

con anni d’anticipo, già sapevi che domani

l’avresti incontrata, per caso, sulla stessa strada.
 

Il nome non ha importanza; hai sempre pensato

si chiamasse alla francese, forse per via di sua madre.

 

§2

S’aggira Claire tra le parole non dette, tetti di vecchie

memorie silenziate per antica abitudine; stringono,

i vicoli del quotidiano incedere, gli occhi che anelano

all’azzurro di quando si era fili tra i fili d’erba, acque

di gocciolanti gravine nascoste agli occhi dei più.

Vorrebbe esserti foglio bianco a cui affidare le ombre,

inchiostro che inciti i cavalli di fuoco, perché sia sole,

anche tra le tue nuvole. T’affianca, nell’attesa, nei vuoti

della piazza dove s’allungano le ombre; mulinellano

pensieri sulla soglia di casa. Nel pacco regalo, una clessidra

dice che si può capovolgere questo momento.
 

Due rette parallele s’incontrano e s’intersecano

in un territorio di confine, oltrepassando il noto fin qui.

 

§5

Miriadi di stelle a trafiggere una solitudine;

questo incavo incolmo che occupa il petto,

dissonanti sere racchiuse in una fotografia e

poi mattini di ritrovato senso. Claire ha pianto,

ma tu ne hai sentito la risata, invece, poco pima

che crollasse il tempo e s’affacciasse ancora la corsa,

la sabbia troppo veloce nella strozzatura, lo scadere

della concessione a noi dedicata. Il resto è stato cielo

a più strati di piombo. Sei involontariamente bello,

quando non ti accorgi dell’occhio, lontano, nel tuo

mare di bambino senza onde a sconvolgerti.
 

Lo specchio rimanda a data da destinarsi le parole;

adesso il ricordo è soltanto per carezze lontanissime.

 

§16

E, quindi, cosa lascio di questi miei trascorsi?

Un’addolorata sbiadita al crocevia, un cancello

chiuso che ha ceduto alla ruggine e una fenditura

d’asfalto fiorita di parole in un giorno di febbraio.

Claire si ferma e guarda la tramontana che azzurra.

Il vento arriccia il tufo e lame di luce seguono

diagonali di pensieri e facciate divise a metà.

«Portami una bocca di leone dal tetto più alto,

scala questa torre di quotidianità per un pezzo di

mondo da mordere a sera, quando la voce va via e

rimaniamo pensierosi sul rosa e sulla nuova luce».
 

Siede al tavolo l’attesa; dalla finestra il paese vecchio

si svuota persino di preti e campane.

 

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Angela Greco è nata il primo maggio del ‘76 a Massafra (TA). Ha pubblicato: in prosa, Ritratto di ragazza allo specchio (racconti, Ed.Lupo, 2008); in poesia: A sensi congiunti (Ed.Smasher, 2012); Arabeschi incisi dal sole (Terra d’ulivi, 2013); Personale Eden (La Vita Felice, 2015; prefazione di Rita Pacilio); Attraversandomi (Limina Mentis, 2015); Anamòrfosi (Progetto Cultura, Roma, 2017; prefazione di Giorgio Linguaglossa); Correnti contrarie (Ed.Ensemble, Roma, 2017); Ora nuda, antologia 2010-2017 (Quaderni di RebStein LXVII, 2017); Ancora Barabba (Collezione Bocche Naufraghe, YCP, 2018); All’oscuro dei voyeur (YCP, 2019, prefazione di Franco Pappalardo La Rosa).

È ideatrice e curatrice del collettivo di poesia, arte e dintorni Il sasso nello stagno di AnGre (http://ilsassonellostagno.wordpress.com/). Commenti e note critiche sono reperibili all’indirizzo https://angelagreco76.wordpress.com/.

Fernando Lena, da “La profezia dei voli”, Archilibri 2016, nota di Rosa Pierno

La necessità di esporre l’irrapresentabile di una esperienza durissima trova un valido aiuto in uno stile preciso e in una sintassi piana e ferma, come se con tale armamentario stilistico si potesse guardare con maggior fermezza nelle pieghe purulente di una realtà che ha pochi confronti. Lena punta il timone con decisione verso il dolore per affondarvi il suo sguardo. Ma il suo sguardo non diviene mai un cliché, non è mai pietistico, avendo dalla sua la ragione di colui che parla del dolore poiché vi è immerso. Forse non è inverosimile che si possa superare qualcosa soltanto toccando il fondo. Il poeta riesce a darsi magnifici colpi di reni con sinestesie e metafore che rilanciano la possibilità di agganciare significati che riequilibrano una realtà che Lena sa esistere al di là del muro. Come Ulisse legato all’albero, affronta il terribile silenzio “incomprensibile” che tanta poesia odierna, immotivatamente invoca. Vedere la realtà frantumata, in zolle, come se un vomere vi avesse affondato la lama, va di pari passo con il vederla reintegrata attraverso la capacità autoriale di modellare uno stile che riesce a cogliere le drammatiche oscillazioni di una condizione esistenziale difficilissima.

 

XVII

Suor Adelaide da vent’anni

aspetta un miracolo

ne parla spesso con Dio

invocando una deriva dolce

per queste cavie

qualche anno fa

ha rischiato di morire

dopo essere stata aggredita

dal suo discepolo più giovane.

Per giorni è rimasta in coma

poi appena sveglia…con un sorriso

ha esclamato che Aversa

non sarà mai

il capoluogo dell’inferno.

 

XXI

Neppure una parola,

sono ormai cinque anni che Lisa

ha smesso di dirci

quello che la schizofrenia

mette in bocca a donne

fragili come lei.

Il suo tacito presente

fai fatica a comprenderlo

appena sai che è stata

in adolescenza un tenore,

se poi trema quando la musica

dei miei sguardi sfiora

i suoi ricordi … allora capisci

come mantenere l’ equilibrio

sul rasoio della creatività

diventa a volte una ferita corale.

 

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Fernando Lena è nato a Comiso in Sicilia nel 1969 dove da un po’ di anni vive e lavora. È diplomato all’istituto d’Arte. Ha pubblicato diversi libri di poesia, il primo risale al 1995 con il titolo “E Vola Via”, edizioni Libro Italiano. Dopo un silenzio di quasi dieci anni ha pubblicato una piccola suite ispirata da otto tele del pittore Piero Guccione edita dalla Archilibri di Comiso e successivamente, sempre con lo stesso editore, una raccolta dal titolo “Nel Rigore Di Una Memoria Infetta”. Del 2014, per i Quaderni Dell’Ussero, è “La Quiete Dei Respiri Fondati”, edizioni Puntoacapo. “Fuori dal Mazzo”, libro d’arte, Edizioni fuori commercio, dell’anno 2016. Suoi testi e recensioni sono ospitati in diversi blog e riviste di poesia. Partecipa spesso in festival dove la contaminazione poetica si incontra con altre discipline artistiche.

Carmine Lubrano, Letania salentina e altre Letanie, JazzPoetry 2018, nota di Ranieri Teti

Balza per prima agli occhi l’inconsueta dimensione, esageratamente grande per un libro di poesia. Allo stesso modo era enorme il formato della storica rivista che veniva pubblicata da Carmine Lubrano sul finire del secolo scorso, “Terra del fuoco”.

Pensare in grande richiede adeguati supporti, pretende un ordine logico a prescindere.

Tutto questo trova un senso precisissimo non appena si apre “Letania salentina e altre Letanie”: la fantasmagoria linguistica è trascinante, le parole sono battenti, il ritmo fende il silenzio della pagina senza pause, lo trascende, come se le parole ne uscissero innervando l’aria della stanza con il loro impatto sonoro. Nell’ipertrofia del testo non solo non intervengono pause, non ci sono nemmeno cedimenti né cadute, tutto è strettamente sorvegliato.

Lubrano inaugura un uso felicissimo della lingua, riuscendo, con apparente naturalezza e in maniera mirabile, a fondere in molti testi l’italiano con il latino e con il napoletano. Siamo di fronte a un’opera che, anche se ci immette in un infinito eccesso verbale, si fa cogliere interamente. La direzione è chiara: poesia antilirica, talvolta irridente, a tratti carica di sdegno, in generale colma di letizia, anche nei momenti dolenti: “ma la poesia la poesia / (…) / è lingua inaudita che scopre le sue ferite”.

Il volume contiene inoltre molti inserti grafici che richiamano la straordinaria epoca, attraversata dall’autore, della poesia visiva: queste pagine, frammiste al testo poetico, offrono l’altro lato della poesia lineare, un’estensione di possibilità, uno straniante prolungamento dei versi.

Andrea Marinucci, dalla raccolta inedita “Case di passaggio”, nota di Giorgio Bonacini

Questa raccolta poetica avvolge il lettore dentro un percorso lentissimo di ondulazioni malinconiche. E lo fa con versi attraversati da un filo costante di leggera nostalgia. Il tema è il luogo dell’abitare: dunque dello stare ma contemporaneamente anche dell’abbandonare. E’ la ricerca di un ascolto a muovere l’andamento del poema: anche un semplice suono in ciò che si disabita. Marinucci compone un canto compatto, ma non forzato; aderente al sentimento ma non rigidamente legato. Un movimento tenuto insieme dalla parola, una visione dei luoghi visitati e dei ricordi sottovoce; uniti tutti da quella speciale sensibilità contenuta in un dire poetico affidato a un tempo senza tempo, a “un dove libero di storie”. Abitare è libertà di andare o di restare, liberando e illuminando ogni intima ombra.

 

Dalla sezione Elegia del trasloco

***

Si direbbe immancabile tornare accanto

familiare come è colta per caso una voce amica,

nella polvere altre volte raccolta in altre stanze

o in quella opaca avventura di stanze che fuori,

di questo abitare, nutre e trattiene

come un rifugio paterno, un dove libero di storie.

Iniziare da qui nel viaggio la cura d'intorno.

Cercarlo conosciuto più spesso nei giorni

in una cautela di luoghi nostri tra gioie disarmate

di nomi da perdere e senza riconoscere niente

restituire. Eppure dispongo ogni pacco

e al tuo ritorno il mio si accorda

al tuo seguirmi prezioso di passi

tra i mobili vuoti nelle stanze tra noi

tesi e determinati a far bianco il tempo

di un qualche gesto che cancelli

il rimorso di ciò che è nuovo.

 

Dalla sezione Intorno alla casa

Abitare distanti

Alcuni bambini, com'ero io,

imparano più che altro la distanza.

L'impressione che dietro l'incresparsi

rabbioso di un orizzonte di sassi

come nel fondo gonfio dell'onda di

quando è già troppo tardi per ritrattare

e nascondersi tra i cigli infantili

di una inguaribile colpa da nulla,

ci sia davvero la casa che ti

riconosce suo e che non credevi

potesse chiederti da allora.

Oggi, che cerchi stancamente

il ricordo di com'era, la protesta

muta nella prima ferita della vista

ferma di bambino, scopri viva

quella felicità che sai tradire

in uno stupore

a cui quasi non credi.

 

Dalla sezione Sulla porta

***

A volte, potendo raccogliere

il delicato istinto nel tempo

di porre all’aperto un angolo intatto

di intimo riparo, ascoltando con la cura

di una mano l’interno stupefatto

di una casa vuota, abitata,

come il dorso caldo che trattieni

quando non vorresti altro che il mio corpo

quando non chiedi che il mio destino,

ti sento in un modo nuovo, più pietoso

di ciò che lentamente si consuma

della nostra memoria e arrende

il colmo del desiderio a nutrire

di noi quel che non sapremo

 

---

Andrea Marinucci, nasce in Abruzzo (1983) e, dopo gli studi scolastici, si forma dal punto di vista accademico all’Università di Bologna, dove affina la passione letteraria laureandosi al termine del percorso con una tesi di poetica. Vive e lavora attualmente a Verona. L’opera Case di passaggio è da intendersi come un’opera prima.

Paola Nasti, dalla raccolta inedita “Contro l’angelo”, nota di Giorgio Bonacini

In due parti si divide questa raccolta: che hanno però in comune la considerazione di ciò che è l’altro, come figura o come condizione esistenziale. La prima (che dà il titolo) è dedicata alla materia in cui la metafora dell’angelo si incontra e si scontra. E’ una figura estrema, disgregante per il troppo fulgore, che sembra rappresentare ciò che tende alla perfezione: dunque umanamente perturbante, perché si angelizza “credendo/di sfuggire alla sporco e all’ingiustizia”. La seconda parte riguarda la fuga, l’allontanamento, la sparizione. Cose, animali, persone che diventano ciò che sono quando se ne vanno. E’ il movimento che esercita la distanza, con momenti in cui le “prove di sparizione” arrivano dai due estremi del poema: angeli indifferenti e particelle atomiche in fuga in un unico tunnel.

 

dalla sezione Contro l’angelo

*

si ritrovò cadavere

senza targhetta di riconoscimento

a pezzi spiattellato splitterato

diviso

in decine di stanze

migliaia di caratteri le cellule

sparse sul pavimento

 

*

adesso furibondo sventoli le ali

sei un immenso elicottero di luce

impossibile rimanere in piedi

nei tuoi paraggi

i nugoli di piume

oscurano ogni cosa

aggiunti all’infinito

fulgore che promani

non c’è spazio per nulla che non siano

le tue ali crudeli

 

dalla sezione Escapologie

*

ogni tanto facciamo

prove di sparizione

prima le dissolvenze colorate,

lampi di neon scontornano

l’evanescenza che innesta i profili

i tratti umanizzati delle mani

i volti prensili sul nero dello sfondo

non ci accorgiamo mai

dell’attimo che ci rende invisibili

sciolti da ogni abbraccio, le dita

che nel buio non si tengono, ma noi

non lo sapremo

 

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Paola Nasti è nata a Napoli nel 1965, dove vive e insegna filosofia nei licei. E’ fondatrice e redattrice della rivista di poesia Levania. I suoi testi – poesie e racconti - sono pubblicati in antologie, riviste e blog. E’ stata finalista nella XXXI edizione del Premio Montano 2017 con “Cronache dell’Antiterra”, edito da Oédipus nel 2018. Nel gennaio 2019 ha pubblicato per Eureka Edizioni, nella collana CentodAutore, la plaquette “Poesie dello yak impigliato per un pelo della coda”.

Paola Parolin, poesia inedita “Senza titolo”, nota di Ranieri Teti

Il testo di Paola Parolin dice la distanza che intercorre tra la realtà e il desiderio; o meglio, sente il desiderio ma vede la realtà. Rappresenta un narrato che non è, né vuole essere, profezia, ma che si pone al confine tra astrazione e concretezza. Parolin produce un flusso breve, come può essere il volo di “un’ala su spalle cadenti”, oppure il viaggio di una vela intatta issata su una barca ormai in rovina.

Appare il mondo che si rovescia nel suo contrario. Fatto di freddo, giorni consunti, chiodi, pietre.

E poi c’è l’ostinazione del poeta che racconta quell’attimo attraversato dalla grazia che è la chiusa dell’idea, il finale di un momento: non solo parole che aprono superfici, non solo parole come pietre, ma soprattutto parole che possono essere insieme occasione e baratro, destino.

 

 è un’ala protesa su spalle cadenti di peso e di freddo non avvolge

imprigiona il piumaggio cedevole all’acqua inefficace natura di

uomo diverso nel cuore e ora non vola vede il mondo all’inverso

giorni e giorni consunti di niente chiodi nel muro bianca

superficie aperta a parole le prime in bocca innocente parole le

prime dure pietre miliari e di inciampo

 

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Paola Parolin è nata a Verona nel 1952. Medico in Verona, è sposata con due figli.
Ha partecipato ad alcuni laboratori poetici coordinati da Ida Travi negli anni 1998-2008. Ha pubblicato nel 2003 la raccolta in versi Interni Esterni Interni. Nel 2007 ha pubblicato con altri due autori la raccolta poetica Trittico della sera di carta (Cierre Grafica). Nel 2011 ha pubblicato il libro Parola Corale (Anterem Edizioni, collana Via Herákleia), con prefazione di Gio Ferri. Del 2018 è l’ultimo libro di poesie E uscire alfine (Anterem Edizioni, collana Via Herákleia), con postfazione di Rosa Pierno, recensito da parte di Giorgio Mancinelli sul sito della rivista letteraria libera La Recherche.
Dal 2006 al 2017 è stata segnalata più volte al Premio Lorenzo Montano. È entrata nella selezione dei finalisti al Premio Elio Pagliarani 2020. Ottiene il premio speciale della giuria al concorso Bologna in lettere 2021. È inserita nell’elenco dei poeti italiani del sito web Italian Poetry.
È cofondatrice dell’associazione culturale Spazio Cordis, attiva dal 2018 in Verona, che si prefigge di valorizzare e supportare il lavoro di giovani artisti di arte contemporanea italiana e internazionale presentando mostre monografiche.

Antonio Pietropaoli, da “Tomoterapia e altro” Oèdipus 2017, nota di Rosa Pierno

Una straripante girandola di concatenazioni semantiche capeggiate da significati assonanti serve come viatico al lettore per insediarsi comodamente nel libro di Pietropaoli, dove già il titolo “Tomoterapia e altro” indica che siamo in un regime di terapia verbale. Il sapore è quello delle parodie o riscritture sanguinetiane che vale anche come argine alla stessa massa di detriti memoriali e culturali. D’altra parte, ogni nuova riscrittura rilancia e conferma, riapre e frattura. Il sanatorio letterario sarà dato proprio dalla possibilità di ricombinare nuovamente le medesime pedine. Il nuovo si costruisce con mattoni vecchi, i quali altrimenti resterebbero inutilizzati e ciò riveste un carattere valoriale di forte impatto. Seppure, proprio l’ironia risulti essere la calce più efficace per tenere insieme il costrutto linguistico. Si veda il piano congetturale per allestire il proprio estremo saluto che nella chiusa si risolve con un “ciao”. La salvifica medicina verbale vagabondando trova, del tutto casualmente oppure condotta solamente dalla guida sonora delle parole, nuovi sensi, nuovi rilanci, anche beffardi.

 

Nota dell’Autore

A causa di un tumoretto (d'un soffio malignetto) alla prostata, l'autore si è sottoposto a un ciclo di trattamento tomoterapico per ventotto giorni. Ne ha tratto questa suite di poesiole (una al giorno: allo scopo, propriamente terapeutico, di togliersi i medici di torno) che volentieri condivide con i suoi undici (possibili) lettori, malati o sani che siano – sebbene, certo, i primi si sentiranno più in sintonia con il sostrato realistico del testo, mentre i secondi, forse, ne proveranno un po' d'invidia. Ha infine devoluto (a intermittenza) alla terza persona il compito di preservare quella goccia di pudore che gli è rimasta, peraltro divertendosi non poco a giocare a rimpiattino con la sua proiezione cartacea.

 

1

mani intrecciate dietro la nuca

freddo alle gambe metà dentro metà fuori

ginocchia sollevate piedi ingabbiati

immobile fino allo spasimo

decerebrato devitalizzato

sotto aliti e ronzii di vento furibondo

al frastuono assordante dei rumori di fondo

eccoli partono gli eserciti in marcia della tomo

terapia

tarata-tarata-tarata

sarà quello dell'arrivano i nostri

o le falangi della morte?

 

6

è litania è cantilena

sono lamelle che si sfregano

mi spiegano

come elitre di una immane mostruosa

macchina-cicala che pertanto frinisce

scoppietta raddoppia s’infoia

spalanca la bocca e m’ingoia

mi mangia o mi arrangia?

oppure nacchere nacchere strepitose

che una mano pietosa misteriosa

agita furiosamente

esclusivamente per noi vitabondi.

 

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Già ordinario di Letteratura italiana contemporanea all'Università di Salerno, Antonio Pietropaoli ha pubblicato numerosi volumi sulla poesia italiana del Novecento, tra cui “Le strutture dell'anti-poesia” e “Fra retorica e metrica. Saggi sulla poesia italiana contemporanea” (Guida, Napoli, 2013 e 2014). La sua attività poetica è raccolta nel volume-omnia “Cartastraccia” (Oèdipus, Salerno-Milano, 2014). Dirige infine «Trivio», rivista semestrale di poesia, prosa e critica (Oèdipus), è presidente di giuria dell'omonimo premio letterario ed è direttore di due collane di poesia presso l'editore Guida (“I segni del destino” e “Resilienze”).

Federico Edgar Pucci, dalla raccolta inedita "Tiro ad anticipare", nota di Laura Caccia

Un arco dissonante

Un linguaggio straniante, contro-verso, colma le pagine di Tiro ad anticipare, in cui Federico Edgar Pucci snoda i suoi temi in un serrato esercizio tra vertigini e aporie, passioni e trasgressioni. Dove “Il peso del mistero gira il capo”. E dove il corpo e l’anima hanno la parola. Tra carnalità e perdizione, dissacrazione e pietà.

Con un’ambivalenza lasciata in sospeso nei testi: sentirsi sotto tiro o, propriamente, tirare ad anticipare? Rassegnarsi ad essere bersaglio o farsi arciere che tenda la parola verso il suo obiettivo?

Tutto il contesto della raccolta, a partire dal titolo, evidenzia il desiderio di ribaltare la situazione: nel tiro dissacrante, nella “indisciplina del cammino”, nel “Trasgredire come altissime orchestre / l’ampiezza del deserto”. Bersagli sono via via molteplici aspetti: imbarbarimenti, atteggiamenti su cui ironizzare, la commercializzazione dello spirituale da mettere a nudo.

E la parola? Da una lingua anch’essa sotto tiro, ridotta all’espulsione, alla possibilità di recuperarne, fisicamente, senso e ardore: “È stato nel tuo nome carnato / invocato un alfabeto di bruciature”, come leggiamo. In uno scardinamento lessicale e semantico che Federico Edgar Pucci mette in atto per fare, del suo arco linguistico dissonante, un nuovo dire.

 

Da: Quaderno dell’inverno (o la doppia presenza)

Il segno del rosario sul silenzio.

Il tempo cerca luce dilettante.

La strada sale in una pozza d’alberi.

L’uomo invisibile riceve l’ordine

di restare fedele.

Rasenta sponda di ritorno fatta

in due tra voci d’ombra parallele.

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Si stacca e svirgola dal foro

finché scende a rilento dentro altro da quello

che gonfia il suo mistero. Forse un uovo

dai colori del fuoco.

Diresti che uno sguardo ti controlla

da dietro un lungo seghettato scudo di foglie.

Marciando separato, in seme solo

per metà, indefinito suona il passo

rimasto indietro senza impronta ma

rintocca in una cava d’aria o trova

rimpiatto in una venula pneumatica.

Un’eco rasoterra

ammicca al genio soprannaturale.

Il peso del mistero gira il capo.

C’è una pietra promessa sottosopra.

La lingua trasferita insegue le ombre:

parola in ombra estranea con sé sola

irrevocabilmente espulsa.

La ventata non perde il contatto

con lo sfratto alle spalle del reale.

Tutto contiene il tempo e dal nulla è contenuto.

Sul quaderno invernale annoti nomi e linee:

loro curano il sacco trasparente

molto garbatamente.

Pulizia e pietà si rassomigliano.

 

Da: La buia voliera

Anche l’erba si slega per assaggiarsi.

Ciò che procede soltanto all’indietro

sa di santo e d’oblio.

Sa di salvezza al mai più darsi corpo e anima.
 

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Che ti è servito suggere dal poro

più ricco della sagoma da tiro?
 

Da: Perfetta aporia

È stato nel tuo nome carnato

invocato un alfabeto di bruciature.

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Trasgredire come altissime orchestre

l’ampiezza del deserto.

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Federico Edgar Pucci è nato nel 1986 a Bagno a Ripoli, dove attualmente risiede. Dopo essersi laureato in Filologia Moderna presso l’Università di Firenze, si occupa, come critico letterario, prevalentemente di letteratura italiana del Novecento. Suoi articoli e poesie sono stati pubblicati sulla rivista «Gradiva», edita dalla Casa Editrice Leo S. Olschki di Firenze. Da due anni insegna Letteratura italiana e Lingua italiana presso la Scuola Internazionale Blyth Academy Florence.

Alessandro Ramberti, da “Vecchio e nuovo”, Fara editore 2019, nota di Giorgio Bonacini

Leggendo queste pagine si comprende la capacità della’autore di essere poeta dal sentire totale. Tutto ciò che è il nostro essere – come natura umana, ma proiettata in una dimensione che unisce e fonde stati di materia diversi,”volti mani sensi/si fanno luoghi” – si presenta al mondo dando con un sentimento del senso distillato in parole che hanno il segno di una necessità unica: che non è quella di dire per insegnare (“siamo senza formule”, precisa Lamberti), ma dire per avvolgere ed espandere il canto.. I brevi, ma concentrati testi, con precisa metrica, invitano a una lettura lenta, per poterne vedere e udire il riverbero nella voce di una sapienza discreta, quasi nascosta: in verità lucida e centrale. I concetti sono conseguenze intime che si aprono al desiderio, sfiorando l’oscurità dove tutto è immaginabile: un transito, verso ciò che ha vocazione di silenzio, di pura meraviglia. “Note mute” ma riconoscibili, se solo ci si dispone ad accogliere il loro pulsare. Un percorso di pensiero, allora, dove solo la poesia riesce a cogliere, per subito donare, l’indeterminata contemplazione nella saggezza di quell’atto etico che diciamo scrittura: che ci accoglie e ci cambia con leggerezza assoluta.

 

BASTA QUASI UN NIENTE

 

Basta quasi un niente

per incrinarti l’universo

cammello e cruna

diaframma e apnea

dare mezzo manto

Martino agisce prontamente

respiro empatico

performativo

siamo senza formule

desiderando l’assoluto

restiamo in bilico

concetti sfumano

INIZIAMO UN DISCORSO

 

CI TROVIAMO A UN BIVIO

 

Ci troviamo a un bivio

disorientati e il vento spira

fumoso e asfittico

deprime e affloscia

sorvoliamo il mondo

con piccoli atti vuoti e frusti

restiamo inerti

demotivati

Rut ha avuto fegato

non è lasciata sola in terra

a lei straniera

si è affidata

DALLA TERRA DI MOAB

 

VIENE INESPLORATA

 

Viene inesplorata

la svolta e porta gli occhi vigili

a contemplare

frontiere insolite

anche tu sei altrove

in quel momento preziosissimo

magari instabile

degravitato

brami un nuovo centro

ma è sempre stato lì vicino

un fluido rosso

respiro-sangue

PANORAMA SPIAZZANTE

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Alessandro Ramberti (Santarcangelo di Romagna, 1960) è laureato in Lingue orientali a Venezia, ha vinto una borsa (1984-85) per l’Università Fudan di Shanghai. Nel 1988

consegue a Los Angeles il Master in Linguistica presso l’UCLA e nel 1993 il dottorato

in Linguistica presso l’Università Roma Tre. Ha pubblicato qualche saggio, Racconti

su un chicco di riso (Pisa, Tacchi 1991), La simmetria imperfetta con lo pseudonimo

di Johan Thor Johansson (1996) e alcune sillogi: In cerca (2004, Premio Alfonso Gatto

opera prima), Pietrisco (2006, premi Poesi@&Rete e Cluvium), Sotto il sole (sopra il cielo) 

(2012, Premio speciale Firenze Capitale d’Europa) e Orme intangibili (2015, Premio

Speciale Casentino, II class. Tra Secchia e Panaro) Con l’Arca Felice di Salerno

ha pubblicato la plaquette Inoltramenti e tradotto 4 poesie di Du Fu.

Giovanna Cristina Vivinetto, da "Dolore minimo", Interlinea 2018, nota di Laura Caccia

L’altro da sè

Di quale sofferenza non comune è interamente impregnato il dire di Giovanna Cristina Vivinetto in Dolore minimo? E, insieme al dire, il corpo che vive realmente in sé la frattura della diversità e che nella parola riesce a trovare la possibilità di un’ulteriore nascita?

Certo, un dolore non comune, in questo trittico del pianto, della morte e della rinascita. Sperimentando nella carne, negli organi e nei desideri del proprio corpo quanto filosofi e poeti hanno assunto come paradigmi di riflessione e di versificazione: l’altro, il doppio, l’enigma che si cela dietro l’apparenza, l’invisibile, l’indicibile.

L’autrice ci mostra, in tutti i suoi dettagli fisici ed emotivi, il crescere della percezione dell’alterità che si fa concreta “nel dolore bambino / di avvertirmi a un tratto / così divisa”, nel riconoscimento dell’altro da sé, del “mistero che non si può dire”, del conflitto che ne scaturisce e quindi dell’esigenza di farsi madre dell’altra che chiede voce. In una lunga e sofferta gestazione: nella carne, nel pensiero, nella parola.

Poiché anche i nomi, che “ci scelgono / prima ancora di pronunciarli”, che “legano in nodi / di verità strette da calzare” marcano a fuoco il conflitto e poi la nuova nascita. Dopo la seconda, avvenuta nel dare vita a una figlia da sé, Giovanna Cristina Vivinetto ne mette in versi una ulteriore: portando alla luce il suo essere nascosto, dando nomi alla verità a lungo celata. Del resto, non è proprio questa tensione al vero a rendere autentico, tra indicibilità e apertura, mistero e svelamento, ogni dire poetico?

 

Da: CESPUGLI D’INFANZIA

A quel tempo ogni cosa

si spiegava con parole note.

Sillabe da contare sulle dita

scandivano il ritmo dell’invisibile.
 

Tutto era a portata di mano,

tutto comprensibile

e immediatamente dietro l’angolo

non si annidava ancora l’inganno.
 

La poesia era uno scrupolo

d’altri tempi, un muto richiamo

alla vera natura delle cose.

Così dissimulata da confondersi

con i palloni, con le bambole

dell’infanzia.
 

In quei tempi non c’erano disastri

da centellinare, difformità

da curare dentro abiti larghi,

padri da rifiutare e nomi

da pedinare in fondo agli stagni.
 

Finché non è arrivato il transito

a rivoltare le zolle su cui il passo

aveva indugiato, a rovesciare

il secchio dei giochi – richiamando

la poesia invisibile che mi circondava.
 

Non mi sono mai conosciuta

se non nel dolore bambino

di avvertirmi a un tratto

così divisa. Così tanto

parziale.
 

Da: LA TRACCIA DEL PASSAGGIO

La verità è che i nomi ci scelgono

prima ancora di pronunciarli.

Sulle pareti, a ridosso delle strade,

nei vasi di garofani e ortensie,

sulle strisce d’acqua che rigano

le finestre al mattino, sulle

scarpe allacciate, sui pulsanti

dei campanelli, nelle stazioni

in disuso. Su tutto si coagula

un nome. Tutto ne risplende.

 

E chi fugge dai nomi sappia

che non si sfugge alla nominazione

perché i nomi legano in nodi

di verità strette da calzare,

costringono in sillabe da pronunciare

a detti stretti. Da far male.

 

I nomi che mi hanno scelta

non trovarono angoli da rischiarare.

Cessarono presto i significati

mentre ero intenta a scavare in ogni

lettera. Speravo nelle eccezioni,

in costrutti arcani da indagare

per darmi un senso.

 

Ci rinunciai e con loro

all’arroganza della definizione.

All’insensatezza di attenersi

alle parole per vedere la realtà.

 

La verità è che la realtà

dormiva a un palmo dal naso

sepolta da un cumulo muto

di nomi.

Da: DOLORE MINIMO

Per acquietare il male che lo assale

il poeta lo canta. Ne fa bella

mostra nei suoi versi per sbugiardarlo,

quasi a gridargli in faccia l’infinita

piccolezza della sua minacciosità.

Il poeta ha per sé l’arma della luce

a rischiarare i vuoti d’ombra,

le fessure dove s’annida, il male.

 

Potrai dirmi che si è deboli

mettendo a nudo i vasi incrinati.

La tavola di legno che balla.

Il punto del muro che non regge.

Nessuno – mi sembra udirti – è disposto

a indossare i tuoi dolori come perle

o a portarli in giro come docili

cani al guinzaglio. Eppure è proprio

del poeta indicare col dito

la ferita. I lembi ammalati

che non chiudono. Anche se tu

non assisti, ti sussurra comunque

un segreto che non puoi avere.

 

Così il mio male si estingue

su ogni mio verso. Lo canto,

lo urlo per liberarlo dal groviglio

di pelle che ha contagiato.

 

Non voglio che tu lo colga

per salvarmi. Mi aspetto

che lo guardi crescere. E appassire.

Rannicchiarsi sfinito fino a non esigere

più nulla. Mi aspetto che il mio male

non ti faccia più male.

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Giovanna Cristina Vivinetto è nata a Siracusa nel 1994. Laureata in Lettere, vive attualmente a Roma, dove è laureanda alla specialistica in Filologia moderna all’Università La Sapienza. Dolore minimo (Interlinea, 2018; Premio Cetonaverde Poesia Giovani, Premio San Domenichino, Premio Europeo Massa, Premio Lord Byron, Premio Senghor) è la sua opera prima, nonché primo testo in Italia ad affrontare in poesia la tematica della transessualità e della disforia di genere. Con prefazione di Dacia Maraini e postfazione di Alessandro Fo, il libro è apparso ed è stato recensito sulle maggiori testate giornalistiche nazionali, tra cui «Il Fatto Quotidiano», «La Repubblica», «La Stampa», «Il Messaggero», «Il manifesto» (Alias, Le Monde Diplomatique), «Il Sole 24 ORE», «Panorama», «Il Corriere della Sera», «La Sicilia» e altri.

Ultima pagina, Alberta Pellacani: altre opere, biografia

 

 

 

Alberta Pellacani (Carpi 1964), studia pittura a Bologna all’Accademia di Belle Arti, e si laurea in Arti Visive al DAMS. Dagli esordi artistici degli anni ’80 conduce una ricerca per sconfinamenti, tra pittura e fotografia, video arte e operazioni d’arte partecipata, documentario, disegno, azioni. Ha esposto in mostre e festival in Italia e all’estero tra le ultime partecipazioni nel 2019 ‘ONDE’, performance di video e musica per ‘Volo IH 870’, a cura di Silvia Grandi, a Bologna al Museo della Memoria di Ustica; ‘Promessa’ mostra personale a cura di Lucia Biolchini e Piero Deggiovanni, presso Dislocata, Vignola; nel 2022 VISIBILIA al Palazzo Ducale di Gubbio.

Marginali accadimenti, minimi movimenti colti nel contatto diretto con le cose per ri-vedere l’ordinaria o straordinaria normalità, è ciò che emerge dalla recente ricerca video, che nelle installazioni affianca al disegno.

Ispirata dalle poesie di Giorgio Bonacini, ha disegnato per ‘Falle Farfalle’, Anterem ed. 1998

www.albertapellacani.it

Quarta di copertina: Autori di “Carte nel vento”

 

Sebastiano Aglieco, Nadia Agustoni, Alessio Alessandrini, Pietro Altieri, Viola Amarelli, Angelo Andreotti, Marcello Angioni, Cristina Annino, Gian Maria Annovi, Lucianna Argentino, Davide Argnani, Giuseppe Armani, Paolo Artale, Gianluca Asmundo, Alessandro Assiri, Daniela Attanasio, Leopoldo Attolico, Dino Azzalin, Claudia Azzola

Luigi Ballerini, Paola Ballerini, Daniele Barbieri, Bianca Battilocchi, Maria Angela Bedini, Carlo Gregorio Bellinvia, Daniele Bellomi, Primerio Bellomo, Franco Beltrametti, Mario Benedetto, Dario Benzi, Riccardo Benzina, Pietro Antonio Bernabei, Armando Bertollo, Vanni Bianconi, Nicoletta Bidoia, Ilaria Biondi, Giorgio Bona, Giorgio Bonacini, Leonardo Bonetti, Simone Maria Bonin, Vito M. Bonito, Doris Emilia Bragagnini, Silvia Bre, Andrea Breda Minello, Fabrizio Bregoli, Luca Bresciani, Alessandro Broggi, Roberto Bugliani, Simone Burratti, Giusi Busceti, Antonio Bux

Laura Caccia, Rinaldo Caddeo, Nanni Cagnone, Giuseppe Calandriello, Maria Grazia Calandrone, Giovanni Campana, Mario Campanino, Enzo Campi, Giovanni Campi, Martina Campi, Emanuele Canzaniello, Maddalena Capalbi, Michele Cappetta, Roberto Capuzzo, Allì Caracciolo, Alessandra Carnaroli, Lorenzo Carlucci, Anna Maria Carpi, Peter Carravetta, Alberto Casadei, Mauro Caselli, Guido Caserza, Marosia Castaldi, Davide Castiglione, Paola Casulli, Alessandro Catà, Franca Maria Catri, Elena Cattaneo, Alessandra Cava, Roberto Ceccarini, Giorgio Celli, Alessandro Ceni, Rossella Cerniglia, Maria Benedetta Cerro, Marilina Ciaco, Viviane Ciampi, Gaetano Ciao, Antonella Cilento, Laura Cingolani, Mara Cini, Gabriella Cinti, Domenico Cipriano, Sonia Ciuffetelli, Roberto Cogo, Gabriella Colletti, Osvaldo Coluccino, Tiziana Colusso, Silvia Comoglio, Federico Condello, Nicola Contegreco, Antonino Contiliano, Morena Coppola, Giorgiomaria Cornelio, Marina Corona, René Corona, Marcella Corsi, Elena Corsino, Erika Crosara, Albino Crovetto, Lia Cucconi, Miguel Angel Cuevas, Vittorino Curci

Mauro Dal Fior, Anna Maria Dall’Olio, Chetro De Carolis, Alessandro De Francesco, Enrico De Lea, Chiara De Luca, Adriano De Luna, Lella De Marchi, Daria De Pellegrini, Annamaria De Pietro, Evelina De Signoribus, Gerardo De Stefano, Riccardo Deiana, Silvia Del Vecchio, Fernando Della Posta, Pasquale Della Ragione, Stefano Della Tommasina, Aurelia Delfino, Tino Di Cicco, Danilo Di Matteo, Vincenzo Di Oronzo, Bruno Di Pietro, Stelvio Di Spigno, Letizia Dimartino, Paola Silvia Dolci, Edgardo Donelli, Paolo Donini, Antonella Doria, Patrizia Dughero, Giovanni Duminuco

Marco Ercolani, Flavio Ermini, Franco Falasca, Mario Famularo, Gabriela Fantato, Anna Maria Farabbi, Roberto Fassina, Silvia Favaretto, Francesco Fedele, Federico Federici, Annamaria Ferramosca, Paolo Ferrari, Aldo Ferraris, Luca Ferro, Paolo Fichera, Massimiliano Finazzer Flory, Zara Finzi, Antonio Fiori, Raffaele Floris, Rita Florit, Ettore Fobo, Giovanni Fontana, Luigi Fontanella, Valentino Fossati, Biancamaria Frabotta, Kiki Franceschi, Tiziano Fratus, Mario Fresa, Lucetta Frisa, Adelio Fusè

Gabriele Gabbia, Miro Gabriele, Tiziana Gabrielli, Maria Grazia Galatà, Marinella Galletti, Carmen Gallo, Gabriella Galzio, Guido Garufi, Paolo Gentiluomo, Mauro Germani, Fabia Ghenzovich, Alessandro Ghignoli, Gianluca Giachery, Carlo Giacobbi, Anna Maria Giancarli, Lino Giarrusso, Andrea Gigli, Patrizia Gioia, Carolina Giorgi, Sonia Giovannetti, Marco Giovenale, Alfredo Giuliani, Lorenzo Gobbi, Marcello Gombos, Llanos Gomez Menéndez, Michela Gorini, Giuseppe Gorlani, Alessandra Greco, Angela Greco, Cesare Greppi, Lino Grimaldi, Maria Grimaldi Gallinari, Iria Gorran, Giovanni Guanti, Ermanno Guantini, Vincenzo Guarracino, Mariangela Guàtteri, Gaia Gubbini, Gian Paolo Guerini, Stefano Guglielmin, Andrea Guiducci

Giovanni Infelìse, Maria Grazia Insinga, Carlo Invernizzi, Stefano Iori, Francesca Ippoliti, Gilberto Isella

Ettore Labbate, Sonia Lambertini, Michele Lamon, Marica Larocchi, Vincenzo Lauria, Leandro, Ferdinando Lena, Alfonso Lentini, Laura Liberale, Nicola Licciardello, Tommaso Lisa, Oronzo Liuzzi, Domenico Lombardini, Andrea Lorenzoni, Francesco Lorusso, Carmine Lubrano, Ghérasim Luca, Antonella Lucchini, Eugenio Lucrezi

Loredana Magazzeni, Giulio Maffii, Franca Mancinelli, Danilo Mandolini, Francesca Marica, Marianna Marino, Andrea Marinucci, Emanuela Mariotto, Attilio Marocchi, Raffaele Marone, Francesco Marotta, Giuseppe Martella, Giulia Martini, Giulio Marzaioli, Vincenzo Mascolo, Stefano Massari, Mara Mattoscio, Ugo Mauthe, Alessandro Mazzi, Luciano Mazziotta, Daniele Mencarelli, Tommaso Meozzi, Manuel Micaletto, Emiliano Michelini, Roberto Minardi, Marco Mioli, Stefano Modeo, Francesca Monnetti, Daniela Monreale, Gabriella Montanari, Emidio Montini, Marcel Moreau, Romano Morelli, Umberto Morello, Sandra Morero, Alberto Mori, Alessandro Morino, Renata Morresi, Chiara Mulas, Gregorio Muzzì

Luigi Nacci, Clemente Napolitano, Paola Nasti, Giuseppe Nava, Stefania Negro, Giulia Niccolai, Davide Nota, Mario Novarini, Marco Nuzzo, Riccardo Olivieri, Francesco Onìrige, Margherita Orsino, Cosimo Ortesta

Luca Paci, Marco Pacioni, Adriano Padua, Alessandra Paganardi, Cristiana Panella, Carla Paolini, Alice Pareyson, Paola Parolin, Giovanni Parrini, Angela Passarello, Sandro Pecchiari, Giuseppe Pellegrino, Camillo Pennati, Gabriele Pepe, Daniela Pericone, Roberto Perotti, Anna Maria Pes, Serge Pey, Mario Pezzella, Luisa Pianzola, Antonio Pibiri, Renzo Piccoli, Rosa Pierno, Antonio Pietropaoli, Roberto Piperno, Pietro Pisano, Stefano Piva, Marina Pizzi, Daniele Poletti, Gilda Policastro, Chiara Poltronieri, Giancarlo Pontiggia, Nicola Ponzio, Michele Porsia, Stefania Portaccio, Claudia Pozzana, Ivan Pozzoni, Chiara Prete, Loredana Prete, Rossella Pretto, Federico Edgar Pucci, Maria Pia Quintavalla

Alessandro Ramberti, Jacopo Ramonda, Giuseppina Rando, Andrea Raos, Beppe Ratti, Filippo Ravizza, Luigi Reitani, Vittorio Ricci, Jacopo Ricciardi, Alfredo Rienzi, Giuliano Rinaldini, Alfredo Riponi, Massimo Rizza, Gianni Robusti, Marta Rodini, Cecilia Rofena, Andrea Rompianesi, Stefania Roncari, Silvia Rosa, Sofia Demetrula Rosati, Lia Rossi, Pierangela Rossi, Giacomo Rossi Precerutti, Greta Rosso, Enea Roversi, Anna Ruchat, Paolo Ruffilli, Gianni Ruscio

Irene Sabetta, Luca Sala, Tiziano Salari, Luca Salvatore, Claudio Salvi, Lina Salvi, Rosa Salvia, Lisa Sammarco, Massimo Sannelli, Irene Santori, Patrizia Sardisco, Francesco Sassetto, Marco Saya, Viviana Scarinci, Antonio Scaturro, Evelina Schatz, Giuseppe Schembari, Fabio Scotto, Massimo Scrignòli, Beppe Sebaste, Loredana Semantica, Luigi Severi, Sergio Sichenze, Ambra Simeone, Stefania Simeoni, Roberta Sireno, Maurizio Solimine, Lucia Sollazzo, Marco Sonzogni, Pietro Spataro, Fausta Squatriti, Giancarlo Stoccoro, Stefano Stoja, Maria Paola Svampa

Antonella Taravella, Gregorio Tenti, Diego Terzano, Italo Testa, Ranieri Teti, Matilde Tobia, Maria Alessandra Tognato, Carlo Tosetti, Eros Trevisan, Silvia Tripodi, Luigi Trucillo, Guido Turco, Gian Maria Turi, Giovanni Turra Zan

Liliana Ugolini, Tonino Vaan, Adam Vaccaro, Luca Vaglio, Roberto Valentini, Camillo Valle, Sandro Varagnolo, Francesco Vasarri, Matteo Vercesi, Cesare Vergati, Maria Luisa Vezzali, Massimo Viganò, Pasquale Vitagliano, Nicola Vitale, Ciro Vitiello, Giovanna Cristina Vivinetto, Annarita Zacchi, Simone Zafferani, Paola Zallio, Claudio Zanini, Claudia Zironi, Aida Maria Zoppetti, Marco Zulberti

Prima pagina, “Péntuma” di Chiara Mulas. Con un testo, “oggi, Madre”, di Cristiana Panella

 

“oggi, Madre” (Pdf)

 

 

Videasta, performer, artista plastica, fotografa e scenografa, Chiara Mulas (1972) vive e lavora tra Tolosa, in Francia, e Gavoi, suo paese natale nel cuore della Barbagia. Diplomata all'Accademia di Belle Arti di Bologna, ha fatto delle arti plastiche, della video-art e della poesia d'azione strumenti di espressione artistica privilegiati. Attraverso azioni poetiche di forte impatto estetico e concettuale promuove una geografia filosofica e sociale sincretica che parte dal Mediterraneo, in particolare dalla Sardegna, periferia rivelatrice del mondo, per raggiungere l’universale. Nell'evocare un passato arcaico, con le sue tradizioni ancora in uso, Chiara Mulas affonda le mani acute e critiche della sua modernità aprendo nuovi spazi di riflessione rispetto alla denuncia sociale, alla religione e alle tradizioni popolari. Nel suo lavoro dedicato ai rituali legati alla morte in Sardegna, tra cui Pèntuma (2006), che rievoca l’antica pratica del geronticidio, e « S'Accabadora » (2004), che documenta il canto rituale improvvisato durante la veglia funebre a Ollolai, l’artista rivisita in chiave onirica le rappresentazioni culturali ancestrali in una prospettiva contemporanea. Le sue performance, le video installazioni e i tableaux vivants fanno di Chiara Mulas una presenza inclassificabile, accolta in numerosi eventi internazionali.

Sito web : Chiara Mulas Art Action www.chiaramulas.fr
Chiara Mulas artiste : https://fr-fr.facebook.com/Chiara-Mulas-768677396553713/ Chiara Mulas Instagram : kiapra72

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Cristiana Panella (Roma, 1968) è senior researcher in antropologia sociale e culturale in Belgio. Dopo la laurea in Lettere Moderne a Sapienza Università di Roma si è trasferita a Parigi, dove ha ottenuto un master (DEA) in Storia dell'Arte Africana alla Sorbona per poi conseguire un dottorato in Scienze Sociali all'Università di Leiden, nei Paesi Bassi. Ha effettuato lunghi soggiorni di ricerca in Mali sul commercio clandestino di reperti archeologici e sui cercatori d'oro, prima di dedicarsi allo studio del commercio informale a Roma. Attualmente la sua ricerca è orientata, in una prospettiva multidisciplinare, sulle implicazioni etiche della corporeità. I risultati delle sue ricerche sono stati presentati in decine di pubblicazioni e convegni internazionali in Europa, in Canada e negli Stati Uniti. Di recente pubblicazione, il volume Norms and Illegality. Intimate Ethnographies and Politics (C. Panella & W. Little eds, Lexington Books, 2021). Parallelamente alla sua attività di ricerca, ha collaborato con la casa editrice di Bruxelles maelstrÖm ReEvolution orientata sulla poesia performativa e la prosa poetica, in qualità di editor e di lettrice. Suoi testi di poesia e prosa, note critiche e traduzione di poesia inedita francofona sono stati pubblicati per Oblique Studio, Carte nel Vento, La dimora del tempo sospeso, Scritture (blog di Marco Ercolani) e Pangea. Nel 2019 ha auto-pubblicato il non-romanzo in cielo e in terra. Nel 2019 e nel 2021 si è classificata finalista al Premio di poesia e prosa Lorenzo Montano, di cui è stata membro della giuria critica nel 2020, per la sezione “prosa inedita”. Una sua raccolta inedita ha ricevuto la menzione speciale al Premio nazionale di poesia Arcipelago Itaca (2020). 

Alessandro Assiri, da “L’anno in cui finì Carosello”, Le voci della Luna Editrice, 2018, nota di Giorgio Bonacini

Alessandro Assiri, in queste pagine, non scrive una semplice sequenza di poesie, ma, con forte tensione di sintesi poematica, indirizza il lettore dentro una cornice mobile che delinea l’esaurimento di una finzione. Infatti il titolo, nel contrasto con ciò che le parole manifestano, è lampante: la fine (ma sarebbe più vero dire “il mai inizio”) di una falsa innocenza. Carosello, infatti, termina nel 1977: l’anno in cui le crepe di un decennio diventano baratri. Ma l’autore è poeta consapevole che la scrittura deve aderire alla cosa, senza raccontare, per evitare che la concretezza del pensiero poetica scada in un sociologismo narrante. Caterina e lo Sciancato (due fra le tante immani fratture che si allargano fino a cedere) non sono personaggi, ma forme di disperazione storica – Caterina esprime leggerezza con i punti esclamativi; Lo sciancato è una notizia in un pollaio senza gallo – che non necessitano di colpe o giustificazioni, ma solo di poesia: che è l’unica direzione che può rappresentarne l’esistenza interiore, in vita e in morte. Perché solo “una civiltà della poesia” (definizione tanto cara all’autore e tanto auspicabile, diciamo noi) può e dovrebbe, anche nel dolore più estremo, aprire uno spiraglio nei dintorni”.

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*
Lo sciancato sciupava i quarti d’ora interrompendoli di felicità
sgretolata sapeva a memoria i nomi degli eroi e di tutti i ciechi
vicini a 30 anni indecisi quanto lui tra il crescere e l’invecchiare o
cambiare nome per essere un altro

 

*

Non sei caduta come gli altri in quel prudente silenzio della casa

simulando nascondigli

programmando orologi per appuntamenti irripetibili con ospiti da

sempre maleducati e invisibili

 

*

Caterina esprime leggerezza con i punti esclamativi

con le persone è felice solo quando non ci sono

fa visita ai malati solo quando son guariti

così li trova sempre meglio o quasi sempre usciti

 

*

Ti ho rivisto in San Vitale nell’attimo esatto in cui l’alba diventa
mattina eri già morto come prima soltanto un po’ più storto. Avrei
voluto dirti lasciami in pace ma a cancellarti ci ha pensato la luce.

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Alessandro Assiri è nato a Bologna nel 1962. Scrive da anni opere in versi. Tra le sue pubblicazioni: La stanza delle poche righe (Manni Editore), Cronache della città parallela, Poemetto in versi insieme a Serse Cardellini (Thauma Edizioni), In tempi ormai vicini (CFR Edizioni), Lo sciancato e Caterina (CFR Edizioni), Lettere A.D. (LietoColle). Vive al bar dove scrive e disegna.

Carlo Gregorio Bellinvia, audiolettura di “L’oggetto della sveglia”, nota di Mara Cini

Audio (mpeg)

Da questo testo un’impressione quasi visuale, “molto colorata”, piena di immagini suggestive: surrealisti cieli blu alla Mirò, texture puntinate alla Lichtenstein poi voci del mito innestate su inquadrature pullulanti di “avanguardie del Novecento”.

Ritroviamo, mi pare, Eluard in lieve tinta del sogno e lineata foglia della mano …

E in certe chiome nella corsa che vanno a tingersi nel mare e nella forma sul cuscino ci sono anche Dalì e Domenico Gnoli!

Testo (pdf)

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Carlo Gregorio Bellinvia è nato a Reggio Calabria nel 1985 e vive a Livorno. Nel 2006 ha pubblicato Per i vicoli, macellai di piccioni e spettri di carta per Cicorivolta edizioni. Quindi, dopo un lungo pe- riodo di abbandono della scrittura, nel 2013 un suo scritto è stato inserito in Poem Shot vol. 1, traversate di testi esemplari da 15 autori italiani a cura di Davide Castiglione, su Poesia 2.0. Nel 2014 ha pubblicato Il lastrico per LietoColle edizioni. Per due volte, nel 2015 e nel 2017, è risultato semifinalista al Premio Nazionale “E- lio Pagliarani” per l’opera inedita. Nel 2019 ha ricevuto una segnalazione al XXXIII Premio “Lorenzo Montano” per la prosa inedita. Suoi scritti sono apparsi su “Nazione Indiana”, “Argo”, “Poesia del nostro tempo”, “Poesia 2.0”. La sua ultima opera è l’e- book Domotica del labirinto, Kipple Officina Libraria (2020). È presente in Cronache dall’ultimissima poesia italiana a cura di Dimitri Milleri, su “Poesia del nostro tempo”. È stato candidato nel 2018 e nel 2020 nella selezione per il Quaderno Italiano di Poesia Contem- poranea di Marcos y Marcos. Nel 2020 è risultato finalista con menzione d’onore al 6° Premio Nazionale Editoriale “Arcipelago itaca”.

Vito M. Bonito, videolettura da “Fabula rasa”, Oèdipus 2018, nota di Rosa Pierno

 

Il suono afferra l’orecchio del lettore e lo instrada immantinente su un binario satirico, ma anche veritiero, poiché non soggetto, come appunto accade quando si sì imposta il propio pensiero sul tasto ironico, alla salvaguardia di alcun valore. Allora il personaggio-bambina ha gioco facile nell’introdurci in un mondo efferato ove ogni credenza acquisita e non verificata diventa il nostro demone dominatore. A meno di non avere il potere, che il poeta si assume, di cambiare regole e posizioni e assumere che il gioco sia un divellere il noto: “che oscura materia.../ che raggi / che mistici assaggi!”. Se un tema centrale si riconosce, quello della morte, esso è preso in una rete di favole e preghiere, desideri e illusioni con cui avvolgiamo l’argomento, costruendo le nostre difese. Ma il far scattare tutte le serrature, aprire le scatole chiuse e mostrare gli ingranaggi della serratura, rende la morte un evento disinnescato.

 

 

grisù

 

Quando passano nel sonno

fanno festa

    i bambini

 

dicono tu niente

tu hai perso tutto

 

noi giochiamo felici

alle lucertole

    illuminate

alle fiamme nel digiuno

 

alla neve che a iddio risale

 

che non fa freddo

 

e non si muore

più

 

*

è come un fuoco

lieve

 

nessuno ci vede

 

*

le candele per favore

fatele volare

 

l’insonnia ci gira

la mente

 

ogni volto respira

Nel niente

---

Vito M. Bonito vive a Bologna. Ha pubblicato A distanza di neve (Book, 1997) e Campo degli orfani (Book, 2000). È presente in Poesia contemporanea. Quinto quaderno italiano, a cura di F. Buffoni (Crocetti, 1996), con la raccolta Nella voce che manca. È anche autore di saggi sulla poesia barocca e contemporanea, tra cui Le parole e le ore (Sellerio, 1996), Il canto della crisalide. Poesia e orfanità (Clueb, 1999). Le ultime prove: Papaveri per niente (Derbauch Verlag, 2020), Di non sapere infine a memoria (L’arcolaio, 2021).

Anna Maria Dall’Olio, “Sì, mi merito”, nota di Ranieri Teti, con una videolettura di repertorio

 

Sì, mi merito

 

Era

     essenziale trito ripetitivo

                                                                    versus

    superfluo sfizioso trasgressivo

 

un passo          poi un’era                  poco         poco più in là

 

via da domestico                in postindustriale

     da tradizionale             in ultraglobale

    da famiglialfa                in mondobeta

 

tante merende spezzate da tanti cavoli

                                                i cavoli incessanti del tempovita

graziosa grinza di greve giornata

tra solito e solito

                                       fra un pasto e l’altro

                                      (Zwischenmahlzeit, bacchetta Fraumerkel)

 

sanzione di contratto condiviso

stop lieto di prove glorificanti

                                                               dei pasti certo il più legale

                                                               dei pasti certo il più pro-UE

 

la vita forma sia da riforgiare

l’infrazione sia fusa col civile

 

qualunque scintilla scocchi

per chiunque con chiunque

nulla si mangi

                    nulla si ami

                                     tutto si pilucchi

 

mi piace mi piaci mi piaccio

merenda sì me la merito

             sì mi merito.

 

* 

A prima vista, a prima letta, sembra che questa poesia “Sì, mi merito” si inserisca tra Ionesco e Beckett. In questo set linguistico creato da Anna Maria Dall’Olio, vivido e quasi elettrico, assurdo e significante, la prova ultima è la tenuta della parola e del linguaggio, messi sotto pressione. La ricerca dell’autrice non si perde in sterili prove, non offre esiti fini a sé stessi, non arretra di un passo in favore di una facile comunicatività. Nel testo a tratti la lingua si piega nelle sue assonanze (“graziosa grinza greve”), oppure accoglie l’intrusione del tedesco, salta da alfa a beta, ricrea, anche con sottile ironia e forte determinazione, uno spaccato del nostro vivere.

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Anna Maria Dall’Olio (Pescia, 1959). Laureata in Lingue e in Lettere, esperantista, si è dedicata alla narrativa, alla poesia e alla scrittura drammaturgica.

Ha curato una rubrica sul mondo esperantista per “Incontrosaperi” e ha collaborato al periodico “Kontakto”, con una recensione su Il dolore di Giuseppe Ungaretti.

Ha partecipato a 4 edizioni della Fiera “Più libri più liberi” di Roma e alla 1^a edizione del “Festival internazionale delle Letterature” di Milano. Nel 2018 ha vinto il 3^o premio del Concorso internazionale “FEI” per la traduzione in esperanto di “Su una sostanza infetta” di Valerio Magrelli. Nel 2005 ha vinto il 2^o premio del Concorso internazionale "Hanojo-via Rendevuo", patrocinato dal governo vietnamita, accanto a molti altri riconoscimenti ottenuti in Italia nel corso della sua carriera.

La sua pubblicazione più recente è Segreti (Robin, 2018), preceduta da: Sì shabby chic (La Vita Felice, 2018), L’acqua opprime (Il Convivio, 2017), Fruttorto sperimentale (La Vita Felice, 2016); Latte & limoni (La Vita Felice, 2014), L’angoscia del pane (LietoColle, 2010), 20 poesie nella rivista “Calamaio” (Book editore, anni 2009 e 2011) e Tabelo (Edistudio, 2006), dramma in lingua esperanto. Recensioni e articoli di critica sono stati raccolti in Le sirene di cartone di Anna Maria Dall’Olio (Editrice Totem, 2017).

Adriano De Luna, videolettura di “Raccoglieranno”, nota di Ranieri Teti

 

Come si pronuncia un momento estatico?

Imperturbabile nel turbamento, Adriano De Luna inanella visioni a immagini, sposta il senso del discorso, ne riprende il filo, mette in scena un istante che dura da “albe discurate” a “sinergici tramonti”.

Tutto questo può accadere solo in poesia. L’elisione sistematica degli articoli serra ancora di più il ritmo del testo, concentra al massimo questo repertorio di parole in movimento.

Nella relatività del tempo poetico, l’ascia della seconda strofa intaglia, nella terza, gli sguardi.

Nel multiplo intrecciarsi di situazioni simultanee, che talvolta sono volutamente smisurate, fotogramma dopo fotogramma, si delinea, nel succedersi dei versi, un sentimento totalizzante.

Pdf del testo

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Adriano De Luna è nato a Fermo nelle Marche, dove lavora come avvocato libero professionista e docente di Diritto nel locale Liceo Classico Annibal Caro. Da molti anni membro del Consiglio di Priorato dello Studio Firmano dalla Antica Università (Storia dell’Arte medica e della Scienza http://www.studiofirmano.net/), ha pubblicato saggi di storia materiale, arte e diritto. Ha collaborato e collabora a quotidiani, periodici, riviste culturali e trasmissioni radiofoniche. Si dedica alla scrittura poetica e alle arti figurative sin dai primordi: alcuni interventi poetici sono apparsi su raccolte antologiche e riviste, ivi inclusa Anterem. Autore segnalato alla XVIII (poesia inedita), alla XIX (raccolta inedita) e alla XX Edizione del Premio Lorenzo Montano. Ha partecipato a Verona Poesia 2006 ed altri readings.

Zara Finzi, da “Le forme della neve”, Manni 2018, nota di Mara Cini

L’invernale sereno lucido di cui ci parla Zara Finzi è qui non solo condizione metereologica (di per sé stupefacente) ma rinnovata condizione del percepire.

Il rumore dei passi sulla brina ghiacciata produce uno scricchiolio come di pennino sulla carta. Le impronte lasciano traccia sulla terra, la natura si disegna, sopra e sotto la brina. L’inchiostro forma tracce emotive e storie sulla pagina. Nero su bianco in entrambi i casi.

Le forme della neve sono forme in continuo mutamento, forme del silenzio, forme che interrogano via via la natura del fuori e la condizione più interiore, quella personale del dentro. Nel cogliere con brevi fermo immagine testuali il loro fluire, perdurare, svanire o accadere è il tentativo di esserci, nel tempo.

Nella raccolta di Zara Finzi si alternano testi rarefatti, di segno astratto, ad altri “striati” di cronaca. Là dove evapora il bianco in / trasparenza emerge / il lato oscuro della neve poiché sulla superficie di questa creatura provvisoria si incide un mondo intero fatto di puri segni ma anche di memorie, ferite, incontri, figure d’arte e d’altra poesia.

 

*

sotto la coltre fitta, il cancello

non ha più la forza di gridare.

si aggrappa al muretto dove il

merlo guarda con interesse un

punto.

nero su bianco

 

*

a seconda del vento si

aggruma attorno alla

parola, la protegge

come quando era

soltanto verità

 

*

evapora il bianco in

trasparenza. Emerge

il lato oscuro della neve.

 

lei lo sa. una luce che non

genera ombre non è una

vera luce

 

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Zara Finzi è nata a Mantova, vive a Bologna. Ha pubblicato numerose sillogi, interventi creativi e critici su riviste antologie. Edite da Manni sono uscite le raccolte La porta della notte (2008), Per gentile concessione (2012), Escluso il ritorno (2016), Spazio/tempo piatto (2020), Transiti (2022).

Eugenio Lucrezi, dalla raccolta inedita “Ingres”, nota di Giorgio Bonacini

Poesia e arte si accompagnano spesso, pur nei rispettivi ambiti per affinità concettuali o per un amichevole interazione linguistica. Questa raccolta di Eugenio Lucrezi è un concreto esempio di come i versi possano nascere, formarsi, strutturarsi a partire dal’amicizia con cui ogni manifestazione espressiva imprime il suo segno. Ponendo in essere una parola mai descrittiva o didascalica rispetto al referente che ne titola la scansione, ma sempre ricevendo e dando un senso ulteriore, oltre l’immaginazione del suono e della sostanza “porosa del verso”, come l’autore precisa. Si va dal quasi haiku alla sperimentazione letterale, dalla leggerezza ludica, alla visività fonica, fino a testi di pensante illuminazione. Senza mai venir meno a ciò che la scrittura aggiunge nelle sue modulazioni interne.

 

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Conversazione tra lo spettatore e l’opera - per Franco Cipriano

 

Uno. Spettatore

 

Opus senza spolvero, richiamo

afono, privo d’onde come mare

afflitto da postrema bonaccia,

immoto quale lena di morto, stige

senza espressione, ruga

non più severa: piana, rassegnata,

arresa e inutile, se non fa più ridere,

vinta, se non fa mostra più del piangere,

clorofilla espiantata in cuore d’eme,

in osso e cartilagine di foglia, in rosso

che affligge specchi in stanze, oltre

giardini di carne e orti

gonfi di muscoli, che affligge

superfici inabili al riflesso: opus!

Tu che, non visto, guardi: cosa vedi?

 

Pensieri di Coleman - per me stesso

 

Sassi muschiosi: li raschi piano

con le unghie, strofini invano

la superficie porosa del verso.

Si sa, i muscolosi maschi amano

gonne lunghe, golfini fatti a mano:

lasse perfidie per rose perverse.

Trattato di storia in tre volumi

 

Volume primo. Storia completa dell’universo

 

Non me lo dire, fatti benedire,

abbi fede e bontà, nel precipizio

attestato sul bordo particella,

ché si ride e si piange nel profondo

domani che non dice e non ascolta

ragioni infinitesime e molecole

immensamente fragili, ridicole

nell'asserzione magnifica del mondo.

Esplosione, collasso e poco più,

solo a sentire il rumore di fondo.

Negazione decisa, non polemica,

che dice alla particola:

«Non abitare nella miscredenza,

non dire male dell'insensatezza,

stai fermo e dura sulla scoscendenza

come nell'esattezza di un destino».

 

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Eugenio Lucrezi (1952), di famiglia leccese, vive a Napoli. Medico epidemiologo, musicista blues e giornalista, scrive di letteratura e di arte. Ha pubblicato il romanzo Quel dì finiva in due, Manni, Lecce 2000, e alcuni libri di poesia, tra cui Arboraria, Altri termini, Cuma 1989; L’air, Anterem, Verona 2001; Freak & Boecklin (con Marzio Pieri), Morra/Socrate, Napoli 2006; Cantacaruso : LenOnoSong (con Marzio Pieri), La finestra, Lavis 2008; mimetiche, Oèdipus, Salerno 2013; Nimbus, Eureka, Corato 2015, Sapìa, I libri del merlo/Il laboratorio, Nola 2016; Bamboo Blues, Nottetempo, Milano 2018; La canzone del guarracino, il filo di partenope, Napoli 2018. Già redattore della rivista di letteratura Altri termini, dirige la rivista di poesia Levania. Nel 2017 è stato nominato da Mario Persico Gran Ciambellano e poetapatamusico dell’Institutum Pataphisicum. Cura la pagina di poesia sul quotidiano “La Repubblica”, edizione di Napoli.

Alessandro Mazzi, audiolettura da "Avanzi Nudi", nota di Laura Caccia

(audio)

L’eco del prima

Sono in effetti residui, lasciati scoperti nel loro essenziale esporsi, i testi di Avanzi Nudi. Alessandro Mazzi vi esprime la tensione e la nostalgia verso un prima intenso e significante e insieme l’orfanità della condizione attuale. Un tornare indietro: all’alba del mondo, anche se vi restano solo silenzi corrosi; all’evoluzione della specie, benché sia perduta la forma originaria; all’anteriore rispetto a sé, a quella tribù lasciata prima della nascita. A un’unità perduta. A un’identità smarrita.

Una messa a nudo dell’esistere colma i versi, benché la parola tenti di tornare alle sue origini: al silenzio che la precede. E benché non possa non manifestare la sua afasia a dire, soprattutto rispetto alle possibilità di ricomporre l’identità perduta e di trovare unità nell’altro.

Cosa resta allora, di tutto quanto aveva senso e appartenenza? Cosa sopravvive? Il dolore del vivere, innanzitutto, comune a cose e viventi. Le fratture e le frantumazioni subite. E una speranza: “Sfiorare l’altrove / coi rigonfi del vivere”.

O con la parola: in fondo Alessandro Mazzi dà ancora credito al dire, non nella sua pienezza - la pienezza è del silenzio, così come dell’unità originaria - ma negli avanzi che lascia affiorare, nei residui a cui può dare ancora voce, fossero solo echi di incontri, sonori di corpi, “memorie / cantate al mare”.

 

1

Non c’è più un mondo

ma un tempo che scalda

la siepe,

rovinose vene ramificano

sugli scogli del dolore,

scaviamo un silenzio eroso

gettato in un vaso

di foschia
 

4

Suonano l’aria i corpi,

piovono le memorie

cantate al mare,

una torre di pietre

unisce cielo e terra,

l’asse delle schiene

sfiora il pelo

dell’anima tigrata
 

7

Di tanti mari piangiamo

le acque nelle acque,

avessimo una proboscide

saremmo animali saggi?

Sfiorare l’altrove

coi rigonfi del vivere,

nostalgia della coda

noi primati

 

11

In me combatto

la parola e il silenzio,

l’una mi vuole cantore,

l’altro confessore.

Non sono gemelli?

Il poeta è finzione

del muto.

 

17

Costretto a vivere

rinascite su rinascite,

cerco maestri negli alberi

e padri nelle onde,

questo è il dolore

degli orfani
 

19

Cos’è quella differenza

che permette la comunione

ma accenna appena

all’identità?

Anche volessi

non saprei nominarla

 

 

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Alessandro Mazzi nasce a Pompei il 17 Aprile 1990. Si laurea in Estetica all’Università “L’Orientale” di Napoli con una tesi originale su Hölderlin e il Taoismo, sotto la supervisione del prof. Giampiero Moretti. Dopo un periodo in Islanda, continua lo studio della filosofia e delle scienze pure all’Università di Urbino, dove è attualmente laureando. Collabora con diverse testate online, tra cui La Tigre di Carta e L’Indiscreto, e tiene seminari filosofici all’università.

 

Marco Mioli, videolettura da “Leggi questo libro”, nota di Laura Caccia

 

Clicca oltre

leggi questo libro: ci invita Marco Mioli. E, del continuo, persistente coinvolgimento che viene messo in atto, veniamo immediatamente resi complici. In un duplice senso: quello del partecipare al testo in modo consapevole, interrogandoci, insieme all’autore, sulle questioni poste, e quello del farci lettori critici dei rituali comunicativi attuali.

I testi, pervasivamente interrogativi, esigono un lettore che stia al gioco. Un gioco libero e fermo, che richiede “un minimo di serietà altrimenti / anziché scrivere con la penna. // finisci tu la frase”.

Le frasi interrogative, come un ostinato ritmico, rimarcano il disegno dei versi, mentre la melodia, franta e dissonante, sollecita questioni esistenziali, intervallate a espressioni della comunicazione social, a richieste al lettore di completare la frase, a “clicca qui” ripetuti.

Link di collegamento apparentemente impossibili, che proprio per questo si fanno magia: una forte complicità scrittore-lettore nello smascheramento dei rituali social, nelle interrogazioni di senso, nelle aperture sull’oltre. Marco Mioli lascia intravedere fino a dove si possa arrivare: nella scrittura, fino a superare il limite apollineo, formale, “sempre più. / fino a farci scoppiare / il cuore”, e, nella lettura, fino a essere sollecitati a chiederci, a partire dai primi versi, perché si stia leggendo, cosa ci abbia “spinto fino a qui” .
 

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c'è un impasto umano

è difficile dargli quel senso

non posso dire troppo qui
 

preferirei scolorire encausti

trascinare radici

pendolare lampioni
 

consumare marciapiedi

ma non a san lazzaro

spero nemmeno tu ci vada.
 

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soffri di coliche

relazionali?

 

lo so che ti piace stare in compagnia.

 

come ti trovi li?

dove senti che altri non potrebbero mai arrivare?

 

dove percepisci le distanze che ti scollano.

 

paura vero?

 

un aperitivo ricongiunge l'universo

dopo mitragliate di baci a pagamento.

 

ma non qui.

 

please.
 

un minimo di serietà altrimenti

anzichè scrivere con la penna.

 

finisci tu la frase.
 

clicca qui per compilare la parte finale.

 

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densità di fumi rupi

asciutte sponde di mari

profondità di tebe

 

e tu?

 

dove sei ora?

 

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sempre più.

fino a farci scoppiare

il cuore.

 

fino ad oltrepassare

un limite apollineo

a cui siamo sconfinati

per eterno sentimento d'ordine.

 clicca qui per uscire.

 

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Marco Mioli (Montecchio Maggiore 1982) si laurea in Architettura presso l'Università IUAV di Venezia e successivamente studia Scienze e Tecniche del Teatro approfondendo una ricerca sulla relazione tra suono, spazio e scenografia.

Come critico d'arte ha pubblicato testi per artisti e mostre tra cui un'esposizione di arte contemporanea al Museo Archeologico di Napoli.

Le sue poesie sono finaliste al Premio Lorenzo Montano e al concorso Opera Prima.

Vive e lavora a Trissino (Vi) e Pola (Hr).

Francesca Monnetti, videolettura di “Di ritorno dal Mart”, nota di Ranieri Teti

 Il verso scelto da Francesca Monnetti è breve. Spesso composto da una sola parola. Questa brevità produce, in “Di ritorno dal Mart”, un ritmo serrato. Le emozioni di una mostra si traducono così in emozioni linguistiche. Il pre-testo, un’esposizione di Gianfranco Baruchello a Rovereto, consente a Monnetti di coniugare le suggestioni visive con l’esperienza del viaggio, quello che è rimasto impresso con quello che si muove costantemente intorno. Tra la cosa che si è fermata nella mente e l’osservazione mobile circostante si alterna mirabilmente il testo: tra passato prossimo e presente, tra stasi e movimento, in un flashback continuo tra rotaie e cornici.

Francesca Monnetti è nata a Firenze e da sempre vive a Sant'Ellero, una piccola frazione del comune di Reggello, in provincia di Firenze.

La sua prima raccolta edita di poesie, In-solite movenze (Cierre Grafica, Verona, 2009), è giunta finalista al “Premio di Poesia Lorenzo Montano” (2008) ed è stata inclusa nella collana “Opera Prima” di Anterem Edizioni, diretta da Flavio Ermini.

Pen-insul-aria (Edizioni Helicon, Arezzo, 2017), sua seconda raccolta edita, in prima stesura era stata segnalata come raccolta inedita al “Premio di Poesia e Prosa Lorenzo Montano” (2011) ed è giunta finalista, come opera ancora inedita, alla I edizione del Concorso di Poesia e Narrativa “L'Erudita” (Giulio Perrone Editore, Roma, 2012), la cui giuria era composta da Cristiano Armati, Paolo Febbraro, Matteo Lefèvre, Giorgio Manacorda, Walter Mauro, Giorgio Nisini e Cinzia Tani.

Alcune delle sue opere poetiche hanno ottenuto vari riconoscimenti in concorsi di poesia, nazionali ed internazionali:

- una silloge ha vinto la IV edizione del Premio Letterario Sergio De Risio (2010) dedicato al pensiero poetante (i cui membri di giuria erano Renato Minore, Flavio Ermini, Filippo Maria Ferro, Giuseppe Langella, Cesare Milanese, Giancarlo Quiriconi, Maria Cristina Ricciardi, Jacqueline Risset, Marco Tornar e Raffaele Saraceni);

- nel 2018 un suo poemetto inedito, Secondo-genitura, ha vinto la sezione “Poesia inedita” del Premio Letterario Castelfiorentino;

- la poesia singola Siccità ha vinto la sezione omonima del Concorso di Poesia e Narrativa “L'Erudita” (Roma, Giulio Perrone Editore, edizione 2012);

- nel 2019 una sua poesia singola, Carne in fuga, ha vinto il III Premio alla 44° edizione del Premio Casentino;

- nel 2017 una sua raccolta inedita, (S)oggetti a (s)comparsa, è stata selezionata tra le opere finaliste al II Premio editoriale organizzato da “Arcipelago Itaca edizioni”;

- sei poemetti inediti sono giunti in finale nella sezione “Poesia inedita” del “Premio di Poesia e Prosa Lorenzo Montano” (edizioni 2012, 2015, 2016, 2017, 2018, 2020);

- nel 2014 una sua raccolta inedita, Elisa, è stata segnalata alla 28a edizione del Premio di Poesia “Lorenzo Montano”;

- poesie singole e sillogi sono state segnalate in occasione del Premio Letterario Castelfiorentino (edizioni 2011 e 2014), del Premio Nazionale Alpi Apuane (32a edizione), del Premio Nazionale di Poesia “Pietro Borgognoni” (2016), durante le ultime tre edizioni del Premio Casentino, al Premio di Poesia “Lorenzo Montano” (edizione 2019), al Premio “La Ginestra Firenze” (2020) e da parte di giurie di altri premi letterari.

Alcuni suoi testi poetici compaiono online sul sito “Carte nel vento” della rivista “Anterem” (curato dal poeta e critico letterario Ranieri Teti), sul sito del Premio Letterario Castelfiorentino (curato dal Professore e critico letterario Marco Marchi), su “Blanc de ta nuque” (del poeta e critico letterario Stefano Guglielmin) con nota di lettura del poeta e critico letterario Giorgio Bonacini,, sul blo-mag “Arcipelago Itaca” (del poeta ed editore Danilo Mandolini), sul sito del Premio “Firenze”, del Premio Internazionale di Poesia “S. Domenichino - città di Massa” e sul sito del Premio “Arno fiume di pensiero”. L'autrice è altresì presente in volumi antologici legati a concorsi letterari.

Clemente Napolitano, videolettura di “Le raffiche soffiavano distanze”, nota di Ranieri Teti

 

Una prosodia moderna ci viene offerta da Clemente Napolitano: il suo testo senza punteggiatura e senza rime si regge sull’architrave del ritmo, sull’architrave di un ritmo segnato dalla metrica, che incrocia l’endecasillabo. Si percepisce uno sforzo creativo centrato sulla dicibilità, come se la poesia fosse destinata, per sua naturale connotazione, all’oralità. Ora dobbiamo pensare che questo è solo il vestito, la confezione, la cornice, la forma.

Il corpo del testo rende l’istantanea di una corsa, forse in moto o più probabilmente in bicicletta, e racconta quell’attimo fermato tra l’osservazione e il pensiero, tra il sentire e il descrivere, verso ”la sola direzione celebrata”. Il senso ultimo è quello dell’inarrestabilità della vita, nonostante “macerie e disincanti”, nonostante il vento contrario.

 

(pdf del testo)

 

Clemente Napolitano nasce a Caserta, il 2 giugno 1965. A Marigliano (Na) trascorre l'infanzia e durante l'adolescenza frequenta il Liceo Scientifico "C. Colombo". Si trasferisce poi a Bologna, dove si laurea col massimo dei voti al D.A.M.S.

Allievo di eminenti maestri della scena teatrale italiana (Leo De Berardinis, Claudio Meldolesi, Carlo Merlo) frequenta, durante e dopo gli anni universitari, numerosi corsi di specializzazione in arti sceniche con particolare riguardo al settore dell’interpretazione e della regia.

Dai primi anni ’90, generalizza l’attività teatrale a stimolo di rinnovati impulsi creativi e culturali: assume supplenze di Storia dell’Arte nei Licei di Napoli e provincia; promuove seminari, dibattiti, progetti interartistici per la costruzione di nuovi spazi orientati ad arginare indifferenza e degrado; è interprete delle sue messinscene e di progetti musicali; realizza reading di poesia; collabora con riviste locali e nazionali; conduce seminari, dirige spettacoli nelle scuole di ogni ordine e grado della Regione Campania e nelle Università di Bologna e Salerno; svolge attività di Teatro e carcere.

Come attore ha collaborato con Leo de Berardinis: Macbeth di William Shakespeare; Carlo Merlo: Cristoforo Colombo di Michel de Ghelderode, Filosoficamente di Eduardo De Filippo; Renato Carpentieri: La serra e Party time di Harold Pinter.

Pubblicazioni:

• Clemente Napolitano, FLUXUS, Nola, L’arca e l’arco, 2015.
• Clemente Napolitano, Oggi è “ancora più lacerante il suo silenzio”, in LA TERZA VITA DI LEO Gli ultimi vent’anni del teatro di Leo de Berardinis a Bologna, riproposti da Claudio Meldolesi con Angela Malfitano e Laura Mariani e da “cento” testimoni, Corazzano, Titivillus, 2010.
• Clemente Napolitano, La fenice e il thanatos, in “Annuario Liceo Classico <<A. Rosmini>> Palma Campania”, 2007, n° 7.
• Clemente Napolitano, ‘O compagno, in AA.VV., La Madonna del Latte 10 racconti per 10 anni, Palma Campania, Michelangelo Communications, 2007.
• Clemente Napolitano, Il teatro dell’impervio, in “Officina Vesuviana”, 2001, n° 2.
• Clemente Napolitano, La voce dell’attore, Milano, Guerini, 1995.
• Clemente Napolitano, L’attore: voce dell’uomo, in AA.VV., L’uomo la voce la comunicazione verbale, Milano, Guerini, 1993.
• Clemente Napolitano, Progetto “Prometeo”. Quanto pesa il teatro, in “Teatro e Storia”, 1992, n°1.

Adriano Padua, da “Still life”, Miraggi Edizioni, 2017, nota di Rosa Pierno

“Still life” di Adriano Padua nasce dal considerarsi immersi in una realtà metropolitana che provoca un immediato viraggio elettrico. La notte in una città non è mai buia. E per lampi si compone un collage di pezzi incongruenti. Il linguaggio è convocato come teste a cui inutilmente si chiede una deposizione: “martirio in assenza di corpi mediato in sistema di segni”. I segni non producono il nuovo, non reagiscono, si fanno complici o relitti del già avvenuto. La versificazione ritmata, anche nelle lasse in prosa che sono alternate alle poesie, ci ricorda la presenza di uno scorrimento filmico oltre che musicale. Nella sequenzialità che funziona come nastro trasportatore se non c’è speranza di uscire dal tranello esistenziale, vi è però possibilità di progettare una fisionomia personale che non venga schiacciata al pari di un’ombra, pur se “non c’è più nemmeno il luogo” nel quale esercitare un‘esistenza: “preghiere senza dio / per dirti che io sono come te / ma mi distruggo meglio ad armi pari”.

“Ancorati a un continuo tornare, dispiegandosi attorno a confine lo scarno paesaggio assediato, senza inizio di sorta, gli occhi in preda a una notte sepolta, perduranti e fissate vedute, campi neri infiniti, spazi aridi e oro di luce. Una storia che si contraddice, voce onda di cose descritte e di azioni narrate in sequenza, mentre l’oscurità scaturisce, liquefatta e s’inerpica su per il corpo contratto, incastrato nell’aria e lo arresta, di scatto. Questo niente racconto, o non te lo diranno, le parole coltelli tra i denti, un morire e rinascere muto, il silenzio tiranno, un tessuto intrecciato di stelle inesplose e splendenti, versi immersi a bruciare, nel bagliore che fanno.

 

1.1

poesie sbandate della bestia nera

parole torte a replicare demoni

linee precise che formano scheletri

pensieri all’universo senza senso

come scanditi in silenzi elettronici

diffusi a scosse tra le cose perse

 

tuoni che spezzano le ossa al cielo

visi smarriti in contorni dissolti

pioggia battente a gocce d’inchiostro

casa crollata di vive macerie

respiro pieno mozzato dal vuoto

buio deserto di città teatrale”

 

---

Adriano Padua (Ragusa 1978) vive a Roma. Laureato in Sociologia della Letteratura a Siena, lavora nel campo della comunicazione e dell’informazione. Ha pubblicato numerose opere poetiche tra cui Le parole cadute (d’if 2009), Alfabeto provvisorio delle cose (Arcipelago 2009), La presenza del vedere (Polimata 2010), Schema. Parti del poema (d’if 2012). Esegue performance in collaborazione con musicisti e videoartisti.

Lina Salvi, da "Del deserto", puntoacapo Editrice, nota di Laura Caccia

Del tutto, del niente

Quale luogo irrompe, con impeto dolente, nella raccolta Del deserto in cui Lina Salvi spalanca il suo orizzonte conoscitivo e poetico, con versi protesi, al limite del noto e del tangibile, nella loro necessità di dire?

Non il deserto vissuto attraversandone le geografie, l’autrice lo precisa in nota, né il deserto interiore di un sentire dilatato e disadorno. E neppure lo spazio che si fa metafora della sua infinitudine.

Un luogo, piuttosto, che realmente pretende di venire allo scoperto, nel pensiero e nel corpo dell’autrice, che fisicamente chiede di esistere nella sua voce e nella sua parola. E che si mostra nelle sue incursioni, in uno sguardo spaesato, nelle ferite del vivere, nei pensieri scomodi sul morire, nelle esperienze quotidiane, “dal deserto al tiglio del giardino”, fino a “quel gusto / di cenere del cielo, che è Milano”.

Soprattutto in una messa a nudo di sé, in cui il deserto incarna una tensione al vero, colto in un attimo a mezz’aria, nel percepire del luogo “l’ombra a un passo”, nel cercarne la faccia nascosta, “quasi un suo rovescio”, nel porsi sul crinale, “essere sul precipizio”.

E la parola che si mette a nudo, mentre consente al deserto di prendere voce, del deserto assorbe la violenza e l’incanto, la vitalità e l’assenza, oscillando tra i “versi cannibali” e i “nomi sconosciuti”, tra lo scrivere “per i morti / e per i vivi” e la scelta del silenzio. Poiché per Lina Salvi “ogni parola / può essere sepolta, dimenticata, / ogni parola potrà il tutto, sarà il niente”.

 

*
 

Del deserto non ho voglia

della sua violenza calma

cavalcate ai margini del cielo,

nel deserto già ci sono:

ahlan wa salan°,

nel deserto popolato di uomini

buie città, annuvolate,

assediate di ogni specie animale,

alberi con rami tondi, bocche infuocate.

Della tundra, nel polare,

che dico? Se non quel volteggiare

in aria, terra, affondare

il piede in una zolla

del viaggiatore la sua ombra

così lunga, così distante.
 

° (saluto di benvenuto)
 

*
 

Con palle di fuoco ho assaltato

una rocca, con le parole di Emily D.

con il fucile carico, l’allegro-malvagio

mantiene il suo scrigno, non so

cosa cercare in strade di eterni

carnevali, signori impazienti

nonostante le rose, per cellule anomale.

Tende di lana scura punteggiate,

sete, tempesta di sabbia,

vigile rassegnazione, sul bordo

inferiore del labbro,

quel sorriso dolcemente a scavalco,

dal deserto al tiglio del giardino.

Nell’inverno uno sterco di animale,

inclinazione alla verità puntuale.
 

*
 

Del deserto l’ombra a un passo

senza sosta in un caravanserraglio, un ronzio

di pace la melodia dai Cafè Anatolia,

un canto levantino per una rotta impropria,

seguirà dal nero infinito e chi fotografa teste,

un fucsia legato alle stelle,

dei fianchi non immobili

dormono in luce piena.

 

*
 

Sono scesa sul fiume

ad aspettare che l’acqua

si placasse e il vento

tutto, onda, onda d’urto

mio corpo, e abbiamo parlato d’altro

del nero infinito, di tecnica mista

su faesite, paesaggi

che vedrai, senza titolo.

 

*

4 gennaio 2014

La neve non è per chi non c’è più,

commuove e tinge di bianco un bosco,

la neve può dire il gelo, dei visi morti.

Non voglio dire niente, ogni parola

può essere sepolta, dimenticata,

ogni parola potrà il tutto, sarà il niente.
 

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Lina Salvi nasce a Torre Annunziata nel 1960, vive e lavora in provincia di Lecco. In poesia ha pubblicato, oltre che sulle seguenti riviste letterarie: La Mosca di Milano, Il Segnale, Gradiva, le seguenti raccolte: Negarsi ad una stella, Dialogolibri, Olgiate Comasco, 2003, con prefazione di Giampiero Neri, Abitare l'imperfetto, La Vita Felice, Milano, 2007, vincitrice del Premio Donna e Poesia 2007, Socialità (Edizioni d’if, Napoli , 2007- Premio Miosotis). Nel 2010, con la raccolta Dialogando con C.S., ha vinto il Premio Sandro Penna per inediti, pubblicata a cura del premio nel 2011 dalle Edizioni della Meridiana di Firenze, con prefazione di Elio Pecora; Lettere Dal deserto, con un’incisione di F. Giudici, per la collana Fiori di Torchio, curata dal Circolo Seregn De la Memoria, Seregno 2014; Del Deserto (Puntoacapo 2017- Finalista Premio Letterario Internazionale Città di Como, 2° Premio Città di Umbertide 2017). È presente in diverse rassegne antologiche, tra cui la recente Il Rumore delle Parole, a cura di G. Linguaglossa, Edilet, Roma 2015; Poezia edita a Bucarest (Romania), SUD – I POETI (MACABOR EDITORE), ed è risultata vincitrice del Premio Astrolabio 2016 per inediti.

 

Eros Trevisan, audiolettura di “Gallerie”, nota di Mara Cini

Audio 1 + Audio 2

Graphic novel, canovaccio performativo, tavola parolibera, canzone di guerra: …fili spianati / in spiatto cielo…fremono al nevaio…

La disposizione tipografica del testo, le immagini e gli interventi grafici che arricchiscono le pagine concorrono a fare di Gallerie un testo molto interessante pieno di riferimenti storici e letterari e nel contempo diario di voci presenti, racconto visivo, sonoro, dialogante.

Pdf del testo

 

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Eros Trevisan sperimenta le libertà della musicale-parola _gramole perform’ poetiche.
Nel ’98 l’incontro con il poeta Camillo Pennati, che curerà la prima raccolta Agli Eterni Lunghi Flutti 2005. Segue Tiepidi Raggi 2007, sostenuta dallo sponsor -Dudu- (dir., G. Finazzi). Le pubblicazioni delle prose-poetiche illustrate divengono reading musicali:
il Pinocchio sale in Treno del 2011, inserito e promosso per il 150le dell’Unità d’Italia nella biblioteca di Villa Erizzo in Venezia. Nel 2017, Verde sasso di legno’18, la saga del buratto di legno tra i boschi, partecipa alla rassegna “Amico del Pinocchio 2018”. Terranova 2018, in memoria dei personaggi eroici quali G. Impastato, Pio La Torre e P. Rizzotto, vittime della mafia. Ricorrenza promossa dalla Biblioteca di Maerne. Commenti dai critici e lettere al poeta da Giorgio Barberi Squarotti, Aldo Forbice “Zapping” Radio Rai; Liliana Tedeschi “Arena” di Verona; Giorgio Cusatelli, Ordinario di Germanistica e letteratura Università di Pavia; Marzio Pieri, professore e critico letterario; Mario Stefani, poeta veneziano; Francesco Brunello, responsabile onorario del Gabinetto di lettura di Padova.

Gian Maria Turi, audiolettura di “Il corpo di mia figlia”, nota di Mara Cini

Un cantico della creatura che pulsa e cresce e si ramifica nel mondo.

Nasce e si fossilizza in un’eterna infanzia mutante, misteriosa: … piedini in quelle miscroscarpe costosissime o … la sua bambolina intagliata in avorio, gli arti snodati.

È di una creatura bambina che si parla, nata nell’amore del corpo di una madre, nello stupore dei balbettii che si fanno parola.

 

il corpo di mia figlia (mp3)
 

mi hai intessuto nel ventre di mia madre 

Salmi 139, 13

 

Sei troppo vicina. Lo sei sempre stata, nessuno lo è mai stato come te.

Il tuo corpo è stato per un po’ un mio organo,

il più speciale, quello miracoloso, prima che tu acquistassi un respiro indipendente.

Il battito del tuo cuore nel mio utero ci rigenerava

già quando tu eri ancora un vermicino, una minuscola larva.

Tum-tum-tum-tum-tum-tum-tum-tum-tum

tanto veloce da sembrare nel panico, in affanno, mentre invece era gioia d’amore.

L’aggancio galenico tra cuore e amore, prima che diventasse cosa da diari adolescenti

e adesivi e carta di cioccolatini industriali,

era il mistero del sentire che si incarna, che prende forma e si muove.

Di quell’amore che sa come si mettono gli organi in posa nel ventre di una madre,

incastrati uno nell’altro e in fase, intrecciati da ghiandole e nervi,

nell’umido del sangue.

Il tuo corpo: quel miracolo collettivo di cui sono entrata a far parte nascendo.

Essere creati. Ricreare.

Il tuo corpo plastico e fragilissimo che ammette ogni sopruso e ogni carezza,

con cui, indifeso, stai imparando che farci: i tuoi piccoli gesti scoordinati,

piangerci dentro per rivendicare i desideri indicibili, provarti a imporli, chiederne il contenimento e il riconoscimento.

Cadevi, sbattevi la testa. Poche volte non sono stata attenta

e tu cadevi e sbattevi e piangevi e la consolazione ti ridava il sorriso. Hai sempre sorriso così tanto...

Al tuo corpo hai imparato a starci attenta quando ne hai preso consapevolezza,

quando hai capito che con quel bambolotto ti sentivi, ci stavi bene e male.

C’è questa spinta violenta alla vita violenta e tenerissima,

i tuoi tentativi e le cose che impari, ogni momento in cui cambi e scompari e ricompari già un’altra.

Creatura di feroci cambiamenti, senza i quali del resto non ci saresti

né ci sarebbe ogni cosa che ci è venuta incontro e intorno e ci ha fatte più felici, meglio avvedute, diverse,

tu formandoti minuto su minuto, io, cresciuta, precipitando nell’invecchiamento.

Tu e io nella banalità di essere madre e figlia, tra le banalità quella più assurda a pensarci,

e figlie insieme della creazione da cui riceviamo ogni cosa. 

 

Ci sono le piccole cose e quelle enormi che abbiamo condiviso, che condividiamo ogni giorno.

I tuoi meravigliosi passi da astronauta – precari, traballanti, saltellanti – i dentini doloranti salivanti, le dita che ora svitano i tappi alle bottiglie

e prima erano ramuscoli letargici di carne. I tuoi piedini in quelle microscarpe costosissime

che ogni volta che restano vuote mi terrorizzano con la tua assenza.

Temo ogni giorno di non esserti abbastanza, di non dirti e non darti a sufficienza.

Ogni giorno mi spaventano le probabilità della tua morte, nel ricordo dei tanti bimbi morti

per cause naturali o accidentali o per inique violenze scellerate,

oggi e da sempre, e prego in segreto perché i lutti delle madri abbiano fine

e il dolore dei bambini sia espunto dal reale.

Da certi studi ho ricordato con pena immaginata la sofferenza che avvolse la famiglia

di quella bimba antica trovata a Grottarossa nel ’64, ritrovata mummia,

odorosa ancora di resine conifere versate sul suo corpo morto a caldo

e che in effetti quasi la resero pietra. Quando la rinvennero nel suo sarcofago,

gli operai che scavavano al km 11 della via Cassia per farci un palazzino, la buttarono via da una parte

per non dovere interrompere i lavori, fugare l’intervento della Soprintendenza.

Poi il giorno dopo qualcuno la rivide, la credé un cadavere

recente. Le foto di allora ne hanno conservato i lineamenti camusi e carnosi,

dopo diciotto secoli intatti di una sepoltura inespugnabile, ermetica, climatizzata,

i quali poi all’aria si dissolsero in un orrido scheletro conciato,

oggi esposto alla pubblica gogna dei turisti

nel Museo Nazionale Romano di Palazzo Massimo alle Terme, a Roma. 

Con lei si rinvenne una bambola, la sua bambola, con lei sepolta a farle compagnia, intagliata

in avorio, gli arti snodati, con un diadema lunare a Iside sacra, la bambolina

come la bambina e i genitori del suo piccolo corpo sepolto, ripieno degli organi interni

per devozione a qualche culto orientale sincretista, probabilmente. E il dolore di quel gesto di opposizione alla corruttela della sua presenza,

l’imbalsamazione perché quel corpo amato resistesse all’annientamento, quel non volerla

mandare da sola nell’ignoto degli inferi, nel buio, nell’inerzia – lei accompagnata

dalla sua bambola devota. Quel gesto di un dolore senza tempo mi sgomenta.

Lo esorcizzo nella cura del tuo corpo, nei baci sulle costole che affiorano sul tuo torace, con il tenerti allegra, assecondando

la tua naturale gaiezza di bimba fortunata e ben nutrita.

Noi qui creature tutte nate nell’amore del corpo di una madre, per quanto poi il mondo ci oscuri, ci renda ignave, stolte, bisognose, spesso avverse.

Sei nata in luna piena e ho iniziato a contare il tuo tempo sulle lune.

Avevi una testa perfetta, rotonda, bionda, eri così senza macchia

che perfino l’ostetrica si è emozionata: “Com’è bella!” ha detto. “È tutta pulita”.

Dormivi di notte, coliche non ne hai avute, mangiavi con avidità

il mio seno mettendomi in uno stato di continua trasognata emergenza, 

resa incondizionata ai tuoi bisogni di protezione e di cura, contatto primitivo.

Appena ti sei retta sulle gambe hai ballato. Ogni ritmo ti fa molleggiare

sui ginocchi, anche soltanto due mani che sciacquano i piatti e acquistano cadenza.

Avevi un anno e mezzo appena quella volta al ristorante greco,

i musicisti che suonavano il sirtaki, tu hai intrattenuto la piazza per mezz’ora

con piroette e braccia sollevate che chissà dove le avevi imparate quelle mosse.

Ti avrà mosso la musica stessa. Tutti ti salutavano quando ce ne siamo andate.

Sei una bambina che accentra l’attenzione nella benevolenza: sei bella, sorridi sempre.

Ti fidi, sei curiosa, ti interessano gli altri.

Oggi più di ogni cosa mi commuovo alle tue prove linguistiche, forse per la mia sensibilità ai linguaggi,

quando ripeti le parole che diciamo e ogni volta ti migliori e inventi codici elementari

per dire quello che ancora non puoi dire: “Sì! Sì!” quando vuoi tanto qualcosa, ripetizione enfatica; “Càcia, no. Càcia... no!”, quando sai che non ti devi togliere le calze perché ti raffreddi, ma ne vuoi la conferma.

Ogni giorno una piccola aggiunta, una sillaba nuova, un suono

più difficile per te che devi apprendere i linguaggi di due madri, due lingue materne.

Sarai più intelligente, dicono. E che emozione sentire i tuoi primi compagni

all’asilo che ti invocano, quando ti porto al mattino: “È arrivata Anna!”, che ti salutano quando ti riprendo: “Ciao ciao, Anna!”.

Sei una di loro. Appartieni a quel gruppo. Sei tu. Sei la più piccola, sei la star locale.

Non siamo già più così unite come quando mi succhiavi il calcio dalle ossa

o spremevi i miei capezzoli fino quasi a staccarli. La vita cresce in te,

s’infittisce nelle tue relazioni, la consapevolezza di te stessa sedimenta con l’esperienza che fai ogni giorno del mondo.

Piangi poco, quasi sempre ti diverti. Noi ti diamo sostegno,

siamo i binari sui quali tu puoi scorrere, fermarti, correre.

Siamo il cibo e la casa e il rifugio e il conforto, la famiglia in cui sei nata

e che secondo alcuni hai scelto quando ancora eri in spirito soltanto, per altri ti è toccata casualmente. In ogni caso

che la vita ti sia lieve, amore mio, e che tu sia lieve alla terra.
 

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Mi chiamo Gian Maria Turi e sono nato a Bologna il 21 luglio 1969, dove ho compiuto gli studi elementari e medi inferiori. Nel 1983 mi sono trasferito con la famiglia a Genzano di Roma, per motivi legati al mestiere di mio padre. Nel 1989 ho ottenuto la Maturità Scientifica e l’anno successivo mi sono immatricolato alla Facoltà di Fisica dell’Università di Roma II “Tor Vergata”. Nel 1993 ho capito di avere sbagliato indirizzo di studi e mi sono iscritto alla Facoltà di Lettere dell’Università di Bologna, dove mi sono laureato in Filologia Romanza nel 1998. Durante il periodo universitario bolognese ho iniziato a scrivere con regolarità, risultando terzo classificato a un premio di poesie legato alla Facoltà di Lettere e presieduto da Ezio Raimondi e Niva Lorenzini. Una delle poesie premiate è stata pubblicata in Voci di poesia: rassegna di poeti contemporanei a Bologna, a c. di Gilberto Centi, Bologna 1997.

Conclusi gli studi universitari, mi sono trasferito per alcuni mesi a Saragozza, in Spagna, dove ho studiato lo spagnolo e camminato per il Cammino di Santiago di Compostela. A ridosso del nuovo millennio sono partito per l’India, dove ho viaggiato in lungo e in largo per oltre 8 mesi, raggiungendo il Nepal e le montagne dell’Himalaya. Dall’India sono approdato in Israele nel giugno del 2000. In occasione della Seconda Guerra del Golfo, ho iniziato a lavorare presso l’Ambasciata d’Italia a Tel Aviv come revisore dell’archivio anagrafico. Ho iniziato anche regolari studi cabalistici e, di conseguenza, ho imparato l’ebraico.

Dal 2003 al 2008 sono stato direttore amministrativo dell’Istituto Italiano di Cultura di Haifa, in Israele. In questo periodo ho terminato gli studi cabalistici, quindi sono stato costretto a lasciare il paese per la scadenza del permesso di soggiorno. Nel 2009 ho viaggiato di nuovo in India. Nel 2010 mi sono trasferito ad Atene, dove ho iniziato a lavorare come insegnante di lingua e cultura italiana presso l’Istituto Italiano di Cultura di Atene, e vi ho lavorato fino a quando la crisi economica ci ha permesso di avere un certo numero di studenti, cioè giugno 2012. Da allora ho lavorato come insegnante di lingua italiana privato, editor e traduttore. Sempre nel 2010 ho pubblicato presso l’editore Manni di Lecce il libro Acrilirico, raccolta di poesie e prose risalenti al periodo universitario a cui non avevo mai dato seguito. Opera segnalata al premio “Montano” - ANTEREM 2012.

A ottobre 2012 è uscito il mio libro Darśana de Malchut, che è stato presentato negli Istituti Italiani di Cultura di Tel Aviv e Haifa il 18 e 19 giugno 2013 e in alcune città italiane nel mese di dicembre 2013.

Il 23 marzo 2013 il mio inedito Canti della burocrazia si è classificato secondo ex-aequo al 14° premio Navile, città di Bologna ed è stato segnalato al premio “Montano” - ANTEREM 2014. Lo stesso è stato pubblicato in formato ebook nel dicembre 2014 sul sito del LaRecherche.it.